Как рисовать фон

Мастер-класс по рисованию фона цветными карандашами.

Мастер-класс по рисованию фона цветными карандашами.

Для начала предлагаю определиться, что и чем мы будем рисовать.

Любой карандашный фон – это наслоение нескольких цветов карандашей. Взгляните на чистое летнее небо: даже если кажется, будто оно исключительно голубое, в нем все равно присутствуют оттенки: от лазури до васильковой синевы. Чем ближе к горизонту, тем небо светлее, при этом меняется не только интенсивность цвета, но и оттенок. Закатное небо приобретает целый спектр новых цветов. Ночное в реальности так же светлеет на горизонте, а в звездные туманности можно впихнуть, наверное, всю палитру карандашей!

В идеале в любом фоне должно быть как минимум три цвета.

Давайте определимся с карандашами. Речь пойдет о профессиональных марках.

Мастер-класс по рисованию фона цветными карандашами.

Для начала предлагаю определиться, что и чем мы будем рисовать.

Любой карандашный фон – это наслоение нескольких цветов карандашей. Взгляните на чистое летнее небо: даже если кажется, будто оно исключительно голубое, в нем все равно присутствуют оттенки: от лазури до васильковой синевы. Чем ближе к горизонту, тем небо светлее, при этом меняется не только интенсивность цвета, но и оттенок. Закатное небо приобретает целый спектр новых цветов. Ночное в реальности так же светлеет на горизонте, а в звездные туманности можно впихнуть, наверное, всю палитру карандашей!

В идеале в любом фоне должно быть как минимум три цвета.

Давайте определимся с карандашами. Речь пойдет о профессиональных марках, т.к. детские карандаши со скрипом дают в лучшем случае два-три слоя, после чего намертво «запирают» бумагу: на ней уже ничего не нарисуешь. Профессиональные в этом плане предлагают миллион возможностей, хотя опять же многое зависит от марки. Твердые карандаши: Irojiten, Derwent Artists, Lyra Rembrandt Polycolor– хороши в прорисовке мелких деталей и светлых полупрозрачных фонов; ночное звездное небо ими рисовать я бы не стала (хотя Лира, пожалуй, является чем-то средним по твердости). Мягкие: Derwent Coloursoft, Polychromos от Faber-Castell, Cretacolor Marino и, конечно, любимые многими Prismacolor – отлично подойдут для ярких и темных фонов. Вообще, мягкие карандаши при легком касании с бумагой дают зернистый слой, которому требуется хороший блендер (и не факт, что из этого выйдет что-то путное).

Пример можно наблюдать на данном скане. Отчетливо видна зернистость. Правая часть тестовой полоски размыта блендером от Derwent, но на самых светлых участках он оказался бесполезен.

Итак, для светлых фонов берем что пожестче, для темных – помягче.

Поскольку среди раскрасок огромное количество любителей ярких и мягких карандашей, для данного МК выбрала карандаши Coloursoft.

1) Давайте попробуем самое простое – заливку неба. Для этого возьмем три цвета.

Начинаем с самого светлого. Отступим немного от линии горизонта и начнем закрашивать фон (штриховка параллельно линии), регулируя нажим на карандаш от самого слабого до более интенсивного. При этом ни в коем случае нельзя оставлять четкую границу сверху, т.е. ваша заливка должна быть одинаково размыта как у линии горизонта, так и вверху – там, где будет наложение нового цвета. Взгляните на типичные ошибки. В первом случае цвета не перекрывают друг друга, т.е. нет размытой верхней границы. Во втором размытая верхняя граница есть, но каждый новый цвет начинается намного выше, чем положено. В результате видны белесые полосы.

Я заостряю на этом внимание, т.к. на правильном смешении цвета построена вообще любая работа с карандашами. Сделали плавный переход – получили красивый рисунок.

А вот так должна выглядеть правильная заливка.

Первый цвет – нежно-голубой (C340). Отступить от горизонта и двигаться сначала от светлого к интенсивному, а затем обратно – к светлому.

Добавляем следующий цвет (C330). Обратите внимание, где начинается его самый светлый тон. Нижняя карандашная линия – начало следующего цвета. Верхняя – конец предыдущего.

Итого, голубой у нас использован вот здесь, на рисунке цифра 1.

Смотрите дальше. Здесь уже использован второй цвет, видны его верхняя и нижняя границы. А также показано место, где планируется применение третьего цвета.

Наконец, закрашиваем оставшееся место третьим цветом (C320). Теперь наше небо выглядит вот так.

Правило размытых границ применимо не только тогда, когда мы рисуем полосы от темного к светлому, но и при рисовании любого пятна: круглого, овального, извилистого – любой формы.

2) Давайте теперь попробуем сделать более сложную заливку из нескольких оттенков и разных форм. Вот наши используемые карандаши.

Для начала светло-песочным (C580) цветом заливаем левый верхний угол листа, чуть вытягивая его вправо.

Далее добавляем желто-зеленый (C450). Сначала размытой круговой полосой, а затем затемняем тон – местами, где хочется. (Карандашная линия на рисунке – примерная граница окончания песочного цвета).

Следующий этап – добавление третьего цвета. Можно добавить тот же песочный, как я сделала это слева (заметьте место, где было белесое пятно между затемнениями желто-зеленого). А можно ввести следующий цвет – в моем случае это серо-зеленый (C390). Все зависит от того, в какую гамму вы собираетесь уходить. Я предполагаю уйти в цвет морской волны – соответственно, нужно продумать переходные тона от песочного к морскому.

