Как придумать свой стиль рисования

Разработка персонального стиля рисования: 11 советов экспертов

У вас есть стиль персонального рисования? То есть у вас есть стиль подписи для создания чертежей, которые все ваши собственные?

Художественные работы через CakeSpy

С практикой почти каждый может справиться с множеством различных методов рисования. Но если вы действительно хотите стать художником, вы должны вставить в свои рисунки часть себя.

Для некоторых это проще сказать, что это делается: для разработки персонального или подписи требуется время и исследование. Здесь мы рассмотрим 11 советов о том, как разблокировать свой собственный стиль рисования.

1. Посмотрите на много разных искусств.

2. Изучите правила.

Изучите правила, чтобы их можно было разбить! Изучение основ рисования, таких как методы ручного инсульта, основы затенения и способы рисования с перспективой, может помочь вам изучить некоторые основы создания красивых рисунков. Таким образом, когда ваш личный стиль развивается, у вас есть определенные навыки для его поддержки.

3. Эмуляция экспертов.

Вы никогда не хотите плагиата искусства, но особенно когда вы только начинаете, есть преимущество в копировании стилей других.

Позвольте мне проиллюстрировать личным примером. В детстве я сидел перед телевизором и пытался рисовать моих любимых персонажей мультфильмов. Со временем я взял то, что узнал о рисовании персонажей, и разработал собственные персонажи мультфильмов. Я уверен, что сначала они выглядели производными, но со временем они превратились в своих собственных уникальных персонажей. То, что может начаться как «копирование», может быстро превратиться в ответвление, которое уникально принадлежит вам.

4. Развивайте повседневную практику.

5. Выйдите за пределы зоны комфорта.

Попробуйте рисовать в стиле, который вам кажется трудным или страшным. Это может звучать как противоположность тому, что вы должны сделать, чтобы развивать личный стиль, но оставайтесь со мной здесь. Изучение стилей, которые кажутся трудными или неестественными, может научить вас тому, что вы хотите сделать, и что чувствуете естественным.

6. Дудл.

В самом деле! Doodling может помочь улучшить ваши навыки и помочь вам развить персональный стиль. Как вы doodle, вы не только улучшаете координацию рук, но и работаете в форме свободной формы, которая может включать в себя какое-то художественное решение проблем.

7. Продолжайте рисовать одно и то же снова и снова.

Чтобы сказать это в контексте, вы когда-нибудь оглядывались на старые эпизоды «Симпсонов» и думали, насколько забавны персонажи? Это почти так, как если бы они были бета-версиями. Благодаря постоянному рисованию и повторному рисованию персонажи превратились в «идеальную» и узнаваемую версию. Позвольте вашему личному стилю быть утонченным и сведенным к его сути, исследуя подобный предмет с течением времени.

8. Позвольте себе быть любопытным.

9. Прекратите рисование.

Нет, я не шучу. Вы знаете, как люди шутя, что лучшие идеи и величайшее вдохновение приходят к ним в душе? Отправьте эту идею и на мгновение положите ручку и чернила.

Прогуляйтесь, примите ванну или возьмите какой-то радостный, внимательный перерыв. Часто, даже не осознавая этого, ваш мозг обрабатывает вещи за это время «выключен». Это может сделать вас лучшим художником. Взятие перерывов в этом процессе помогает вам приблизиться к вашему искусству с открытым умом.

Фотография через CakeSpy для Verlo

10. Посмотрите, куда он приведет вас.

Иногда, когда вы находите что-то, что «работает» художественно, искушение может заключаться в том, чтобы придерживаться его навсегда и всегда. Ну, может быть, это работает для некоторых художников. Но с течением времени многие другие художники эволюционируют. Посмотрите, куда вас ведет ваш стиль.

Например, я всегда рисовал персонажей. Мне нравилось работать в ручке, чернилах и акварелях, но теперь мне нравится окрашивать предметы в цифровом виде и использовать фотографии, как показано на рисунке выше. Это по-прежнему определенно мой стиль, но он эволюционировал и менялся в зависимости от времени, моих предпочтений и того, что чувствует себя хорошо.

11. Не уходите.

Источник

Это блог о творчестве, о хитростях и секретах разных художников

Как найти свой стиль художнику

Как же все-таки найти свой стиль?

Эта статья для тех, кто уже неплохо рисует, но никак не может определиться со стилем.

Свой стиль собирается из того, что любо и дорого ТВОЕЙ душе.

6 шагов для определения своего стиля:

1. В первую очередь выбираешь тему: что хочется показать, и о чем хочется рассказать зрителям.

2. Чем и на чем будешь рисовать эту тему?

3. Потом выбираешь какие мазки, штрихи, приёмы. тебе нравится использовать.

4. Потом определяешь, как тебе больше нравится рисовать: все-все детально прорабатывать, или только главное, какие планы и ракурсы тебе интереснее?

5. Возможно, но не обязательно, уточняешь или ограничиваешь цветовую палитру.

6. Потом делаешь серию работ по этой теме в этом стиле.

И каждый раз с каждой новой картиной учишься, изучаешь и оттачиваешь приемы, чтобы до автоматизма, до совершенства. Ищешь способы и упражнения, чтобы улучшить, свое мастерство. Учишься композиции и выразительности линий и пятен.

Так появляется ТВОЙ стиль.

Стиль и почерк, чем отличаются?

У развивающегося художника каждая серия работ чем-то отличается и это нормально. Если художник не меняется, он застыл в своем развитии.
Для каждой серии можно разрабатывать новый стиль или хотя бы улучшать, развивать старый. И это не только нормально, а желательно, чтобы не костенеть.

ПОЧЕРК

А стиль выбирается осознанно.
Он создаётся художником как мозаика из кусочков, которые любишь. Как его создавать я написала выше.
Конечно, часть стиля будет состоять из вашего почерка. Но часть, вы можете добавлять и менять по своему вкусу.

Сейчас все советуют выбрать одну тему (портрет, натюрморт, сюжет. ), один материал (акварель, масло, акрил. ), определиться с техникой (штрихи, мазки, линии, палитра. ) и доводить это до совершенства, не отвлекаясь на другие темы, материалы и техники.
Да, это идеальный вариант

Но это программа для роботов.

А мы живые люди. Нам нравится разное, нам скучно рисовать одно и то же.

Нужно ли нам себя ограничивать?

Ни в коем случае!
Вы замечали, что когда хотите рисовать одно, а надо как бы другое, то вы вообще не рисуете ничего.
Было такое?
Вдохновились чем-то, к примеру цветочком, и захотелось нарисовать, но мы придумали себе, что нужно рисовать только кораблики и море, а цветочки ни-ни, это не наш стиль. Представьте, что внутри вас начинают бороться два таракана Хочу и Надо, даже если кто-то победит, вы в любом случае потеряете кучу сил, потому что оба таракана берут силы у вас.
А если борьба долгая, то вы в это время сидите в соц.сетях, пьете чай, что-то смотрите, или начинаете срочно наводить порядок или. что вы обычно делаете создавая видимость бурной деятельности, чтобы не делать важное?
А в создании своей стильной серии не продвинулись ни на шаг.

У вас так бывает?
Что же делать?

Нужно разложить все по полочкам!

1. Найдите все свои рисунки, лучше фото рисунков (даже проданных и подаренных).
2. Рассортируте их по папкам.

Рассортировав свои работы, вы увидите, что именно вам нравится рисовать и какие серии можно сделать ведущими, а какие для наполнения себя счастьем и энергией (которые можно даже не показывать зрителям).
Возможно вы поймёте, в какую точку вам нужно бить, какие из серий могут стать вашим творческим лицом для продвижения себя как художника, иногда отклоняясь на другие темы для наполнения вдохновения и снова возвращаясь к ведущим сериям.

И ни в коем случае не ограничивайте себя!

Во-первых, так вы теряете энергию.
Во-вторых, художник рисующий одни и те же сюжеты быстро становится скучным для своих зрителей, иногда надо показывать что-то неожиданное или менять стиль.
В-третьих, никому не нужны ваши страдания и мучения

А если вы только учитесь и рисуете пока по МК, то сортируя свои рисунки по отдельным папкам вы тоже можете понять любимые темы и материалы, и понять какой материал и тему сделать основными для изучения. Ведь вы не на все подряд МК ходите

Рисуйте с удовольствием и никогда не сдавайтесь!

С любовью, Мила Наумова.

Поделись, или сохрани для себя, чтобы не потерять:

Источник

Как придумать свой стиль рисования

(Перевод статьи Tara Leaver “Finding your own artistic style: A practical guide” –

У многих из нас поиск своего собственного узнаваемого художественного стиля вызывает большие трудности. И это относится не только к новичкам в рисовании, но также затрагивает и художников со стажем.

Возможно вы начинаете сомневаться еще до того, как кисть прикоснется к холсту, вспоминая разные критические замечания ваших учителей, или попросту теряясь в огромном количестве различных возможных идей и вдохновении, полученных с разных курсов. А может и то, и другое сразу!

Неудивительно, что когда вы найдете свой стиль, вы почувствуете себя просто изумительно!

Сегодня я вижу несколько простых способов как найти и развить свой собственный стиль.

Он есть у каждого человека, просто нужно помочь ему проявить себя. Мы развиваем его через постоянную практику и упражнения, но есть еще и бессознательная часть, та, что идет не через “руки”, а от сердца.

Я знаю, что эта мысль кажется очевидной, тем не менее именно такое сочетание позволяет нам начать работать над выработкой нашего индивидуального стиля. Полученная извне, эта идея дает вам возможность более четко представить, с чего лучше начать познавать свое творчество и искать свой стиль.

Все, что вы прочитаете ниже, не является исчерпывающей информацией по этой теме. Это лишь отправные точки для вас в поисках собственного пути.

Возьмите свою последнюю работу, положите её так, чтобы вам было удобно её рассматривать. Последовательно отвечайте на вопросы, попутно отмечая свою реакцию и наблюдения. Если хотите, можете сделать письменные пометки.

Мы отправляемся на поиски сокровищ!

Главное сокровище – это ваше собственное творчество.

Задумайтесь над тем, что вы рисуете чаще всего

Лично я стараюсь запоминать свои предпочтения в сюжетах, как часто я работаю над той или иной темой. А где-то дома у меня лежит и листок из блокнота, куда я записываю эту информацию. Так что, когда я чувствую затруднения с ответом на вопрос о моей любимой теме в рисовании, то заглядываю в себя или этот листок.

Итак, я люблю рисовать лодки! А ещё рыб, фигуры и деревья.

Список любимых тем не должен быть абсолютно полным или исчерпывающим на данном этапе. Достаточно выделить для себя несколько из них, чтобы иметь отправную точку.

Подборка работ с экспериментами и творческими поисками на тему деревьев. Вы можете увидеть общие черты, связывающие работы – извилистые линии и контурный рисунок.

Какие цвета вы любите?

В мою рабочую палитру в последнее время входят aqua, голубая, непальская желтая, флуоресцентная розовая и белая, в качестве которой я использую акриловый грунт gesso. Это дает мне хороший диапазон темных, средних и светлых тонов. Я получаю искреннее удовольствие от игры с этими цветами, они полностью отвечают моим нуждам и потребностям в данный момент.

А как насчет вас?

Слева – моя фотография, справа – рисунок по ней. Я использовала цвета из “моей” палитры и экспериментальную технику.

Какие у вашего стиля особенности?

Особенности моего стиля – контурные линии, часто неровные и размытые, иногда “грязные” по цветовому решению. Я вдохновляюсь работами Эгона Шиле (Egon Schiele). Я тоже люблю нервные цветовые контрасты, изощренно-гибкий рисунок.

Проанализируйте, какие приемы вам особенно нравятся и близки, дарят чувство удовлетворения своим творчеством. Развивайте их, придерживайтесь в своих будущих работах.

Рисунок рыбы, выполненный чернилами орехового оттенка. Эксперимент с линиями.

Какая техника, художественный материал вам нравится?

Я очень люблю работать с масляной пастелью. Но больше всего мне нравится работать с акрилом и использовать в работах медиум. Это позволяет мне контролировать процесс высыхания красок, играть с результатом. Высыхает всё быстро и так же легко чистится.

Если у вас есть одна любимая техника, то это значит, что вы сможете исследовать все её возможности, улучшить свои навыки, а значит и свои работы в целом.

Я не пользовалась референсами для этой работы. Тут лишь два моих любимых материала – акрил и масляная пастель.

Что вас вдохновляет?

Итак, мы рассмотрели основные вопросы, на которые нужно обратить особое внимание в поисках своего стиля. Теперь давайте немного отвлечёмся, посмотрим на работы других художников и подумаем над тем, что бы мы могли позаимствовать у них для себя.

Я рекомендую заняться этим после того, как вы ответите на четыре предыдущих вопроса. Перед тем, как начать рассматривать и оценивать работу других художников, вам нужно для начала разобраться со своим творчеством.

Если вы уверены в том, что выделили для себя основные черты своего творчества, это упрощает вам поиск работ других художников, близких вам по стилю и видению мира. Вам будет проще оценивать их работы, и искать особенности, которые вы хотели бы добавить к своим работам, своему стилю.

Когда вы дойдете до этого момента, я рекомендую вам ознакомиться с сайтом Pinterest.

Он создан для того, чтобы собирать и делиться визуальной информацией. Там море различных картинок, фотографий и изображений. Задайте несколько ключевых запросов, посмотрите на результат.

Вы можете создать свою персональную доску, на которую будете собирать (прикалывать – Pin it!) все, что вас вдохновит и заинтересует, будь это интересная композиция на одной картине, цветовая палитра другой, стиль художника на третьей или сюжет четвертой.

На своей доске я не собираю картины других художников. Я поступаю так не потому, что они меня не вдохновляют. Просто я хочу быть свободной от того, что рисовали другие художники в тот момент, когда я начинаю творить, искать свои собственные сюжеты и решения.

В этом вам частично помогут референсные фото (фото-исходники для рисования). Они могут сослужить вам хорошую службу, так что держите их всегда под рукой или сохраняйте на доске в Pinterest фотографии, которые вдохновляют вас.

Кроме того, внимательно приглядевшись к собранным вами фотографиям, вы непременно увидите подсказки о том, что вам интересно в данный момент, и что дальше делать.

Да, Pinterest как кроличья нора! Если вы не можете оторваться от него, поставьте таймер.

Слева – фото из Pinterest, справа – моя работа, на которую меня это фото вдохновило.

Вы можете задать себе лишь ОДИН вопрос, и пусть это будет: “Что вдохновляет меня именно сейчас?”

Я всегда задаю его себе, если не уверена с чего начать или не могу вспомнить как “я” рисую. Он позволяет мне идти по моему собственному пути.

Подумайте о том, что вы хотите нарисовать именно сейчас, подберите референсные фотографии, если они вам необходимы, несколько любимых цветов из вашей палитры, и рисуйте в технике, которая вам нравится.

Итак, вы готовы. Что же вы нарисуете?

Буду признательна за репост статьи!

Еще полезные переводные материалы по рисованию:

Источник

Как выработать свой стиль рисования

Метод 1. Ищите себя в разных стилях

1. Изучайте известных художников

Изучайте известных художников прошлого и настоящего. Рассматривайте их работы и старайтесь определить, как именно им удалось заложить основы современной иллюстрации. Изучая знаменитых художников:

2. Посещайте музеи искусства и выставки

Посещайте музеи искусства и выставки, это даст вам возможность рассмотреть произведения другого художника лично, это в корне отличается от просмотра картинки произведения в книге или в сети. Поищите в интернете информацию о том, какие галереи открыты поблизости. Может вам захочется поискать более подробную информацию и найти художников, которые используют те же выразительные средства или рисуют на ту же тематику, что и вы.

3. Приобретайте книги по искусству и графические романы

В графических романах сюжет раскрывается с использованием последовательности изображений и текста. В отличие от комиксов, графические романы более объемно и комплексно раскрывают сюжет. Выберите графический роман и обратите внимание на использование в нем различных стилей. Книги по искусству, с другой стороны, в качестве пособия позволяют рассмотреть различные произведения искусства уважаемых вами художников. Их особенно полезно приобретать в том случае, если вы не знакомы с творчеством данного художника, и нет возможности сходить в музей.

Метод 2. Развивайте свой стиль

1. Используйте различные выразительные средства

Использование различных выразительных средств поможет обратить внимание на новые стили в искусстве, и это может оказать влияние на ваш теперешний стиль. Если вы всегда рисуете с использованием лишь одного средства, подумайте о том, чтобы перейти на другое, которое используете гораздо реже. Например, если вы всегда рисуете карандашом или ручкой, попробуйте, например, пастель или уголь. Пока вы будете осваивать новую технику рисования, это может благотворно повлиять на ваш стиль в целом.

2. Применяйте различные техники рисования

Иногда художник увлекается рисованием в определенной технике, и все свои последующие работы выполняет только в ней. Например, если вы всегда рисовали в стиле аниме, это может помешать рисовать другие интересные вам вещи. Раздвигайте свои границы и перенимайте опыт окружающих вас художников-новаторов.

3. Определите, что именно вам нравится рисовать больше всего

Разным художникам нравится рисовать разные вещи. Некоторые художники предпочитают изображать образы людей, в то время как другим нравится писать неживые предметы или пейзажи. Кроме того, часть художников рисуют архитектуру, а некоторые любят рисовать эскизы одежды. Подумайте о том, что вы хотели бы отобразить в своих работах и решите, какой сюжет вам интересен больше всего.

4. Выражайте себя в своих рисунках

Сосредоточьтесь на своих эмоциях и вспомните свои любимые темы и постарайтесь отобразить их в своих произведениях. Например, если вы хотите передать темные эмоции, вы можете отобразить их в своем произведении, нарисовав серьезный сюжет, жестокую или угнетающую сцену. Покажите, что вы расстроены, используя резкие, неровные линии. Если вы хотите изобразить безмятежные сцены, используйте размытые яркие цвета и выберите сюжет, которым все будут любоваться.

5. Определитесь со стилем линий

Как только вы определились со средством выражения и с тематикой, самое время представить, как будет выглядеть результат. Продумайте толщину линий и то, как вы их будете использовать в работе. Спросите себя, нравится вам использовать жирные четкие или более сложные линии, будут они короткими и резкими или скорее плавными и длинными. Определитесь, главный акцент будет на линиях или же цвета и детали для вас важнее?

6. Определитесь с цветами, которые вы будете использовать

Зачастую именно от цвета зависит то, какие эмоции и чувства будет вызывать произведение. Часто более темные тона, такие как темно-синий (dark blue) и черный (black) производят жутковатое впечатление от произведения в целом, а светлые тона, такие как желтый (yellow), красный (red) и оранжевый (orange) вызывают позитивные эмоции. Интенсивность и метод нанесения также меняют общее впечатление от картины.

Метод 3. Совершенствуйте свои умения

1. Запишитесь на курсы обучения основам рисования

Школьное образование далеко от творчества, а на курсах можно изучить основные художественные техники, такие как затенение, добавление текстуры и композиция. Изучите все предлагаемые поблизости курсы и выберите те, что больше всего вас заинтересуют.

2. Практикуйтесь часто и помногу

Быстрые зарисовки или рисование эскизов на курсах может помочь отточить ваши способности, в то время как целенаправленная и сконцентрированная практика позволяет значительно улучшить вашу технику. Выделите время на то, чтобы сесть и усердно поработать в вашем новом стиле. Выделите моменты, которые даются вам с трудом и отрабатывайте именно их.

3. Общайтесь с преподавателями и художниками

Ваш стиль для вас является уникальным, но не давайте вашему эго препятствовать улучшению вашего стиля. Искусство очень субъективно, но есть вещи, которые вы можете сделать для того, чтобы улучшить вашу технику независимо от вашего опыта. Открыто и честно обсуждайте свои работы и следуйте совету, если считаете, что он того заслуживает.

4. Будьте особенным

Теперь, когда вы постигли базу, вам нужно попытаться развить стиль, который будет уникальным. Черпайте вдохновение в работах различных художников, разных стилях, и разных техниках, и выберите понравившиеся приемы. Не нужно становиться подражателем другого художника. Старайтесь идти своим путем.

ВИДЕО: Как найти свой АВТОРСКИЙ стиль в рисовании

Источник

4 шага к формированию собственного стиля в рисовании

Обязательно ли автору перед продажей работ разрабатывать фирменный стиль? Я так не считаю. Можно привести в пример множество художников, зарабатывающих на жизнь отнюдь не запоминающимися и уникальными иллюстрациями, но это вряд ли убедит читателей. Вы останетесь уверены в том, что заниматься продажами можно только с оригинальным почерком, поэтому не стоит тратить время на приведение аргументов — лучше показать, как разработать фирменный стиль. Его наличие желательно, оно действительно увеличивает шансы продать работу, но жизненной необходимости в нем нет.

Экспериментируя, я нашел способ, о котором сейчас расскажу. Во всех ресурсах сказано, что на разработку собственного стиля требуются годы, но найти пошаговую инструкцию к его созданию не представлялось возможным. Попадалось множество постов с заголовками «Как найти свой фирменный стиль», но ни один фактически не раскрывал секрета. Они пестрели советами в стиле «не бросай рисовать» или «найди то, что пробудит в тебе страсть к рисованию». Да, это хорошие советы, но мне нужен был по-настоящему действенный план и следом за ним желаемые результаты. В конце концов я нашел способ сам, и с тех пор у меня есть пошаговый план — помощь тысячам художников найти свой стиль, который идеально им подойдет и сможет развиваться в течение их деятельности. Это действительно работает, вам всего лишь нужно следовать инструкции.

В создании фирменного художественного стиля нет магии и мистики. Стиль, как и все в процессе создания иллюстрации, приходит естественно. Процесс его формирования не заберет вечность: стиль — это результат труда, получаемый максимум за неделю.