Уже сейчас видно, что заметно провисает песочно-желтый – самый первый наш цвет. В середину так и просится пятно потемнее. Усиливаем здесь песочный тон – получается хорошее такое желтое пятно. Чуть добавим по нижнему краю зелено-желтого, чтобы не было резкой границы внизу, и вот смотрите: уже вырисовывается что-то интересное.

Теперь в глаза бросается белое пятно слева – его тоже заполним песочным цветом, а по нижнему краю добавим зелени. Вот что получилось.

Вернемся к нашему серо-зеленому цвету, на котором остановились (С390).

Вообще, желательно, чтобы кончик карандаша был сточен наискосок под углом примерно 45 градусов и имел такую круглую площадку. Тогда каждый штрих будет получаться широким и размытым. Если карандаш заточен остро, лучше сточить его немного о лист для палитры (ни для кого не секрет, что такой листик для пробы карандашей всегда должен быть под рукой?).

Штриховать можно (и нужно) в разные стороны.

Вот пример того, как может наноситься штриховка: что называется, кто в лес, кто по дрова. Заметьте, что чем больше наслоений вы делаете, тем глубже становится цвет и тем больше у нас появляется новых оттенков.

Итак, плоским сточенным грифелем наносим на бумагу несколько размытых пятен.

Первый, желтый, добавлять смысла уже нет – он остался на «предыдущем уровне», а вот второй желто-зеленый (С450) пока еще можно. Он у нас как бы вклинивается в серо-зеленый. Не бойтесь штриховать поверх другого цвета: смешение цветов даст глубину. Очень аккуратно, постепенно углубляя цвет штрихуем до тех пор, пока белесые пятна на бумаге не начнут исчезать под слоем карандаша.

Двигаемся вниз, штриховка серо-зеленая (С390). Можно закрыть довольно большую часть площади. Прямо поверх – желто-зеленые пятна.

Добавляем последний – морской (С380) – цвет в наш фон. Обратите внимание, что штриховка направлена в разные стороны. Здесь я сделала это довольно грубо – для наглядности, – но при рисовании старайтесь не допускать таких отрывистых, резких штрихов: в дальнейшем их будет трудно замаскировать. Старайтесь, чтобы всегда получались размытые туманности.

Как видите, низ и верх фона между собой не очень взаимодействуют, нужно влить одно в другое, т.е. низу добавить верхний тон, а верх немного подкрасить нижним. Добавим глубины всем серо-зеленым (С390, третий цвет) пятнам, которые есть на нашем рисунке.

А теперь подкрасим низ вторым – желто-зеленым – цветом. И пройдемся пятнами вверх совсем темным – морским – вплоть до самого верха, чтобы не было ощущения разорванности низа и верха. Понимаю, что сходу это звучит не совсем понятно. В общем, в низ – зелени, в верх – синевы!

Таким образом, путем наложения пятен, можно создавать самые разнообразные фоновые эффекты. Добавляйте пятна поверх уже нарисованного (карандаш едва касается бумаги; где нужно будет нажать сильнее, вы почувствуете сами) там, где эти пятна сами просятся: например, там, где недостаточно интенсивно наложен предыдущий цвет.

Есть желание превратить рисунок в звездную туманность? Возьмите остро заточенный ластик (а лучше ластик в карандаше) и нанесите несколько точек в самых светлых местах рисунка. Можно использовать гелевую ручку, но ластик позволит делать точки размытыми, сияющими. Никто не мешает потом добавить и более четкие точки ручкой.

Вот что получается с помощью ластика в карандаше.

И последнее замечание. Важное. Готовый фон должен быть гладким. Рисуйте до тех пор, пока видите зернистости, белесые прорехи бумаги, лишние или слишком грубые штрихи. Пробуйте растушевывать блендером, а лучше – чуть более светлым тоном или даже белым карандашом (желательно твердым).

3) Давайте попробуем еще что-нибудь в качестве закрепления.

Я взяла первую попавшуюся коробочку карандашей Irojiten – глубокие тона 1. И задалась целью смешать их все в одном фоне. Как выяснилось, три последних карандаша оказались лишними, т.к. фон стал получаться осенним. Поэтому я их выкинула с фото: согласитесь, синий, фиолетовый и серый тут ни к селу ни к городу.

Итак, начинаем с одного цвета. Я взяла третий D-3, т.к. не представляла, что вообще буду рисовать, и следующий за ним D-4, и нанесла вразнобой несколько штриховых пятен в правый верхний угол листа (лист тестовый, 10 на 10 см).

И промежуточный D-5. То есть пошла по гамме: коричневый переходит в охру, охра – в желто-зеленый, желто-зеленый – в зеленый и так далее.

Дальше вернулась наверх, чтобы заполнить угол двумя первыми цветами D-1 и D-2.

Ну а дальше в каждом новом скане видно, как добавляются по два цвета: либо новые, либо углубляются уже использованные. Подробно описывать не стану, т.к. все происходит абсолютно так же, как уже было рассказано выше: размытые пятна, углубление тона, смешение с соседними.

В результате получилась такая сборная солянка.

Можно было оставить ее, как есть, можно превратить размытые светлые пятна в звездную туманность, как показано в предыдущем примере с фоном. А можно обвести несколько пятен, превратив их в круги, и чуть темнее закрасить области между ними. Получится вот такой фон боке.

Тут вы ограничены только собственной фантазией.

Надеюсь, мои объяснения для кого-то окажутся полезными. Желаю удачи в экспериментах!

Жду Ваших отзывов и предложений по раскраскам и тестированию карандашей!

Источник

Как рисовать окружение

Пошагово рисуем пейзаж с домиком на примере курса «Основы создания окружения». Упражнения и советы из статьи можно использовать вне курса.