Вам следует очень точно придерживаться моих советов и игнорировать соблазн сжульничать и забежать вперед или охватить больше, чем я советую. Пожалуйста, не делайте так. Следуя всем шагам и делая осознанный выбор, ваш оригинальный почерк проявится в первой же созданной иллюстрации.

И последнее, прежде чем мы начнем. Сейчас считается, что для разработки персонального стиля необходимо выполнить творческие усилия, так что вам может помочь мое определение творчества. Как только мы уберем в сторону творческую часть, вы сможете следовать плану и добиваться желаемых результатов.

Творчество — это умение собирать новое из привычного нам старого.

Запомните это определение — и приступайте.

Шаг 1: Найдите трех художников или три стиля, которые вызывают сильные эмоции

С этого и начнем. Возьмите за пример три любимых художника, стиля или арт-объекта. Ими могут быть кто угодно и что угодно, даже нечто трехмерное — скульптуры, куклы, игрушки, но обязательно выбрать хотя бы два двухмерных стиля. Например, можете выбрать троих художников с различными стилями, или три иллюстрации разного характера, или же направления — Импрессионизм, Маньеризм и т.д.
Выбранные художники должны максимально отличаться друг от друга.

И, конечно же, самое важное на этой стадии — отобрать художников, чьими работами вы действительно восхищаетесь, стиль которых в самом деле приносит визуальное наслаждение. Любите по-настоящему то, что вы выбрали, но не забывайте — больше трех выбирать нельзя.

Шаг 2: Выберите картинку, которая лучше всего отражает выбор в шаге 1

Для многих второй шаг означает некоторые трудности. Выберите картину, иллюстрацию или фото, которые лучше всего отражают выбор в шаге 1. Например, ваш выбор пал на Андрея Кавасаки (Audrey Kawasaki). Остановитесь на той его работе, которая нравится вам больше. Или, скажем, вы выбрали аниме-стиль — найдите любимый рисунок из этой области.

Знаю, это сложно, ведь хороших работ, из которых можно выбирать, огромное количество. Но это важно, так что не жульничать — выберите по одной картинке на каждого исполнителя, стиль или 3D-объект. Не спешите и выберите то, что вам действительно нравится, такую картину, которую вы бы купили и повесили в своем доме.

Шаг 3: Проанализируйте каждую из картинок из шага 2

Второй шаг заставил вас поломать голову? Пристегните ремни, самое сложное еще впереди. Третья часть самая сложная, и именно ей большинство не уделяет достаточно времени. Этот шаг важен для получения желаемого результата, поэтому искренне прошу — найдите время для его качественного выполнения.

Теперь о том, что значит качественное выполнение. Серьезно отнеситесь к анализу картинок: возьмите ручку и бумагу и запишите свои наблюдения. В каждой работе должна быть одна ключевая деталь, влияющая на общее восприятие картинки, либо изюминка, выделяющая работу среди прочих. Найдите такие детали, проанализируйте и запишите.

Задайтесь вопросом: что первым обратило на себя ваше внимание? Почему именно эта деталь завладела вашим вниманием? Как именно эта деталь используется в рисунке?

Неверных наблюдений не существует, не справиться с заданием можно только если вы поскупились на наблюдения.

Подходите к заданию творчески. Выбирая художника-фигуративиста, не пишите лишь то, что вам нравится его подход к изображению объекта. Этой информации недостаточно! Нужно понять, почему вам нравится этот подход. Что заставило вас выбрать именно этого фигуративиста и обойти вниманием прочих? Предметы в его работе реалистичны или стилизованы? Картина навевает мысли о сильном и властном или о нежном и хрупком? Художник использует жирный контур или не использует контур вообще? Объекты смело освещены резким светом и тенями или еле-еле видны на картине?

Может, вас восхитят не нарисованные образы, а выбранные художником цвета. Почему они особенные? Эти цвета светлые и яркие или приглушенные и мрачные? Использовал ли художник различные оттенки или большинство оттенков из одной цветовой гаммы? Это вопросы, ответы на которые важно получить.

Для каждой картинки следует посвятить по абзацу на описание важных деталей. Неплохо было бы написать больше одного абзаца или даже целую страницу, но любой результат удовлетворителен.

Готов поспорить, что сейчас ваши головы полны возражений. Может быть, вы считаете, что недостаточно хорошо владеете словом, или сомневаетесь в том, что знаете об искусстве достаточно, чтобы делать хорошие наблюдения, или же просто чувствуете, что обладаете скудным словарным запасом. Однако это не играет никакой роли, ведь никто проведенной вами работы не увидит, а значит не важно то, получали вы Пулитцеровскую премию или нет. Чем проще, тем лучше, и не обязательно считаться гуру в истории искусства, чтобы понять, что вам нравится. Не обязательно свободно оперировать многоэтажными художественными терминами, важно лишь знать, почему вам нравится то, что вы выбираете. Не утверждаю, что это просто — ничто не дается легко. Не спешите и рассмотрите в деталях каждую работу.

Умение проводить подобный анализ может иметь большое значение для профессионального роста. Можете вспомнить мой комментарий в блоге под постом «Готов ли ты начать продавать свои иллюстрации, выполненные маркерами Сopic?» (Are You Ready to Start Selling Your Copic Marker Art?) про то, что сбыт работ и обсуждение работ — это одно и то же. У большинства художников появляются проблемы с продажей именно по причине неумения говорить о своих работах. Они не умеют этого делать, потому что не умеют говорить о художественных произведениях в целом. Когда вы не умеете объяснять что-то конкретное, людям становится сложно это понять. Никто не любит то, что не понимает.

Уделите этому шагу достаточно времени, и вы научитесь анализировать искусство и говорить о нем, а значит сможете применять эти умения к собственным работам. Чем больше вы говорите о том, что создаете, тем лучше оно будет продаваться.

Шаг 4: Объедините художественные элементы из шага 3 в собственный оригинальный рисунок

Теперь поможет мое определение творчества. В шаге 4 требуется соединить детали, тщательно выбранные на предыдущем этапе, и получить собственный оригинальный рисунок. Внесу ясность: вы не работаете с главными объектами выбранных картинок, вы сочетаете зацепившие вас детали. Сюжетом работы должно стать то, что вы чаще всего рисуете. Рисуйте любимые сюжеты и предметы.

Допустим, главным персонажем ваших работ является герой комиксов, но ваш стиль не выделяет его среди персонажей прочих авторов. До этого момента вы рисовали в стиле любимого автора комиксов, но сейчас вы ищите собственный стиль. Вы решили нарисовать героя А.

Тут вам и пригодится работа, проделанная в третьем пункте. Скажем, вы поняли, что вам нравится контур художника Х, яркая цветовая гамма художника Y и похожий на стиль Рембранта почерк художника Z, смелая игра светотени. Начинайте рисовать персонажа А с набросков, так же как и всегда. Приведите его в порядок и выполните контур в стиле художника Х. Используйте насыщенные цвета Y и выразительную светотень Z.

По окончанию работы родится уникальный, не использованный никем стиль. Он будет узнаваем как ваш, потому что сохранены прежние пропорции тела и рисовка персонажа — главная концепция персонажа. Он уникален за счет сделанного выбора. Даже если два человека выберут одинаковых художников и одинаковые стили, они по-разному внедрят отобранные детали в работы и, следовательно, получат уникальные работы.

Что действительно интересно в описанном подходе, так это возможность мгновенно отличиться от большинства, но при этом сохранить то характерное, что привыкли видеть в ваших старых работах. Рисунок выйдет новым, но знакомым; уникальным, но узнаваемым. Он не будет непринятой в искусстве белой вороной (как творчество Ван Гога), но и не получится настолько знакомым, что при взгляде на него покажется, что вы уже видели подобное. Вы будете удивлены тем, как многие отметят в вашей работе схожесть со стилем их любимых авторов. Другие люди подчеркнут уникальность вашего стиля и признаются, что он им близок.

Мой метод разработки фирменного стиля действительно работает.

Так как вы выбираете каждую деталь тщательно и сознательно, новый стиль подойдет вам как личности и продолжит развиваться вместе с вашей техникой. Чем больше вы будете рисовать, тем быстрее стиль будет совершенствоваться. Через несколько лет сможете заметить, что почерк изменился коренным образом. Но за счет наличия хорошо подготовленного базового стиля изменения останутся естественными, не выбивающимися из общей картины.

Попробуйте и посмотрите, что получится. Не нужно быть гением, чтобы найти свой стиль, так что я с нетерпением жду ваших результатов.

Источник

Как найти свой стиль в рисовании?

Когда я начала рисовать и делиться своими работами, друзья мои спрашивла, как я нашла свой стиль.

Я долго не знала как ответить, думала и рисовала дальше.

Мне кажется стиль можно только выработать.

Как выработать свой стиль?

А как в любой отрасли создаётся что-то новое, неизвестное?

Путём комбинации известного.

А теперь четкий, пошаговый алгоритм, как я люблю.

Делаете скрины 10 его работ.

Проводите анализ по следующим параметрам:

— контуры, есть или нет. Яркие? Бледные? Чёрные? Белые? Какие у них характеристики.

— цвета. Яркие? Приглушённые? Кислотные? Нежные?

— диапазон цвета. Работа в 2-3 тонах одного цвета? Нет?

— формы объектов плоские? Объёмные?

— работа детальная или упрощенная?

Исходя из своих ответов рисуете свою работу. Нарисуйте три работы в стиле этого автора.

Рассмотрите свои работы. Что в ваших работах в разных стилях вам нравится?

Теперь нарисуйте работу, в которой оставите только те характеристики, которые вам нравятся.

Таких работ три.

Поздравляю, у вас появляется свой стиль.

Да, его нужно дорабатывать, совершенствовать. Но у вас он есть.

Если трудно пройти этот путь самой,то нужно просто «Набивать» руку день за днём. Что бы в один прекрасный день вы сказали, это мой стиль, и я в нем огонь.

Источник

Дизайн персонажа. От простого к замысловатому. Часть 1. Основы

Искусство дизайна персонажей годами накапливало знания, приёмы и хитрости, которые художники используют сегодня, чтобы воплотить в жизнь самые разные замыслы. Попробуем заглянуть за кулису этого процесса и понять, как устроена работа над внешним обликом персонажа для мультфильмов и мультсериалов.

Прежде чем углубиться в то, какого оттенка голубого должны быть глаза у прекрасного принца, необходимо заложить надёжный фундамент для образа героя.

Дизайн персонажа держится на трех китах: форма, силуэт, цвет. Вокруг этих понятий вращается всё, что связано с визуальной разработкой героев. Почему это так важно?

Миллионы лет назад, до появления зубных врачей и счетов за коммунальные услуги, наши предки больше всего боялись природы. И вопрос “быть или не быть” решался скоростью реакции. Пара секунд, чтобы отделить крадущегося тигра от мирно бредущего по своим делам муравьеда, оценить устойчивость камня, отличить дружелюбного соплеменника от разозленного соседа с острой палкой — вот какие задачи нам приходилось решать.