Окружение — это все, что находится в поле зрения зрителя. Это может быть и интерьер залитой солнцем комнаты, и горный пейзаж, и даже рубка управления космическим кораблем. Задача художника по окружению — убедить зрителя в реальности придуманного мира. Поэтому такие специалисты особенно востребованы в киноиндустрии и геймдеве — там, где нужно визуализировать новые миры, которые еще находятся в головах сценаристов.

Для создания полноценных иллюстраций тоже нужно знать, как рисовать окружение. В противном случае каждая работа будет представлять собой персонажа или предмет в вакууме.

Востребованность специалистов по окружению подчеркивает и эксперт мирового уровня по игровому движку Unreal Engine 4, технический художник Том Шеннон.

Спрос на художников по окружению гораздо выше, чем на тех, кто рисует только персонажей, например. Эта сфера очень широка — будь то концепт-арт, рекламные постеры для проекта или даже иллюстрация фейкового скриншота из еще не вышедшей игры.

Поговорим о том, как нарисовать пейзаж и на каких моментах заострить внимание.

На этом этапе мы формируем идею и выдаем ее на бумагу: придумываем, какие объекты изобразим, и как они будут выглядеть.

Представьте, что вы решили нарисовать вид из окна. Вы изобразите дома, деревья, машины. Все это — элементы окружения, которые в цифровом рисовании называют пропсами. Само слово «props» переводится с английского как «реквизит». Чистый холст в таком случае выступает сценой, на которой художник расставляет декорации.

На сцене должен присутствовать главный герой, к которому будет прикован взгляд зрителя. Это необязательно должен быть живой персонаж: внимание может привлечь и домик на опушке леса, и огромное старое дерево, и даже груда камней. Такой композиционно значимый объект будет «лэндмарком» — достопримечательностью в окружении. Это частный случай пропса, который должен выделяться среди всех остальных.

На курсе студенты рисуют домик в лесу или в любом другом окружении. Почему именно домик? Дело в том, что архитектурный объект в среде — это наиболее частый сценарий для иллюстраций окружения. Когда студенты научатся изображать простую постройку, они смогут взяться и за более сложные задачи — рисовать, к примеру, дворцы, замки или целые города.

Разобравшись, какими объектами мы собираемся заполнить окружение, нужно поразмыслить над их внешним видом. В концепт-арте художники обычно начинают работу с силуэта, который является базовым и самым важным элементом дизайна.

На первый взгляд нет ничего сложного в том, чтобы придумать силуэт для домика. Но проблема может возникнуть на следующем этапе, во время отрисовки: будет непросто нарисовать объект внутри выбранного силуэта, если изначально не подумать о том, зачем добавляются те или иные элементы.

Поэтому перед работой над дизайном пропсов нужно тщательно изучить структуру объекта, который мы хотим изобразить, и формы, из которых он состоит. В этом деле помогут референсы и статья о скетчинге, где мы рассказывали о работе с примитивами, а также материал по «анатомии» дома.

Чтобы лучше понимать принципы работы с примитивами, студенты рисуют несколько вариантов домика. Их собирают из простых форм, словно конструктор, комбинируя кубы, цилиндры, сферы и т.д. Сначала рисуют один элемент, а потом постепенно добавляют к нему остальные (см. пример ниже). При этом важно сочетать формы так, чтобы они не были одинаковыми по размеру и весу. В гармоничном дизайне должны прослеживаться большие, средние и малые формы.

Источник

Технология быстрого создания фонов для 2D-игр на базе 3D-заготовок (48 часов разработки)

Вместо предисловия

Данная технология в свое время являлась чьим-то ноу-хау, но сейчас по прошествии нескольких лет решительно невозможно разобраться, кто является ее автором. Не смотря на то, что к ее использованию я пришел самостоятельно — не возьму на себя наглость утверждать, что именно я являюсь ее автором. Точно такими же авторами окажутся еще десятки, если не сотни людей, так как хорошие мысли, как правило, приходят во множество голов одновременно.

Перед тем как начать я хотел бы сделать акцент на двух положениях:
Первое. Мы исходим из того что читатель знаком с такими пакетами как 3D Studio MAX (либо любым другим пакетом трехмерного моделирования) и Photoshop (или любым его аналогом). В данном конкретном случае я собираюсь использовать терминологию этих двух пакетов. Однако, не смотря на это те же самые принципы можно использовать, пользуясь любым другим софтом.

Второе. В своей работе я всегда исхожу из одной простой истины: простота – залог успеха. И если первое положение предельно ясно, то второе я хотел бы раскрыть несколько шире. Начав, как это ни печально, именно с теории.

Я весьма относительный технарь и многие вещи, доступные другим технарям для меня — темный лес. Не смотря на это я считаю, что мастеру достаточно иметь один-два любимых инструмента, чтобы делать шедевры, а посредственности в свою очередь не хватит и чемодана этих инструментов, ибо за внешним лоском, эффектами и хитринками не будет, не души, не профессионализма.

Хочу также отметить, что я не причисляю себя к мастерам, которые делают шедевры. Данное примечание я делаю для тех злых людей, которые говорят (или скажут после публикации), что я заносчив, что меня занесло под небеса, и тех кто вместо того чтобы работать предпочитает злословить словно ябедник Кийр из моей любимой книги Оскара Лутса «Весна».

С преамбулами покончено перейдем к сути.

Я утверждаю и не беспочвенно, что хороший фон можно и нужно создавать не за неделю, не за пять дней и даже не за три. Чтобы сделать хорошую картинку для казуальной игры, без разницы i-spy это, match-3 или аркада, достаточно 48 часов. Разумеется, при условии того, что человек занимается работой, а не просиживанием штанов.

Прошу обратить внимание на иллюстрацию (см. выше). На мой взгляд, неплохой фон для 48 часов работы, не так ли? Теперь перейдем к технологии разработки таких фонов. Меня часто спрашивают «вы это все рисуете?». Я отвечаю – «частично да, частично нет… большая часть этой сцены 3D, но с мощным слоем пост-обработки». В этом случае человек обычно разочарованно протягивает «у-у-у… а я то думал это рисунок».

Давным-давно я огорчался, слыша это – теперь я знаю ответ. Мы делаем свою работу для того чтобы она радовала игрока. Мы делаем свою работу быстро потому, что жизнь коротка и за нее нужно очень многое успеть. Мы делаем свою работу любыми удобными нам способами (не противоречащими этике и законам) вовсе не потому, что у нас есть задача доказать кому-либо что мы можем нарисовать все что угодно. Мы не хотим ничего никому доказывать, кроме того, что мы можем, хотим, и умеем делать игры хорошо. На этом с теорией и вступлениями покончено – займемся, наконец работой.

Освещение и цвета заготовки

Как я уже говорил ранее, мы исходим из того, что читающие эту статью умеют держать в руках мышь и понимают толк в моделировании. Если вдруг случилось так и статью читает художник, который ни черта не смыслит в моделях – причин огорчаться нет. Существуют бесплатные библиотеки моделей (навскидку Turbosquid), из которых можно легко составить следующую сцену.

Допустим, вы сделали сцену, но не знаете, как ее осветить. Так же вы помните, что я посредственный технарь и ничего не умею. Знающие люди закидали бы вас настройками рендеров внешних и внутренних, с тысячами настроек и с пеной у рта доказывали бы что предложенный ими рендер – лучший.
Я иду другим путем. Учусь пользоваться теми инструментами которыми пользоваться легче и быстрей всего. В данном случае я предложу вам воспользоваться стандартными средствами 3D Studio Max, а именно двумя типами источников освещения. Это Omni (точечный источник освещения) и SkyLight – имитатор рассеянного освещения.

Необходимое отступление: Давайте добавим к тому, что я посредственный технарь еще и то, что я не буду пичкать вас техническими терминами, в которых и сам мало что понимаю. Как мы знаем умные слова еще не признак ума – так давайте обучаться легко.

Вернемся к нашим источникам. Как до них добраться?

При запуске Макса (я уже давно привык называть его по имени) в стандартной конфигурации есть некая панель управления, которая находится справа. Там вы можете выбирать примитивы, кости, модификаторы, черта в ступе, источники све… ба, то что нужно. Источники света.
Обратите внимание на рисунок. По шагам. Кликаем на иконку «лампы», в открывающемся выкидыше (нет, пожалуй нужно как-то осторожнее с терминами) выбираем Standart, и как говориться «не нужны нам никакие слюнявые мамонты» © Ice Age (это я о более сложных источниках света, с которыми мы понятное дело работать не умеем).

С чего начнем? Пожалуй с того что будет полегче. Т.е. со SkyLight. Смело кликайте на его кнопку и затем поместите его в любое место сцены. В этом его и прелесть. Затем… посетите это окошко, чтобы его активировать.

В открывшейся вкладке (панель с этими опциями находится наверху, под шапкой Макса) выберете пункт LightTracer и кликните, сразу после него вывалится окно (то что у меня на рисунке справа). Испугались?
А не надо пугаться. Вы уже сделали все что нужно. LightTracer – активен. Можете закрывать окно.

Разобравшись с этим источником освещения можете отрендерить сцену. Она будет выглядеть примерно так.

В том случае если вы использовали материал, который Макс назначает моделям по умолчанию когда на них нет текстур. А это, кстати, нам и нужно. Получилась очень пасмурная сценка. Осенний и дождливый денек. Но нам… нужно больше веселья и большей правдоподобности. Так бар выглядит когда все уходят домой.

Теперь нам нужно включить в баре лампы, чтобы посетителям, коли они будут, не было страшно. Любой Omni источник (а я думаю, что вы его уже поставили на сцену, пока я болтал) выставляется на сцену точно также. И с его настройками нам все-таки придется поработать. Выставьте источники света там, где они должны быть по уму, т.е. в зону прихожей, лампы и двух-трех мест чуть выше той зоны, что мы видим и давайте их настраивать.

Чтобы иметь возможность настраивать поставленный вами на сцену источник света войдите во вкладку Modify (на рисунке слева и далее слева-направо), выставьте источнику галочку чтобы он отбрасывал тени Shadows, в выкидывающемся окошке выберете Ray Traced Shadows, так как нам для хороших световых и теневых акцентов нужны резкие тени, а затем перебирайтесь в Far Attenuation. Для чего? Для того чтобы настроить зону которую будет покрывать источник света. Если вы не воспользуетесь этой функцией — ваши источники света будут действовать по всему периметру сцены. А нам они нужны лишь в определенных местах.

Видите эти два круга вокруг источника света? Давайте назовем то, что находится внутри первого круга зоной максимального света, а то, что находится между первой зоной и вторым кругом – зоной затухания света. И все. Никаких больше умных слов.

В результате вы получите вот такую вот картинку. В том случае, если у вас не включен SkyLight. Страшно?
Нет?
Мне тоже.

На вашей сцене есть два типа источников света. Мы разобрали и тот и другой. Вместе они образуют такой вот дуэт.

Это ваши Omni и ваш SkyLight. Поздравляю – мы закончили работу со светом. Теперь давайте немного оживим наши серые будни разноцветными материалами.