Поэтому наш мозг выработал своеобразные схемы, в рамках которых определенные формы и их сочетания вызывают у нас моментальные реакции. Хотя сегодня нам не грозит встреча с диким зверем, стремление как можно быстрее идентифицировать объект как угрожающий или безопасный — у нас в подкорке.

Пока философы гадают: определяет ли бытие сознание или сознание определяет бытие, художники по персонажам давно знают, что сознание определяет лежащую в основе героя форму. Скажем, что общего у Малефисенты и Джафара?

Гордая осанка, отвратительный характер, магическое могущество и треугольники.

Естественно, при создании персонажа мы не можем целиком полагаться только на одну фигуру, ведь характеры наших персонажей редко укладываются в одно слово. Например, «злой тупой великан» и «злой коварный волшебник», безусловно, будут иметь сходные черты, но показать различия между ними помогут сочетания и вариации трёх основных форм.

Вот пара известных персонажей с не совсем неоднозначными характерами.

Кроме того, для коммерческой анимации яркий и уникальный силуэт — жизненная необходимость. Он понадобится для продвижения бренда и производства различного мерча.

Во имя чистоты силуэта создатели иногда закрывают глаза на законы логики и биологии. Например, уши Микки Мауса всегда выглядят, как два идеальных круга независимо от того, как он поворачивает голову.

Источник

Как выработать авторский стиль в иллюстрации

Профессиональный иллюстратор Дейв Нил умудряется сохранять свой стиль даже в рекламных проектах. Как ему это удается? Дейв поделился парочкой секретов, которые помогут вам выработать уникальный стиль и придерживаться его несмотря ни на что.

Видео ниже – это одна из работ Дейва. Также он создал рекламу для Aquafresh. По этим двум роликам можно понять стиль художника – очень гладкое 3D изображение стало визитной карточкой Дейва.

Дейв выработал приведенные ниже советы, основываясь на собственном опыте и ошибках, которые он совершал за многие года работы иллюстратором.

1. Изучите основы

Формы – ключ к успеху

Формы должны лежать в основе работы любого художника, но, к сожалению, в большинстве случаев про формы никто не помнит. Вы обязаны основываться на реальных элементах, когда собираетесь создавать несуществующих персонажей.

Как вы сможете нарисовать крутую рыбу, если вы даже не умеете рисовать реалистичную рыбу? Если рисунок выглядит плохо, то, скорее всего, формы были нарисованы неправильно. Знать формы – значит разбивать все, что вы видите или рисуете, на более простые фигуры.

Структура

Структура – это анатомия того, что вы рисуете. Не имеет значения, что вы хотите нарисовать, вы должны знать, как это построено. Мышцы, кости, кожа, шкура, шерсть, корни, ветки, листья – все это части одной структуры.

Убедитесь в том, что у вас нет пробелов в знаниях. Вы должны знать столько технической информации, чтобы вы уже могли интуитивно ориентироваться в структуре. Это подразумевает не только знание основных правил рисования, но и умение применять их и понимать их.

Как только вы знаете структуру животного, вы уже можете свободно создавать дизайн и не волноваться о логистике. Ваша работа и так будет выглядеть отлично, так как структура будет правильной.

Помните, что если вы хотите, чтобы ваш рисунок выглядел достоверно, вам нужно знать структуру объекта.

Используйте сетки

Сетка поможет вам правильно расположить формы. Попробуйте рисовать с помощью сетки, это поможет вам справиться с перспективой и пропорциями, так как вы буквально сможете разбить свое изображение на маленькие кусочки.

Умейте видеть в 3D

Перспектива невероятно важна. Дейв говорит, что даже 2D рисунок нужно видеть в трехмерном пространстве. Это поможет вам понять пропорции.

Правильная перспектива

Перспектива подразумевает пропорции. Она имеет огромное влияние на все, к примеру, на расположение глаз. И если вы не освоили это, то вам даже не стоит браться за сложные работы.

Сделайте обучение веселее: рисуйте коробки с глазами (они будут вашими персонажами, чтобы отработать перспективу.

Проверить правильность симметрии и перспективы довольно просто. Переверните изображение. Оно все еще выглядит правильно? Если нет, то вы, наверняка, позабыли про симметрию.

Ракурс довольно сложно освоить, поэтому, как и было сказано выше, практикуйтесь на простых формах – коробках и квадратах, превратите их в персонажей, чтобы вам было веселее.

2. Примеры и исследования необходимы

Используйте реальные примеры, чтобы добавить сложные детали вашему изображению. Изучите как можно больше анатомии. Дейв довольно часто рисует в зоопарках. Это помогает ему улучшить знания по анатомии животных. Поэтому он советует вам не просто слепо копировать, а смотреть глубже и понимать то, что вы рисуете.

Если вы знаете, как каждая кость двигается, в каком положении находится каждая мышца, то вы сможете вдохнуть жизнь в ваши рисунки. У вас появится гораздо больше возможностей, чем если бы вы основывались только на своих навыках.

3. Работайте над ошибками

Определите свои недостатки. Вы ужасно рисуете руки? Вы не можете нарисовать персонажа в движении? Изучайте это! У каждого художника есть его слабые места. Мы бы все могли и дальше просто сидеть и рисовать только то, что мы умеем рисовать, снова и снова. Но тогда вы никогда не будете расти, как художник.

Анализируйте то, что вы рисуете. Разбивайте все на структуры и думайте, зачем вы рисуете то, что рисуете.

Работайте над своими недостатками, но не перегружайте себя. Обучение может занять даже несколько лет, дайте себе это время.

4. Практика – путь к идеалу

Параллельно с работой над своими недостатками, оттачивайте и те навыки, которыми вы уже овладели.

Вы можете рисовать привлекательные линии? Работайте и дальше над своей ловкостью. Пробуйте различные стили и инструменты, чтобы улучшить свои навыки.

Помните, что ваши рисунки должны выглядеть хорошо и в виде наброска. Ваши руки должны уметь в точности повторять мысли ума. Координация ума, глаз и рук невероятно важна.

5. Не следуйте всем советам

Никто не знает, что для вас сработает, кроме вас самих. Слушайте советы с долей скепсиса – это может не сработать в вашем случае!

Мы все не работаем одинаково – мы находим разные способы обучения. Вам стоит научиться понимать разницу между учебой и пониманием информации. Вы должны знать, почему вы принимаете те решения, которые вы принимаете.

Спросите себя: “Что помогает информации попасть в ваш ум?” Нужен ли вам пример, или вы учитесь по книгам? Может уроки на Ютуб или реальные курсы? Или Пинтерест?

Вам нужно найти свой собственный путь, который будет работать для вас.

6. Берите что-то от других

Впитывайте окружающий мир. Не бойтесь брать что-то от других и применять это в своем творчестве, пропуская через призму собственного мировоззрения.

Не копируйте элементы, ваше творчество должно стать гибридом многих влияний. К примеру, музыканты выбирают различных артистов, чтобы вдохновиться, и берут от каждого из них то, что им самим нравится, видоизменяя и внедряя это в их собственный стиль.

7. Всегда есть чему учиться

Не делайте постоянно одно и тоже. Не используйте какой-то стиль, как основу, если вы не знаете его досконально.

Рисуйте, используя воображение, экспериментируйте и спрашивайте себя “Зачем”. Зачем вы нарушаете правила? Что вы чувствуете, когда рисуете? У вас должно быть собственное мнение, развивайте интуицию в дизайне, прививая себе хорошие привычки. Изучайте основы, стремитесь к новым знаниям и никогда не ленитесь.

Но, несмотря на все, сказанное выше, не слишком жестко относитесь к себе. Дейв признается, что он все еще учится и старается избавиться от плохих привычек, даже учитывая то, что он профессионал. Веселитесь!

Источник

Основные стили рисования — как выбрать что-то для себя

Этот пост отражает мои взгляды на действительность и никак не связан со стоковым рисованием. Скорее это краткий гайд для просто рисующих людей, которые хотят быть именно иллюстраторами, поэтому вся информация подана исходя их этого факта. Пост не является исчерпывающей инструкцией, но может натолкнуть на интересные мысли и идеи. Приступим.

Когда человек уже прошел стадию “ничего не могу, одни каракули” и приступил к стадии “что-то получается, но что дальше делать не знаю” можно подумать о стиле рисования. Раньше делать это бессмысленно, а вот именно в этот момент самое оно.

Чем может помочь выбор стиля:

Итак, стили. На самом деле их гораздо больше, но я попробую рассказать про самые основные и крупные.

Реализм

Ну тут, в принципе, все понятно, рисование максимально близкое к оригиналу. Некоторые считают этот стиль самым сложным, я лично к таким людям не отношусь, потому что на мой взгляд тут многое решает техника, а не воображение и идеи. Есть еще гиперреализм, это когда совсем один в один и невозможно отличить где картинка, а где предмет или фотография. Как ни странно, на такое тоже спрос есть. Стиль реализма может очень хорошо сработать в концепт-арте. Есть еще такое понятие, как семи-реализм, это рисование в реалистичном, но все стилизованном стиле, как раз широко используется в гейм-индустрии. Очень советую почитать вообще в целом про реализм в живописи, он имеет много интересных направлений, например таких, как магический реализм и не только.

Если вы хотите стать реалистом, то стоит обратить максимальное внимание на:

Декоративный стиль

Допускает более-менее вольные интерпретации окружающей действительности, часто плотно связан с орнаментами. Подходит для журнальной иллюстрации, книжной иллюстрации для старшего возраста и для взрослых. Требует внимательности, аккуратности, отлично сочетается с реализмом и делает его на мой вкус более интересным. Хотя провести грань между реализмом и декоративным стилем порой очень сложно, если учитывать, что семи-реализм это уже уход в декоративность, поэтому часто бывает, что эти два стиля тесно сплетаются вместе, но это не обязательно.

Если это ваше, то стоит прокачивать:

Гротеск

Интересное направление, требующее подготовки, но дающее интересные результаты. Смысл в том, что вы преувеличиваете или преуменьшаете некоторые объекты рисунка, сосредотачивая на них внимание, изменяете пластику фигур и объектов. В данный момент гротеск широко используется в журнальной графике, картинках для веб проектов и еще много где.

Что нужно прокачивать

Минимализм

Еще один простой на первый взгляд стиль, требующий ума) Используется в журнальной графике, веб-иллюстрации и в дизайне. Хорошо работает в паре с гротеском или наивом. Требует аккуратности и чувства стиля, развиваемого насмотренностью. Хорошо работает в векторной иллюстрации.

Надеюсь пост оказался вам полезным и поможет найти что-то прекрасное в себе и своих работах!

Спасибо, очень интересная статья! Вообще, свой стиль в рисовании во многом помогает. Для меня как-то разрешился вопрос, что нарисовать, и вопрос поиска себя, после того, как я нашла свой стиль в рисовании.

С удовольствием почитала, задумалась. Собираюсь плотнее заняться книжной иллюстрацией, еще в поисках стиля. Мне кажется можно и совместить все в одном, ну может и не все, но три стиля прекрасно скомплектуются 😊

Спасибо за пост! Познавательно!

ничего не глупость)) у меня возник такой же вопрос))) я вообще «плаваю» в этих всех определениях.