– Зачем, — спросите вы?
— А вы что собираетесь раскрашивать все это серое царство сами? – отвечу вопросом на вопрос я.

Как ясно можно видеть у нас есть группа моделей, залитая одним цветовым материалом. Нам необходимо разбить ее по цветам, чтобы затем было удобнее работать с текстурами. Как правило, я использую несколько цветов, чтобы разбить сцену по логическим материалам. Например, делаю белым цветом камень, желтым дерево, коричневым дерево другого типа. И т.д. Словом… нет никаких норм и ограничений по цветам. Единственно о чем стоит позаботиться так это о гармонии.

Как мы будем раскрашивать наши модели? Также просто. Никаких текстур – никаких настроек. Нажмите кнопку M или проследуйте во вкладку отображенную на рисунке. Теперь вы в редакторе материалов. Видите эти чудные шарики? Это то что нам нужно.

Кликните на диффузный цвет материала и в появившемся окне выберите нужный вам цвет. Нажмите Ok. Настройте таким образом нужное вам количество материалов-шариков, и назначьте на сцене их на модели. Это делается с помощь той маленькой иконки что обведена кружком. Да, совсем забыл, до этого, чтобы что-то получилось нужно хотя бы выбрать модель во вьюпорте.

В результате получится примерно такая вот картинка.

Уже совсем не плохо, правда? Дальше будет еще проще и еще красивее.

Я не зря говорил о простоте в самом начале. Категорически сопротивляюсь всему новому, я вполне комфортно чувствуя себя в старом. Это как удобная, но затертая до дыр рубашка. Лучшего и комфортного одеяния не придумаешь. Главное чтобы вас в этом тряпье ваша жена не увидела. У женщин несколько другие представления о том, как должен выглядеть мужчина. Собственно как и у нас о женщинах… тоже свои представления. Ничего удивительно. Ни одной Америки не было открыто.

Мои рассуждения о том, что мне нужно от 3D Studio Max сводились к следующему:
• Хочу, чтобы здесь было мягкое рассеянное освещение как в пасмурный день
• Хочу, чтобы здесь было несколько направленных источников света с жесткими тенями, чтобы подчеркнуть акценты.
Для первого случая я использовал SkyLight, для второго несколько источников типа Omni. Т.е. я обошелся стандартными средствами пакета, не прибегая ни к каким ухищрениям. Т.к. ухищрений я не люблю. Все должно быть просто. Дальше, что характерно будет еще проще.

Главное чтобы вы помнили, что одна из самых важных вещей в любой работе это свет и тень. Вторым пунктом пойдет логичность освещения. Ставьте (или рисуйте) его там, где оно уместно. Не надо тыкать источники освещения, где попало. Помните о гармонии. В нашей сцене светильников хоть и не видно, но находятся они в логичных местах не вызывая ощущения дискомфорта.
Это настольная лампа с желтым светом, две лампочки на стенах (значительно выше визуальной части сцены), один источник в дверях (все перечисленные источники света Omni с тенями, и тот самый SkyLight.

Настраивая интенсивность источников освещения, не забывайте о той самой гармонии. Не нужно ядерных взрывов и кислотных цветов. Помните, что на это будут смотреть, и смотреть будете не только вы.

Текстурирование

Теперь, когда мы разобрались со светом нам необходимо покрыть нашу сцену текстурами. «Вот те раз», — воскликнут иные, — «текстурирование… значит не обойтись без UVW-маппинга, разверток и прочих плясок с бубнами».

«Дудки» отвечу я вам. Не нужны никакие модификаторы, и отложите в сторону свои шаманские бубны. Ваше общение с пакетом трехмерного моделирования закончилось еще в прошлой главе. Это правда. Честно. Все остальное будет сделано вашими руками. Итак…

Для начала давайте осознаем тот факт, что с 3D мы уже больше не работаем и переберемся в Photoshop. Перед тем как начать работать я бы рекомендовал запомнить несколько вещей, которые лежат в основе этого способа разработки:

• Ваш рендер находится в самом первом и самом нижнем с точки зрения ориентации слое, все остальные накладываются сверху.
• Все фактуры, работу с тенью вы осуществляете через фильтры Overlay & Multiply – это необходимо для того чтобы ваш рендер был всегда виден, и чтобы в нем «на лету» можно было произвести любые изменения. В этом туториале заложена ситуация когда я «забыл» некие детали и потом за несколько минут интегрировал их в «сцену».
• Рекомендую работать в разрешении превышающем финальную картинку как минимум в два раза. Это позволяет работать с некоторыми вещами более небрежно, чем обычно, но при уменьшении это мало заметно. Т.е. большой размер как не странно – экономит вам время.

Теперь можно приступать. Все что вам нужно уяснить – каждому объекту требуется хорошо подобранная текстура, адекватная его сущности. Не «лепите» на каменные стены металл, а на металл дерево и все будет хорошо. Прошу обратить внимание на следующий рисунок.

Помимо картинки на ней присутствует квадрат обведенный белой рамкой. Это наша будущая текстура (разумеется ее накладывают без белой рамки, и да – она уже обработана инструментом Distort). Практически все текстуры накладываются мной в режиме наложения Overlay.
Для того чтобы ориентировать любую фотографию или текстуру так как это сделано у меня — воспользуйтесь инструментом Distort, его можно найти через меню Photoshop ветка которого выглядит следующим образом — Edit/Transform/Distort

Взглянем теперь на изображение выше. У каждого слоя есть свои режимы наложения. По умолчанию режим слоя выставлен на Normal. Мы меняем его на Overlay. У меня нет желания забивать вам голову пространными, а главное высосанными из пальца объяснениями как работает тот или иной режим наложения. Как говорит один из моих знакомых — не бойтесь экспериментировать.