Работать над этим!

А у меня вот наоборот-идеи есть, а из-за недостатка техники сложно их воплощать.

Да, пожалуй соглашусь, это непростая задача и для этого как раз нужна фантазия)

Да, забавно что импрессионизм был реализмом))))особенно Дега)

Я прихожу к выводу, что самая главная проблема в поиске своего стиля в том, что ты не знаешь ЧТО РИСОВАТЬ. Т.е. я на данный момент думаю, что сложнее придумать свой сюжет, свою историю… а техника приложится)))

К сожалению многие думают, что наив — это когда не умеешь рисовать и это в корне неверное понимание

прям стопицот плюсов! Я когда то тоже попалась на эту удочку, а потом понеслось: то глаза не натм месте. то усы… и вообще, как получиить эту няшную морду из трех точек. 😄

По меркам времени Кайботта он был очень даже реалистом, просто времена чуток изменились. Золя его еще критиковал, что он слишком реалистичный и вообще так не рисуют!

Не «чувствовал» никогда Кайботта как реалиста))))

Я понял, что глупость спросил)

Да, сама прям не знала что выбрать, все с пинтереста!

Источник

27 советов по дизайну персонажей

Здесь известные художники и иллюстраторы делятся своим опытом в создании персонажей.

Иногда дизайн персонажа может быть настоящим врагом для начинающего художника. Персонажи классических мультфильмов, реклам, фильмов кажутся такими простыми, но за фасадом не видно, сколько сил было на них потрачено.

Здесь известные художники и иллюстраторы делятся своим опытом в создании персонажей.

Иногда дизайн персонажа может быть настоящим врагом для начинающего художника. Персонажи классических мультфильмов, реклам, фильмов кажутся такими простыми, но за фасадом не видно, сколько сил было на них потрачено.

Начиная от дизайна трехпалой лапки Микки Мауса (сделанного специально для увеличения скорости рисования), заканчивая элегантной простотой Гомера Симпсона, создание персонажей всегда крутилось вокруг простых форм.

Но что можно считать дизайном персонажа? Помимо линий и черт, это еще и знание, на что сделать упор, а что упростить, как развить личности и предысторию, добавить глубины.

И, конечно же, техники рисования. Все зависит от направленности рисунка, анимация это или Стрип, необходимо убедиться, что все будет работать правильно.

Для составления этой статьи мы опросили самых известных художников и иллюстраторов дать их советы по созданию запоминающихся уникальных персонажей.

01. Не потеряйте магию

«Я стараюсь не терять свой первоначальный стиль, а дорабатывать его. Мне не хочется ощущать, что я создаю персонажей, намного приятнее как будто встречать их» (Лори Рован)

«Когда начинаешь работать над дизайном персонажей, не нужно сосредотачиваться на деталях. Решите, что вы хотите сделать и создайте грубый набросок в движении. Когда вы начинаете сосредотачиваться на деталях, динамизм начинает исчезать, поэтому сохраняйте минимум статичности на начальных этапах работы. Движение – это единственное, что нельзя добавить позже.» (Пернилла Орум)

02. Не используйте референсы

«Если вы только посмотрели на чужую работу и попытались ее запомнить, тогда у вас выйдет что-то новое, это намного лучше простого копирования.»

03. Изучайте другие стили

Для обучения будет полезно детально проанализировать определенные примеры дизайна персонажей. В этом нет ограничений, цветные персонажи просто везде: в рекламе, на коробках хлопьев, дорожных знаков и так далее. Стоит внимательно их осмотреть и подумать, почему выбрали именно их, и что привлекает вас в этих персонажах.

04. Ищите что-то за границей рисунка

«Когда я работаю над проектом, всегда начинаю с чувства, которое хочу изобразить. Само начало процесса заключается в съемках своих собственных движений в поисках чего-то уникального для персонажа.»

Вдохновение можно найти в керамике, органическая структура, приглушенная палитра цветов не дают работе быть слишком вызывающей.

05. Не теряйте первоначальную задумку

На какой-то момент работы над проектом, ей сказали, что он подозрительно похож на The Last Guardian. Она посмотрела на первые наброски и ощутила такое же чувство, какое она получила от чужой игры. Проект пришлось переделывать.

06. Карикатурность

Преувеличение – это определяющий параметр дизайна персонажа, который делает какие-то уникальные черты персонажа ярче, это помогает наблюдателю сразу же увидеть их. Карикатурность – это обязательный ключ для мультипликации, сразу же обозначающий и показывающий черты характера персонажа. Если персонаж сильный, то почему бы не сделать ему гигантский руки, чтобы сразу сказать об этом.

Техника карикатуры может быть применена при разработке дизайна персонажа. Так фильм Анны Мантзарис Enough показывает среднестатистических персонажей в повседневных ситуациях, где они делают вещи, которыми бы хотел заняться каждый из нас в плохой день. «Смешно, что я могу добавить карикатуры в работу, но люди все равно будут принимать это, как реальность. Эмоции также можно преувеличить.»

07. Решите, для какой аудитории вы творите

«При создании персонажа на заказ, художник может быть несколько ограничен, но креативность ограничить нельзя. Можно выполнить все желания клиента, и при этом это все равно будет «ваш» рисунок. Если важной задумкой являются глаза, весь мой проект будет сфокусирован на изображении лица персонажа.»

08. Сделайте вашего персонажа узнаваемым

Создав The Simpsons, Мэтт Гроунинг преподнес зрителям кое-что новое. Его логика заключалась в том, что просматривая каналы, людей зацепит яркий желтый цвет персонажей.

09. Создайте четкий силуэт

Другой хороший способ сделать персонажа уникальным и улучшить его позу – это сделать тень. Об этом рассказывает Орум. «Силуэт поможет сделать позу более четкой, главное не смазать конечности.»

10. Нарисуйте линию динамики

Орум рекомендует художникам придерживаться баланса прямых и изогнутых линий. «Прямые линии и изгибы придают персонажу динамики. Простая линия напрягает глаз, а изгиб помогает им расслабиться.»

Также следует поддерживать баланс между скетчем и плотностью. «Даже нейтральная поза может ожить благодаря правильному соотношению этих двух элементов.»

11. Лаконичность персонажей

Рован стал популярным, выкладывая смешные видео с его персонажами в Инстаграмм, после чего получил работу с Disney,BBC и MTV. Однако, год стендапа был для него не лучшим, он выучил многое, что смог использовать как товарный знак для его анимации.

«Именно через стендап я узнал, что такое лаконичность, это такая юмористическая форма» Знания монтажа приходят только через время ошибок и успехов. «Но вы быстро разберетесь, какими приемами пользоваться.»

12. Не усложняйте

Вместе со знанием, когда нужно усложнить и детализировать, Орум известен за понимание важности простого оформления. «Я пытаюсь использовать как можно меньше линий. Это не значит, что рисунок не проработан или на него пожалели времени, я стараюсь убирать все ненужные линии и цвета.»

13. Проработайте все углы

Тем более, если вы решили творить в формате Стрип, персонажи должны не только проработанными со всех углов, но и выглядеть хорошо, как например «Хильда».

«Как нарисовать Хильду сзади, но так, чтобы ее волосы не смазывали силуэт, как нарисовать ее берет сверху», затяжная битва с видом ее носа, со всеми этими проблемами столкнулся Персон, пока создавал персонажа. Все вопросы вели к тому или иному изменению дизайна.

14. Опробуйте 3D

Если ваш персонаж получит отражение в 3d мире, будь то анимация или игрушка, необходимо поработать над размерами, весом и формой. Еще лучше создать модельку.

«Даже если вы не работаете в 3d, вы может легко обучиться, как создавать персонажа в трехмерном пространстве,» говорит Александр.

15. Аккуратно с цветами

Цвета могут помочь отразить характер персонажа. Обычно темные цвета, такие как черный, серый, фиолетовый указывают на злодеев.

Светлые цвета, белый, голубой, розовый и желтый отражают невинность и чистоту. В комиксах красный, желтый и голубой тем или иным способом подчеркивают героические качества персонажа.

Орум дает советы по этому поводу. «Чтобы выбрать правильные цвета, нужно понимать их правила. Ознакомьтесь с первичными, вторичными и цветами третьей степени, основные и дополнительными цветами. Самая классическая техника – это выбрать два дополнительных и работать с ними на цветовом круге.»

«Вы добьетесь баланса, дополнительные цвета создают динамизм, а основные цветы привносят чувство спокойствия. Можно попробовать добавить третичный цвет, например, фиолетовый, оранжевый или зеленый и поработать с цветовым кругом. Но если вы только начинающий художник, лучше не усложнять.»

16. Не забудьте про волосы

Орум поделился своим опытом с нами «Несколько лет назад я ненавидел рисовать волосы, но теперь это мое любимое занятие. Раньше я пытался проработать каждую деталь с упорством, сейчас же пытаюсь изобразить органическую формы, развивающуюся на ветру, показать динамику.»
«Начните с создания цельной формы разделяя ее на секции, продумывая детали. Каждая линия должна направлять волосы, создавать форму.» «

17. Добавьте деталей

Детали обстановки и одежды могут показать характерные черты персонажа и его характер. Например, неопрятная одежда показывает финансовое положение персонажа, а куча бриллиантов и блестяшек о богатстве, но отсутствии вкуса. Можно изобразить все еще более прямо, например, попугай на пиратском плече или червей в черепе вурдалака.

18. Сосредоточьтесь на эмоциях

Орум комментирует этот момент «Если вы уже знаете, как сделать простой набросок лица, поиграйте с эмоциями. Возьмите зеркало и посмотрите на себя, изображая те или иных чувства. Поднимайте и опускайте брови. Избегайте симметрии лица, поработайте со ртом и наклоняйте голову.»

Классический пример карикатурности в эмоциях можно найти в работах легенды, Текс Эйвери: глаза его персонажей часто выпадают, показывая восторженность и нетерпение.

19. Пусть у персонажа будет цель

Движущая сила в личности персонажа – это то, чего он хочет добиться. Это что-то может быть богатством, любовью или решением тайны, оно придает драматичности за историей персонажа и его приключениями. Изъяны в дизайне персонажа делают его толлько интереснее.

20. Поработайте над историей персонажа

«Если возникают сложности с предысторией, попытайтесь представить персонажа в каких-то определенных ситуациях. Используйте историю, чтобы продумать эмоции, а потом добавьте деталей. Проработка сцены – лучшее средства, когда перед тобой лишь чистый лист бумаги, кроме того, это делает процесс только интереснее.» «

21. Лицо – не самая важная деталь

Юкаи Ду никак нельзя назвать среднестатистическим художником, в ее работах не найти ни одного лица. Вместо этого, предпочитаемой частью тела для нее стали руки. Такой выбор она сделала после обнаружения, что ей трудно отобразить эмоции. «Руки очень выразительная часть тела. Можно рассказать много историй руками в очень деликатной манере.» Руки – это то, что рассказывает ее истории.