Все что вам нужно знать, что Overlay перемножает освещенность и цвет, делая объект под ним светлее добавляя при этом к нему свою фактуру. Каково вам объяснение?

Ненаучно? Согласен.
Не технологично и без знания предмета? Съем и это. Суть от этого не изменится.
Чтобы усилить или ослабить тот или иной слой пользуйтесь его прозрачностью. Т.е Opaсity (ползунок уровня прозрачности находится справа от режима наложения, который вы только что выбирали). В случае если вы воспользуетесь уровнем прозрачности 100% — картинка может получиться слишком сочной. А нам нужно чтобы фактура была воздушной. Чтобы пол не отвлекал зрителя от игры света и тени, в тоже время «говоря» ему – смотри я деревянный.

Точно таким же способом вы накладываете все остальные текстуры получая на выходе следующую картинку.

Итак, что мы имеем? Забавно правда? Мы не умеем текстурировать, владеем всего одним инструментом Distort, но по нашей прихоти сцена обзавелась красивыми стенами, полом, барной стойкой и даже шикарными бочками из дубового дерева, и надо сказать… сцена уже выглядит неплохо. А мы, между прочим, еще даже не брались за планшет. Продолжаем детализировать? Уверяю вас – сейчас начнется самое вкусное.

Детализация

Следующим этапом будет мелкая детализация которая так радует глаз геймера. Относитесь к ней внимательно и с юмором. И то и другое игрок оценит в полной мере. Что понимается под детализацией? Обратите внимание на рисунок:

Что вы видите? Там появились узоры на кресле, роспись по дереву на барной стойке, наклейки на бутылках вина, обложки на книгах, и т.д. Как это делается? Очень просто. Либо интернет в помощь, либо банк собственных фотографий. И то и другое одинаково хорошо. Открываете «Google» и набираете в строке поиска «этикетки на вино».

Переключаетесь на вкладку «картинки», выбираете интересующую вас этикетку и отправляете в ваше рабочее окно через буфер обмена. После этого берете инструмент Distort добраться до которого можно через вкладки Edit/Transform/Distort и с помощью направляющих точек искривляете изображение так чтобы оно адекватно вписывалось в сцену. Накладываете его в любом удобном для вас режиме наложения. Просто? Просто. Тот же самый принцип используется для искажения в нужном направлении текстур которые мы накладывали на пол и на остальные объекты сцены.

Таким нехитрым методом вы оснащаете всю сцену мелкой детализацией. Кажется я еще что-то говорил про юмор? Да. Было дело. В свое время я часто откалывал шутки с целью проверить приемку того или иного заказчика. Что конкретно находилось на той или иной сцене я говорить не буду, попытайтесь найти на этой сцене что-нибудь знакомое самостоятельно.
Могу сказать лишь одно. Практически каждый мой фон или работа наполнены мини-трибьютами и гегами. Это повышает фан в том случае если ваша игра успешна. Вполне известно, что в старых играх до сих пор находят «пасхальные яйца» и, не смотря на прошедшие годы не устают их искать вновь и вновь. В «рамках проекта детализации» нам необходимо обзавестись такой вещью как столы и стулья.

В конце концов кабак это или танцпол? В пакете моделирования у меня были сделаны такие вот заготовки, и теперь пришло время примерить их на нашу сцену.

Столы мы кладем поверх наших слоев текстурирования и объектов, чтобы не ломать проделанную работу. Что мы видим? Наши столы уныло плавают в воздухе. Что мы забыли? Как минимум отекстурить их.

Все по-прежнему плохо. Почему? Правильно – мы забыли пересчитать свет в сцене. Возвращаемся в редактор моделирования и пересчитываем сцену. Поскольку все последующие слои (текстуры и объекты) накладывались у нас с помощью режимов наложения Overlay или Multiplay подмена самого нижнего слоя с нашим рендером никак не скажется на качестве картинки и нам ничего не придется переделывать. Если не верите, посмотрите на следующий рисунок.

Попутно с тенью на полу я прихватил из сцены забытую там дверь и раскрасил ее нашим с вами способом. Текстурами. Через уже столько раз упомянутый режим наложения (Overlay). Однако внимательные читатели заметят разницу во внешнем виде двери. Она со светом и бликами.
Прощу прощения, но я не удержался и почиркал по двери инструментом Dodge. Не увлекайтесь им сильно. Но помните что это быстрый способ «выжечь» любую поверхность. С помощью Dodge очень легко, а главное быстро можно делать бликующий металл.

Правда, я практически не пользуюсь им в своей работе. Разве что на последней стадии, когда все слои слиты в один. Дело в том, что для меня важно чтобы сцена до последнего момента сохраняла свои слои. Вдруг мне захочется подменить что-то внизу, как мы с вами уже проделали с дверью и тенью под столами? В этом случае придется снова махать кисточкой, и снова наносить блики металла Dodge’м.

Видно что я начал подправлять тень нанося ручные мягкие контуры под нужными мне объектами и что появилось отражение. Неужели опять задействован пакет трехмерного моделирования? Отнюдь. Я просто взял, отрезал стол, воспользовался уже упомянутым инструментом Distort и исказили картинку стола так чтобы он находился под столом реальным, зеркально снизу. Потом наложил этот искореженный стол в режиме Overlay с минимальной едва заметной прозрачностью. Потом подтер резинкой отражение там где оно мне было не нужно.
До сих пор я пользовался тремя инструментами. Это Distort для искажения фрагментов изображения в нужные мне ракурсы, это метод наложения слоев Overlay и Dodge. Ну хорошо, уговорили — была еще и резинка. Согласитесь не слишком масштабный арсенал? Я бы даже сказал простой и очень легкий для освоения. Постараюсь в плане легкости и простоты работы не разочаровывать вас и впредь.