22. Не делайте дизайн скованным

Много материалов – это, конечно, хорошо, но это не поможет сделать персонажа живым. Столько прекрасных персонажей было созданы во времена, когда о компьютерах еще не слышали. Ели персонаж продуманный, он должен хорошо получиться и на бумаге. На этот счет высказывается Сьюн Эфлерс: «Художнику должно быть достаточно палки с грязью и асфальта.»

23. Ищите поддержки

Показывайте людям свои творения, спрашивайте мнения. Не просто нравится/не нравится, пусть смотрят на детали. Будет прекрасно, если вы найдете определенного человека или аудиторию, которые будут давать вам поддержку или адекватную критику.

24. Будьте добросовестны

«Многие мои коммерческие проекты основаны на моих личных работах. Поэтому я всегда качественно прорабатываю персонажей,» комментирует Джон Бонд, известный иллюстратор, недавно выпустивший артбук, основанный на дизайне его персонажа.

25. Создайте правильную атмосферу

Точно также как вы создаете историю для своего персонажа, вам необходимо создать правильную атмосферу. Мир, в котором происходит действие, должен быть логичным и между ним и персонажем должна быть связь.

26. Черты

По этому поводу советует иллюстратор Нэйл МакФарланд: «Подумайте об определении слова «характер». Вы должны вдохнуть жизнь в свое творение, чтобы оно привлекало людей и вызывало у них эмоции»

27. Не бойтесь меняться

С годами Хильда менялась, от книги к книги, но Персон рассказывает, что никто ему этого не высказывал: «Мне хочется думать, что это, потому что дизайн силен настолько, что его принимают в разных формах.»

Источник

Как придумать свой стиль рисования

Каждый из нас по своему уникален. Как часто вы слышали эту фразу? Уверена, что тысячи раз. Но она до сих пор не ощущается правильно. Ведь большинство идей приходит только тогда, когда вы смотрите чужие работы, и вы поражаетесь: как ему пришла такое в голову?

Да, вы можете копировать работы художников, кто вас вдохновляет. Для вас это станет хорошим упражнением, возможностью набить руку. Стоит как следует изучить и проработать детали, которые у вас до этого плохо получались.

Но публиковать копии чужих работ не стоит — я думаю, вы это понимаете. Преподнесите себя как уникальную личность, оставляя изюминку в своем творчестве. Попробуйте брать чужие идеи за основу, но максимально видоизменять их по себя. Со временем вы поймете, что вам нравится и начнете двигаться в этом направлении.

Темы, которые вас вдохновляют

Задумайтесь и вспомните о тех рисунках, которые у вас получались лучше всего. Можете заглянуть в свои работы, чтобы найти ответ. Посмотри вот на что:

Определитесь с каким цветом вам нравится больше всего работать.

Создайте список любимых вами тем. На какие темы, мотивы вам легче всего рисовать?

Ответы могут прийти не сразу. Не расстраивайтесь — читайте дальше.

Изучение слабых и сильных сторон

Каждый человек должен учиться находить и признавать свои ошибки. Нам обычно с детства прививают мысль о том, что ошибки — это плохо. На самом деле, ошибки — это лучшее, что может быть. Это именно то, что позволяет вам расти. Становиться лучше, не стоять на месте.

Художники этому не исключение. Практически у каждого есть свои слабые стороны. Те детали, которые у вас очень плохо получаются и практически не используются в роботах.

Да, можно не обращаться на это внимание, ведь у вас есть еще и сильные стороны. Стоит больше прикладывать усилий для развития сильной части. Но и с трудностями также необходимо бороться, уделить немного времени для того, чтобы проработать свои ошибки. Старайтесь развиваться во всех областях — тогда в дальнейшем для вас не будет ничего непреодолимого.

Структура, техники, анатомия

Эти аспекты хотелось бы упомянуть отдельно. Например, взять строение человека. Вы должны знать о каждой косточке, которая находится внутри нас, чтобы создать реалистичную иллюстрацию.

Как только вы изучите структуру построения дома, вам будет нетрудно создать целый город.

Поэтому старайтесь развиваться всесторонне.

Кстати, за подписку в Инстаграм мы дарим набор кистей для фэшн-иллюстраций в Procreate. Чтобы получить его, напишите в директ “Хочу набор”.

Не надо сравнивать себя с другими

Если вы в рисовании совсем недавно и у вас ещё нет больших результатов, не стоит опускать руки и тем более сравнивать себя с великими иллюстраторами и художниками. У каждого из нас свой путь и своя точка старта. Помните об этом.

Каждый из нас начинал свой путь с нуля, не сдались и работали над своими ошибками. Будьте готовы к тому, что вам понадобится немало терпения, ведь рисование требует усидчивости. Практиковаться нужно постоянно, вне зависимости от того, добились вы уже каких-либо высот или еще в процессе.

Изучайте разные техники рисования и материалы. Искусство тоже никогда не стоит на месте, развитие очень важно. Рисуйте, что вдохновляет, постарайтесь процесс сделать разнообразным. Например, можно рисовать дерево, но под разными углами или с разными оттенками.

Кстати, у нас в Инстаграме мы делаем разборы работ, пошаговые инструкции и прямые эфиры. Подписывайся! Насмотренность — тоже важная часть становления профессиональным художником.

Источник

художник Александр Жиляев

Если вы озадачены поиском своего стиля в рисовании, то находитесь на верном пути. Индивидуальный стиль – это ваш личный бренд, который лучше запоминается зрителями и ассоциируется с определенной личностью и помогает продавать работы. В этой статье я познакомлю вас с основными составляющими собственного почерка художника и подскажу основные направления его поиска.

Как влияют предпочтения в живописи на формирование личного стиля?

Я хочу у вас спросить: «Какой художник является для вас кумиром?» Я вынужден сразу уточнить вопрос, пока не услышал фамилии великих мастеров, начиная с Леонардо да Винчи, заканчивая Айвазовским. Я обожаю многих мастеров классической живописи. Я чувствую духовную связь с их произведениями. Это мое богатство. Но как художник, размешивающий краски на палитре, понимая всю сложность их техник, в своей практике ориентируюсь на мастеров с более простыми техническими решениями.

У меня возникает ощущение, что я могу их повторить. Пусть это получится не сразу, но тренировка займет не долгие годы, а неделю или две. Еще, что очень важно: темы их работ и манера исполнения созвучны моим вкусам и предпочтениям в творчестве на сегодняшний день.

Выбирайте самую простую работу и пытайтесь повторить ее самостоятельно. Зачем это нужно? Начинающий художник не видит своего личного почерка и ему трудно представить идею картины в материале. Он не видит итога перед своим внутренним взором и двигается к заветной точке вслепую.

Это очень осложняет работу, сбивает с толку и не позволяет преодолеть промежуточные результаты работы, которые кажутся недостаточно хорошими, чтобы продолжать. В итоге даже не понятно, получилась ли картина. Нет эталона для сравнения, нет опыта для анализа и объективной самокритики. Копирование любимого автора решает эту задачу. Вы четко понимаете, куда и зачем движетесь, и есть с чем сравнить итоги работы.

Отмечу здесь еще один очень важный момент. На самом деле, у каждого человека есть свой личный почерк. Вы не исключение! Робкие движения, неуверенность начинающего мастера не позволяют ему раскрыться именно в эту минуту. Копирование созвучного по стилю мастера (вы же сами его выбрали) миксует в работе на полотне вашу разгадку его приемов и подмешивает туда действия собственной руки.

Вы чувствуете себя более свободным в рисовании, зная программу действий, которые диктует сам образец. Это и будет постепенно раскрывать ваш личный почерк. Усилить этот эффект после нескольких недель тренировки поможет следующее упражнение.

Вы берете следующую картину для копирования. Последовательность действий при написании работы не меняется, остается и выученное стилистическое решение, но вы немного меняете сюжет картины. К примеру, рисуете его в зеркальном отражении, самостоятельно фиксируя эскиз на холсте или копируя предварительный набросок на бумаге. Можно переставить дом, дерево, другие элементы сюжета, чтобы получить что-то свое.

Вы отрываетесь от первоисточника, проявляя способности своего творческого мышления. Следующим шагом на этом пути будет составление или зарисовка с натуры полностью своего сюжета. Вы будете писать в технике любимого мастера, но исполнять свое произведение. Постепенно автор, который вам помогал и сопутствовал вашему становлению «отойдет в сторону». Вы перестанете нуждаться в этой поддержке.

Что делать если вы ошиблись в выборе эталона и, попробовав писать в определенном стиле, разочаровались? Берем другого автора и пробуем копировать его. Здесь нужно понимать, почему вы отказались от ранее выбранного тренера? Важно, чтобы это была не лень и не уход от совсем мелкой неудачи. Знайте, что на начальном этапе что-то может не получиться. Не впадайте в метание и бесконечный поиск.

2. Уместна ли для вас идея выбора своего стиля, если пока плохо получается рисовать?

Мой дорогой друг, из опыта скажу: мне очень не нравится, когда начинающие авторы начинают «изобретать велосипед». Мне присылают на проверку работы, на которых изображены странные пейзажи, сочиненные не опытной фантазией, не развитым образным мышлением, без знаний композиции. С одной стороны, это творчество в чистом первозданном виде как наскальная живопись, с другой, странное бесполезное занятие.
Ну, открой любую репродукцию, попробуй скопировать форму дерева, попытайся размешать краски, подгоняя цвет. В этом случае, ты уже соприкасаешься с мастерством и учишься. В художественных вузах есть специальный курс копирования произведений живописи.
Студенты так учатся, разгадывая приемы в технике других мастеров. Вы спросите: «Что я теперь должен только копировать? Я хочу рисовать сам, свое». Пожалуйста, пиши свое, но ты посмотри, как решается отражение в воде, как пишется облако. Бери готовые решения и вставляй в свой сюжет. Но сегодня мы говорим о личном стиле в рисовании и мои рекомендации касаются именно этого.
Да, идея выбора своего стиля уместна и в том случае, если вы сейчас еще плохо рисуете. Следуя рекомендациям, описанным в первой и второй главе, вы точно облегчите свой путь к вершинам мастерства и потратите меньше времени, не изобретая, а пользуясь опытом других мастеров. Тем более, что сейчас XXI век и масса видео-уроков живописи с полными комментариями всех действий автора. Это делает процесс обучения как никогда комфортным и быстрым. Уверяю вас, в момент моего становления у меня не было такой возможности.

3. Искали ли свой путь великие мастера?

Если мы возьмем юношеские рисунки Шишкина или Серова, то увидим, что и тогда они отличались исполнительной мощью, а со временем их направление, их живописный язык только креп и становился более виртуозным. Мы можем найти и другие примеры, когда в руку мастера с ранних лет была встроена определенная техника, которую нужно было совершенствовать в течение всей жизни.
Другим же покорителям муз приходилось долго искать свой почерк. Ранние работы К. Моне по почерку похожи на его импрессионистские решения, но все же это не импрессионизм. Почерк найден где-то в середине своей творческой карьеры. Отточен и донесен до зрителя.
Думаю, что если вы посмотрите на ранние и поздние работы П. Пикассо, то решите, что их создавали два разных мастера. Это же мы можем увидеть и у Эрнста Неизвестного и Поля Сезана. Для кого-то личный почерк это дар, а для кого-то осознанное решение работать в определенной манере с опорой на свои исходные данные.
Согласитесь, что перечисленные имена во многом создали свой собственный язык искусства.

4. Что делать, если свой стиль найти не удается?

Я умею работать в разных стилях, но точно не знаю, какой из них мой. При этом позади уже более 30 лет творческого поиска. Я люблю художников, узнаваемых «с первых нот». Но не является ли моя способность прекрасным даром? Являясь преподавателем живописи, я не ломаю ученика под себя, не клонирую свою творческую личность, а, обладая стилистической гибкостью, подстраиваюсь под стиль ученика и раскрываю его сильные стороны. Если вы не можете точно определить свой стиль, возможно вы по призванию педагог и природа бережет вас в этом амплуа.
Знайте, что в этом поиске не нужно давить на себя и стараться выжать какой-то стиль из своих действий на холсте. Написание работ личным почерком это спокойный, гармоничный, само проистекающий процесс. Все равно, что писать на бумаге шариковой ручкой сочинение. Когда-то в первом классе так трудно давались прописи, но теперь это естественный полет вашей руки.

5. Что еще может помочь выбору вашего стиля?

Скажите, вы знаете людей, которые не посещают галереи, музеи, театры, творческие проекты? Возможно, кто-то из них в детстве рисовал, но, если сейчас обратиться к ним с творческой задачей, они решат ее на уровне прикола, насмешки. Ничего стоящего мы не выжмем. Эти люди не находятся в творческом поле, не умеют сопоставлять стили, соотносить техники. Они живут, пользуются объектами созданными художниками (все изделия, созданные человеком, были сначала нарисованы), но сами не способны на этот вид созидательной деятельности. Я говорю о том, что творческая личность не имеет права существовать только в собственном соку. Насмотренность, способность отличить Моне от Мане, если не напрямую влияет на ваш стиль, то точно наполняют интеллект, который связан с психологией, а значит с физической моторикой; а значит и с личным стилем. Как мы будем, к примеру, говорить об импрессионизме, если вы никогда не видели фотокартин Клода Моне и не читали его биографию. Вы даже близко не сможете процитировать в своей живописной работе приемы этого мастера. Воспитание вкуса, общение с прекрасными творениями прошлого обогатит вас и точно не помешает в становлении индивидуального почерка.

6. Упражнения на выработку своего стиля в рисовании.

Когда вы уже приобрели небольшой опыт в рисовании, вам поможет упражнение на выполнение скоростных набросков. Это может быть рисование отдельных предметов интерьера или наброски людей. Возьмите карандаш, пока ваши близкие занимаются своими делами – это лучшие модели. Зарисовывайте их в свой альбом. Делайте это быстро. Не нужно стремиться к сходству, вырисовывать элементы одежды. На каждый набросок 2-3 мин. Пусть что-то не получается, нет аккуратности, попадания в форму объекта, но через все это уже просматривается ваша природа, ваш стиль.
За один подход нужно делать не менее 8-12 рисунков. Только на 7 рисунке вы начнете раскрываться и не думать о результате. Спонтанная, стремительная линия, полет мысли – это главные составляющие вашего поиска. Если проделывать такие упражнения регулярно, вы не только усовершенствуете свое мастерство рисовальщика, но и увидите свой почерк, таким, какой он есть.
Позже, это же упражнение можно выполнить, используя акрил. Здесь можно увеличить время наброска до 15 минут. Это все равно должен быть короткий сеанс без деталировки изображения. Поверьте – это работает!

7. Вывод и определение дальнейших шагов.

Подводя итог вышесказанному, мы можем с уверенностью отметить, что личный почерк есть у каждого человека, он заложен в нас природой. Его совершенствование или доработка с тонкой стилистической настройкой осознанный направленный процесс. В нем может сочетаться и свое спонтанное действие и «подсказки мастеров» при копировании их произведений, выбранных по принципу «Я думаю, что так смогу».
Далее подкрепление своих находок идет в сторону обогащения своего внутреннего мира. Необходимо посещение галерей, музеев, театров, участие в живых мастер-классах. Чувство вкуса нельзя купить, но его можно в себе воспитать. Не плохо познакомиться с человеком, который обладает этими качествами, и время от времени консультироваться по возникшим вопросам. Ну, и ваша практика, как автора, каждый день ведет к цели.
Как вы узнаете, что нашли свой стиль? Однажды к вам подойдет знакомый и скажет, что видел ваши работы на выставке.
Вы спросите: «А как ты узнал, что они мои?»
Ответ: «Да ты что, твои работы сразу видно!»
Поздравляю, вы на верном пути!

Источник

5 идей как художнику найти свой стиль в живописи

Наверное, нет ни одного начинающего художника, который бы не задумывался как найти свой стиль в рисовании. Создание уникальных работ, которые будут выделяться и запоминаться окружающим, безусловно задача не из легких. Даже опытные мастера могут так и не выбрать свой стиль рисования на протяжении всей жизни.

Изменять манеру письма, метаться от одного направления к другому, искать что-то своё — этот процесс знаком не одному живописцу. Если вы уже долгое время не можете определиться, переходите от реализма до абстракции, от пейзажей к портретам — это вполне обычный путь перед тем, как определить свой стиль в живописи.

Просто по желанию его невозможно разработать, на это нужны годы интеллектуального и физического труда художника.

Часто новички в живописи мечтают, чтобы их работы имели что-то общее, стали более индивидуальными и узнаваемыми. Если вы видите себя в живописи, но не знаете какой стиль рисования выбрать, я рекомендую следовать правилам ниже.

Когда рисуете, думайте не о стиле, а в первую очередь о том, что вы хотите сказать и о чем поведать в своей картине. Поделитесь своими личными переживаниями и размышлениями, покажите свое отношение к нарисованному, поведайте свою уникальную историю.

Но в них не выявляется позиция, отношение и мировоззрение автора. Красивое перерисовывание картинок или фотографий – даже не ученическое упражнение, не то, чтобы стиль.

Поэтому, даже если вы освоили только самые простые техники живописи, старайтесь рисовать больше с головы. Не переписывайте полотна, не ищите примеры. Подбирайте референсы разве что для вдохновения.

Пишите с натуры — это покажет, как и что именно вы видите, как его лично интерпретируете. Данное правило работает, потому, что вы не ориентируетесь на чужое произведение, не повторяете манеры рисования автора. Здесь придется искать и вырабатывать собственную методику.

Развивайте фантазию, создавайте уникальные элементы, экспериментируйте. Оригинал — всегда лучше и ценнее копии.

Посещайте выставки, музеи, насыщайтесь атмосферой искусства. Часто изображение, взятое из интернета или другого источника, не в силе передать все нюансы работы. Рассматривайте картины вживую, сравнивайте. Только так вы поймете, к чему у вас больше «лежит душа». Черпайте из того, что близко для вас, комбинируйте, сочетайте. Превратите свое творчество в гибрид внутренних и внешних влияний.

Впитывайте из окружающего мира то, что вас радует, пропускайте через себя. Не бойтесь применять в своем творчестве что-то от других. Формируйте собственное мировоззрение и воплощайте в живописи.

Ищите понравившиеся техники и стили не только на полотне, но и в музыке, фильмах, отдельных строчек любимых книг. Когда вы чувствуете новые эмоции, задумайтесь над тем, что вы хотите нарисовать именно сейчас. Подберите несколько цветов из любимой палитры, которые соответствуют вашему настроению, и начните творить.

Сравнивайте, что получается у вас лучше, что нужно доработать. Выбирайте то, что пишется легко и непринужденно.Чтобы найти художнику свой стиль, необходимо любить свое творчество. Не нужно искусственно выдумывать или притягивать его. Больше рисуйте, стремитесь к точности интерпретации и выразительности идеи.

Ваши мысли и форма их выражения должны существовать совокупно. Тогда у ваших работ появятся объединяющие черты и сформируется авторский стиль. Даже если пока нету единства содержания и формы, продолжайте развиваться. Трудолюбие и увлеченность помогут вам определиться.

Источник

Стиль художественный. Как художнику найти свой стиль в рисовании? Часть I

Давайте разберём само определение, проанализируем его и сделаем выводы.

Итак, краткий словарь по эстетике даёт такое понятие:

Огромный набор всего и сразу!

— Стиль в широком смысле (например: стиль эпохи, страны в целом и другое) отличается от стиля художника.

Главное, что стиль не появляется сам по себе от одного желания творца, он формируется во вполне конкретное время и в определённом месте, и обусловлен рядом факторов: исторический период, менталитет, политическая ситуация, традиции, мировые и культурные открытия, влияние опыта предыдущих эпох, предчувствие будущих перемен и так далее.

Помимо всего вышеизложенного, стиль включает в себя:

+ Манеру письма/рисования (как художник кладёт мазки, штрихи; как соблюдает технологию материалов, как преобразует и модернизирует классическую технику живописи и рисунка; как тщательно прорисовывает детали и другое)

+ Философию автора (личные убеждения, гражданская позиция, выбор точки зрения на явления или события, способ осмысления реальности, особенности трактовки, религиозные убеждения, отношение к действительности, деление на бытовое и возвышенное и многое другое).

+ Жанр (описывает художник современные события или исторические эпохи, его интересует предметный мир или природный, человек и его психология или то, как он взаимодействует с социумом, животные или растения, море или лес, цветы или архитектура?)

+Технику (живопись или графика? Масло или акварель? Пастель или гравюра? А может быть собственная уникальная или смешанная техника?)

+ Тему (о чём интереснее всего повествовать или рассуждать: о прекрасном и безобразном; что хорошо, а что плохо; маленький персонаж в большом мире или влияние личности на масштабные события; отношения между людьми или между человеком и природой?)

Источник

Как разработать свой стиль рисования? Что для этого нужно?

Как разработать свой стиль рисования?

Как найти свой стиль рисования?

Как найти собственный стиль в рисовании?

Как создать свой стиль рисования?

Как развить свой стиль в рисунках?

В Ютубе, например, есть множество всяких видео (как и о анатомии для художников, и speedpaint-ов) тоже может вам помочь понять какая стилистика вам больше нравится. Удачи!

Спустя время (у всех это займет индивидуально, но обычно это быстро происходит) станет понятно, что какие-то цветовые схемы вам нравятся, а какие-то нет. Начнете замечать, что кайфуете от деталек или, наоборот, доставляет удовольствие работать с большими площадями. Быстро придумываете персонажей или легче всего даются локации.

Вот так по кирпичикам и будет выстраиваться собственный стиль и видение, не надо думать, что поиск стиля это просто: один разок крепко подумал и придумал свой стиль. Нет, этот процесс занимает годы, но даже найдя его вы можете со временем абсолютно изменить вкус и видение и переключиться на совсем другой стиль и это тоже нормально.