Дополнительное освещение

Давайте зададимся вопросом… чего нам не хватает в этой сцене? Не дожидаясь предположений отвечу сам. Не хватает света. Световых акцентов. Сцена тихая, спокойная. В ней нет никакой живости. Этой живостью мы с вами и займемся… обратив внимания на рис. 9. Что это такое? Это черно белая маска света нарисованная вручную. Поверьте… чем колупаться с рендерами легче нарисовать свет самому. Кроме того этот свет в отличие от рендера всегда может быть отключен в виде слоя. Что если вы задумали сделать грозу на улице? Или проходящего мимо прохожего, который по маске стирает слой света, который затем начинает светить, как ни в чем не бывало?

На рисунке маска изображена черно-белой. Это сделано исключительно для того чтобы вы могли увидеть точную форму белой маски. В реальности черного цвета на маске нет. Только белая или желтоватая.

Во время наложения этот слой состоит из белого силуэта. Достаем уже знакомый и привычный Distort, и искривляем спрайт так чтобы он идеально вписался под окно. Меняем режим наложения с Normal на Overlay… и вуаля… на пол падает свет. Сцена стала лучше? Стала… но это далеко не предел. Все оставшееся время мы будем играться именно со светом, потому что работу по текстурированию и объектам мы уже давно закончили. Мы продолжаем работать со светом, и наносим кисточкой лучи света из окна. С понятно каким режимом наложения. Наверное, я уже с ним наскучил вам.

Теперь перейдем в нашу предпоследнюю главу. И доведем этот «рисунок» до конца.

Сколы, Эрозия, Элементы старения, Следы Жизни

Никакого эффектного появления и трюков не получилось. К сожалению, вы уже прочли заголовок. Поэтому неуместно будет таинственно спрашивать что же на самом деле отличает хороший фон от того что мы имеем, скучного и пресного. Ответ прост. См. шапку главы.

Немного восторженной теории. Никакой рендер не в состоянии заменить чувство меры, цвета и света имеющейся у хорошего художника. Никакой рендер не в состоянии сделать нужные акценты там, где это действительно нужно. Любой рендер на данном этапе развития это бездушный и очень честный парень. Он всегда норовит все сделать честно. А нам не нужно честно. Нам нужно интересно. Эффектно. Сказочно.

Однажды один художник показал мне один прием. «Сколы». Под ним он подразумевал любое старение металла. После этого мои металлы стали значительно лучше. Поскольку меня часто называют «ржавыми маньяком», «фоллаутистом», и многими другими прозвищами вы, наверное, догадаетесь, что я пошел значительно дальше сколов.

Мое мнение относительно дизайна тех или иных вещей в играх простое. Игроку не интересна честная белая стена. Ему интересна стена фактурная. Та, которая может его заинтересовать. Тоже самое относится и к остальным объектам. Они должны быть фактурны, интересны, они должны быть запоминающимися.

Возьмем две игры. Half-life 2 и F.E.A.R. В обоих играх используются normal-карты для создания рельефа и освещения. Только если в последней отключив эти карты мы вообще не увидим больше ничего (кроме уровня из картонок), то отключив тоже самое хозяйство в Half-life 2 мы получим практически туже чудную картинку что и была. Почему? Потому, что в Valve к делу подошли ответственно совместив две технологии, а не положившись на одну. В случае если не работает одна — вторая работает за двоих.

Normal-mapping там используется как вспомогательная технология. А в F.E.A.R. эта технология несущая. Т.е. без нее «картинки» практически нет. В чем преимущество Half-life 2 в данном случае?

В фото-текстурах изрядно обработанных руками, в цвете и свете на уровнях. Т.е. во всем том, что я отмечал особо в самом начале этого туториала.

Однако вернемся к нашим сколам. Давайте посмотрим на рисунок чуть выше. Что появилось? Появилось все. Появилась жизнь. Мелкие пылинки кружащиеся в лучах окна, потертый пол, дополнительные засветки на стенах, потертости на дереве, потертости на барной стойке, и т.д. Это я называю «финальным проходом». Когда художник проходит поверх сцены придирчивым взглядом и начинает наносить мелкую световую и эрозийную детализацию. Также это можно назвать «пост-обработкой».

Вряд ли я кого-то удивлю, если скажу что все эти пятнышки, потертости наносятся белым или приближенным к нему цветом на соответственный слой с режимом наложения Overlay.

Пост-обработка крупным планом

Все-таки хочется коснуться пост-обработки отдельно. Для этого я создал специальный укрупненный пример. На нем явно видно, что я имею в виду под этим емким термином. И давайте наконец закрепим пройденный материал. Обратим наши взоры на рисунок поди последний в этом сезоне.

Пошли… слева-направо:
1. Рендер сцены без каких-либо изменений основанный на разноцветных материалах и типовых источниках освещения.
2. Наложение фактур (Overlay)
3. Наложение сколов, потертостей, и прочего «эха войны» (Overlay)
3B. Белым показаны штрихи, которые наносятся поверх картинки
4. Еще больше потертостей, блики на бутылках, крупные блики на выпуклых частях стола.
5. Узоры нанесенные желтым цветом в режиме наложения Overlay, мелкие детали вроде болтов на полу, дырки в дереве, и аккуратные протертости вокруг них.

Вот и все… как выясняется сделать такой фон проще пареной репы. Все что необходимо, это вера в себя, внимание к мелочам, и практика. Практика, без которой хрен что получиться вообще.