Источник

10 советов по созданию персонажей от профессионалов

Персонаж – основная фигура любой анимации, поэтому ему стоит уделять довольно большое количество внимания. В этой статье вы найдете советы от профессионалов, которые помогут вам создать яркого и правдоподобного персонажа, а также вы сможете взглянуть на то, как в студии Pixar создают мультяшных героев.

1. Сфокусируйтесь на мимике

Текс Эйвери, создатель Даффи Дака, Багза Банни и других, любимых нами персонажей, никогда не пренебрегал мимикой, разрабатывая своих героев, и это сделало их популярными.

В зависимости от характера персонажа, его эмоции могут быть как ярко выраженными, так и немного скрытыми, поэтому, разрабатывая своего героя, думайте о его персональных качествах и, отталкиваясь от этого, работайте над его мимикой. Отличным примером работы легендарного Текса Эйвери можно назвать волка, у которого глаза вылетали из черепа, когда он был взбудоражен. С другой стороны можно поставить Друпи, у которого, кажется, нет эмоций вовсе.

2. Сделайте своих персонажей особенными

Когда Мэтт Грейнинг создавал “Симпсонов”, он знал, что он должен предложить зрителям что-то особенное, что-то, что будет отличаться от остальных тв-шоу. Поэтому он решил, что когда зритель будет листать каналы и наткнется на мультик с желтокожими героями, то он не сможет не заинтересоваться ими.

Кем бы ни являлся ваш персонаж, старайтесь делать его как можно менее похожим на всех героев, которые предшествовали ему. Он должен обладать интересными визуальными качествами, которые будут необычны зрителю. Как желтая кожа и четыре пальца на руках вместо пяти, например.

3. Экспериментируйте

Правила созданы для того, чтобы их нарушать. По крайней мере, так считает Yuck. Когда он создает своих персонажей, он не знает, кого он рисует. “Я слушаю музыку и рисую результат, который зависит от моего настроения: странных или милых персонажей. Я всегда хочу рисовать то, что мне интересно. Позже я дорабатываю героя,” говорит он.

4. Поймите, для кого вы рисуете

Думайте о своей аудитории. Для взрослых и для детей нужно подбирать совершенно разные инструменты взаимодействия, цвета, и характеры.

“Персонаж на заказ обычно подразумевает больше рамок, в которые мне нужно его вписать, но это не значит, что креативности здесь нужно меньше. У клиентов есть специфические потребности, но также они хотят, чтобы я делал свое дело. Обычно я начинаю с основных особенностей и характера персонажа. К примеру, если важны глаза, то я буду строить дизайн вокруг лица, чтобы основная деталь выделялась,” говорит Nathan Jurevicius.

5. Изучайте

“Никогда не работайте без материалов, всегда ищите что-то, от чего вы можете оттолкнуться. Делайте фотографии людей, которые могут стать хорошей основой для вашей работы. К примеру, их одежда, прическа, лицо. Даже если ваш персонаж не является человеком, подумайте, откуда он получил свое ДНК и отталкивайтесь от этого. Как только вы начнете работать с примерами, ваши работы станут более четкими и вовлекающими.” – Gal Shkedi.

6. Начинайте с простого

“Всегда начинайте с простых форм. Квадраты хороши для сильных и жестких персонажей, а треугольники будут идеальными, если вы хотите сделать героя пугающим. Ну и если вы хотите дружелюбного персонажа, то используйте гладкие линии.” – Jorfe.

Стоит помнить о том, что каким бы сложным не был персонаж, он состоит из простых элементов. Начиная с простого, вы постепенно будете наслаивать элементы и в итоге получите целостное изображение.

7. Техника – не самое главное

Навыки рисования набросков сильно вам помогут, если вы хотите представить персонажа в различных позах и с различных ракурсов. И это умение требует практики. Но для создания достоверного и атмосферного персонажа эти навыки не так важны.

“Я стараюсь вникнуть в персонажа, выделяя его странности, совмещая их и работая над ними. Я рисую множество разных вариантов одного персонажа, пока я не останусь довольным одним из них.” – Nick Sheehy.

8. Придумайте историю

“Если вы хотите, чтобы ваш персонаж существовал не только в мультике или комиксе, тогда вам стоит потратить время и придумать его историю. Откуда он пришел, как появился, что в его жизни происходило – все это поможет создать целостность. Иногда история персонажа интереснее, чем его сегодняшние приключения.” – Pixar.

9. Отточите характер

Интересный внешний вид не всегда делает и персонажа интересным. Его характер является ключом, персонаж должен быть последовательным в своих эмоциях и действиях. В студии Pixar считают, что характер должен быть ярко выраженным, если только вы специально не делаете вашего персонажа скучным.

10. Окружение

Еще одним правилом Pixar является работа над окружением персонажа.

“Если вы хотите, чтобы ваш персонаж был правдоподобнее, то сделайте и мир вокруг него правдоподобным. Продумайте окружение и заставьте его работать на пользу.”

А в этом видео вы сможете проследить за процессом создания персонажей Карла и Элли:

Источник

Как создать персонажа: восемь этапов

Персонажи везде: на сайтах и упаковке, в фильмах, рекламе и рассылках компаний. Рассказываем, как их создать — шаг за шагом.

У каждого иллюстратора и дизайнера свой стиль и способы работы. Поэтому единого плана создания персонажа не существует. Нет и строгих правил, которых нужно обязательно придерживаться, потому что это индивидуальный процесс. Но есть этапы, о которых нужно помнить, если хотите создать проработанного и полноценного персонажа.

Этап первый

Понять, зачем создаётся персонаж

С ответа на этот вопрос стоит начинать всегда. Потому что от целей зависят характеристики и внешний вид персонажа. Подумайте вот о чём:

Ответы на эти вопросы помогут сориентироваться и понять, нужно ли подробно прорабатывать персонажа или хватит базовых поз и минимального количества деталей.

Например, если нужен статичный персонаж для сайта, логотипа или буклета, то можно не изображать его в движении, не продумывать мимику и выражение им эмоций. А если персонажа будут анимировать для видео, то позы и движения нужно разрабатывать гораздо тщательнее. Персонаж для комикса тоже потребует подробной проработки в динамике, а для видеоигры — ещё и деталей костюма.

Этап второй

Оценить важность персонажа

Этот пункт актуален, если ваша задача — рассказать историю, в которой задействованы несколько персонажей. Нужно понимать, какая роль у каждого из них. Кто главный, а кто второстепенный. Или, возможно, все персонажи одинаково важны и никого нельзя выделять. Эти детали тоже отразятся на внешнем виде.

Вот что вам нужно понять о каждом из персонажей:

Источник

Основные стили рисования — как выбрать что-то для себя

Этот пост отражает мои взгляды на действительность и никак не связан со стоковым рисованием. Скорее это краткий гайд для просто рисующих людей, которые хотят быть именно иллюстраторами, поэтому вся информация подана исходя их этого факта. Пост не является исчерпывающей инструкцией, но может натолкнуть на интересные мысли и идеи. Приступим.

Когда человек уже прошел стадию “ничего не могу, одни каракули” и приступил к стадии “что-то получается, но что дальше делать не знаю” можно подумать о стиле рисования. Раньше делать это бессмысленно, а вот именно в этот момент самое оно.

Чем может помочь выбор стиля:

Итак, стили. На самом деле их гораздо больше, но я попробую рассказать про самые основные и крупные.

Реализм

Ну тут, в принципе, все понятно, рисование максимально близкое к оригиналу. Некоторые считают этот стиль самым сложным, я лично к таким людям не отношусь, потому что на мой взгляд тут многое решает техника, а не воображение и идеи. Есть еще гиперреализм, это когда совсем один в один и невозможно отличить где картинка, а где предмет или фотография. Как ни странно, на такое тоже спрос есть. Стиль реализма может очень хорошо сработать в концепт-арте. Есть еще такое понятие, как семи-реализм, это рисование в реалистичном, но все стилизованном стиле, как раз широко используется в гейм-индустрии. Очень советую почитать вообще в целом про реализм в живописи, он имеет много интересных направлений, например таких, как магический реализм и не только.

Если вы хотите стать реалистом, то стоит обратить максимальное внимание на:

Декоративный стиль

Допускает более-менее вольные интерпретации окружающей действительности, часто плотно связан с орнаментами. Подходит для журнальной иллюстрации, книжной иллюстрации для старшего возраста и для взрослых. Требует внимательности, аккуратности, отлично сочетается с реализмом и делает его на мой вкус более интересным. Хотя провести грань между реализмом и декоративным стилем порой очень сложно, если учитывать, что семи-реализм это уже уход в декоративность, поэтому часто бывает, что эти два стиля тесно сплетаются вместе, но это не обязательно.

Если это ваше, то стоит прокачивать:

Гротеск

Интересное направление, требующее подготовки, но дающее интересные результаты. Смысл в том, что вы преувеличиваете или преуменьшаете некоторые объекты рисунка, сосредотачивая на них внимание, изменяете пластику фигур и объектов. В данный момент гротеск широко используется в журнальной графике, картинках для веб проектов и еще много где.

Что нужно прокачивать

Минимализм

Еще один простой на первый взгляд стиль, требующий ума) Используется в журнальной графике, веб-иллюстрации и в дизайне. Хорошо работает в паре с гротеском или наивом. Требует аккуратности и чувства стиля, развиваемого насмотренностью. Хорошо работает в векторной иллюстрации.

Надеюсь пост оказался вам полезным и поможет найти что-то прекрасное в себе и своих работах!

Спасибо, очень интересная статья! Вообще, свой стиль в рисовании во многом помогает. Для меня как-то разрешился вопрос, что нарисовать, и вопрос поиска себя, после того, как я нашла свой стиль в рисовании.

С удовольствием почитала, задумалась. Собираюсь плотнее заняться книжной иллюстрацией, еще в поисках стиля. Мне кажется можно и совместить все в одном, ну может и не все, но три стиля прекрасно скомплектуются 😊

Спасибо за пост! Познавательно!

ничего не глупость)) у меня возник такой же вопрос))) я вообще «плаваю» в этих всех определениях.

Работать над этим!

А у меня вот наоборот-идеи есть, а из-за недостатка техники сложно их воплощать.

Да, пожалуй соглашусь, это непростая задача и для этого как раз нужна фантазия)

Да, забавно что импрессионизм был реализмом))))особенно Дега)

Я прихожу к выводу, что самая главная проблема в поиске своего стиля в том, что ты не знаешь ЧТО РИСОВАТЬ. Т.е. я на данный момент думаю, что сложнее придумать свой сюжет, свою историю… а техника приложится)))

К сожалению многие думают, что наив — это когда не умеешь рисовать и это в корне неверное понимание

прям стопицот плюсов! Я когда то тоже попалась на эту удочку, а потом понеслось: то глаза не натм месте. то усы… и вообще, как получиить эту няшную морду из трех точек. 😄

По меркам времени Кайботта он был очень даже реалистом, просто времена чуток изменились. Золя его еще критиковал, что он слишком реалистичный и вообще так не рисуют!

Не «чувствовал» никогда Кайботта как реалиста))))

Я понял, что глупость спросил)

Да, сама прям не знала что выбрать, все с пинтереста!

Источник