Эпилог

Хочется отметить ряд вещей, которые не стоит забывать не при каких обстоятельствах, и которые собственно и составляют основу этого метода.

• Внимательно подбирайте цветовые схемы будущей работы, так чтобы они услаждали глаз, а не напрягали его.
• Помните о важности света и тени в любой работе. Без них ваша работа будет плоской и скучной.
• Аккуратно подбирайте адекватные для сцены фактуры. Ваша задача создать гармоничную картину, а не показать буйство материалов. Заметьте, на моей сцене фактуры во многих местах имеют достаточно бледный вид.
• Помните о процессах старения и эрозии, которые сопровождают вас вокруг. Чистые и стерильные предметы вы найдете только в больнице. Европейской разумеется.
• Внимательно подмечайте мелочи окружающие вас по жизни и переносите их в свои работы. Любая уместная мелочь делают вашу работу живее.
• Шутите и улыбайтесь, переносите свой юмор в работы. Юмор даже в хоррор проектах остается юмором. С юмором жить веселее.
• Overlay & Multiply – ваши лучшие друзья

Совет 1: Подготавливая фон, к примеру 800х600 лучше работать с исходным полотном большим по размеру хотя бы вдвое больше оригинала, т.е. 1600х1200. Это вызвано тем, что в работе с большим холстом вы можете позволить себе довольно сильные небрежности в штрихах, линиях и формах. Все это уйдет при уменьшении вашей картинки.

Совет 2: После уменьшения картинки во многих местах может возникнуть мыло. Те кто любят изображение четче могут воспользоваться фильтром Unsharp Mask он работает более корректно чем фильтр Sharpen, и имеет больше степеней настройки.

(Я, к примеру, ни одну из своих работ не оставляю без друга Unsharpa’а)

Кроме того помните, что залог успеха – простота. Простота выбранной технологии обеспечивает вам скорость. Простота обеспечивает вам удобство использования разработанного контента. Оставьте в стороне ваш чемодан с тысячей инструментов и поиски one-click плагина, или магического рендера который «сделает вам круто». Возьмите пару инструментов и отточите пользование ими до совершенства. Посмотрим… захочется ли вам после этого открывать свой старый чемодан.

Всем спасибо за внимание. Надеюсь данный туториал был вам полезен.

Дата последней правки в статье: 29 января 2016 года, 5:21.
В связи с поступившем сигналом о «пропаже» изображений из статьи, была проведена работа по их восстановлению. В ближайшее время они будут загружены на Хабр, чтобы в будущем подобные инциденты — не повторялись.

Источник

Как рисовать фон

Дорогие разрабы новелл) (преимущественно те, кто отвечает за рисовку фонов в этом трудоемком, зачастую очень затяжном процессе.)

Не секрет, что в современной действительности при рисовании 2D фонов подавляющее большинство использует референсы (по-русски вспомогательные элементы или изображения). Чего только в ход не идёт. Кисти, фотографии, 3D модели, даже чужие картинки. Используешь всё, чтобы существенно облегчить себе жизнь.

Краткое видео о чём идет и дальше будет идти речь.

Корейские манхвы просто вопящий тому пример) Среди читающих уже слагают анекдоты про референс- 3d модель «Замок», которая кочует из одного Исекая (комикс про перерождение) в другой.

И раздаётся вой с болот, и набегают люди, голосящие: «что рисунки должны создаваться полностью с нуля, используя свои собственные навыки». Или что-то в этом духе.

Товарищи-умельцы, ловите ответную шайбу. Рисовать с нуля, используя только собственные навыки, без спору дело благородное и сродне идеалу, к которому нужно стремиться. Но только в условиях, которые тоже стремятся к идеалу. Например, у вас бизнес, который не требует особого внимания и приносит деньги, на которые вы можете прожить спокойно месяц и нанять домработницу. Вот тогда можно тратить время на скрупулёзную прокачку навыков рисования.

Но подобное не для нашей действительности. На нашу действительность впору табличку вешать «Оставь надежду всякий здесь живущий.»

Это когда ты, дорогой мой молодец такой огурец, пашешь с утра до ночи на работе, а то и на двух, занимаешься домашними делами и еще пытаешься «творчеством» помышлять, чтоб жизнь тоскливой не казалась.
А чтобы на творчестве зарабатывать, это вообще ужом на сковородке чечётку отжигать надо.

Слабо как корейским манхвакам рисовать по 40 фреймов на одну главу комикса раз в неделю? Поэтому они и пользуются референсами напропалую, неважно, что один «замок» на всех. Я представляю, как им на это начхать после 50 глав одного сезона.

При таких реалиях неудивительно, что у нас что с рынком комиксов, что новелл глухо, как будто к нам всем поголовно фантазия да навыки повернулись на куриных ножках задом.

На этом закончим вступительный реверанс. Дальше сугубо по делу)

За сим хочу предложить вам свой проект: библиотека цветных 3D моделей с текстурами.
Библиотека постоянно пополняется новыми моделями.

Сама библиотека находится по ссылке:Clip Studio PAINT 3D Color ASSETS

Пример возможного использования вы найдете в предложенном видео.

Источник

Разнообразные приемы создания фонов в изобразительном творчестве

Елена Тыняная
Разнообразные приемы создания фонов в изобразительном творчестве

Фон является задним планом рисунка, одним из средств выразительности. Он придает рисунку пространственную целостность, законченность. Выбор фона, его цвета, фактуры, приема и инструментов изображения процесс творческий.

В рисунках фломастером очень удачно смотрится карандашный фон. Фломастером трудно равномерно закрасить большие пространства и для фона он слишком ярок). Карандашная тонировка ложится более плотно, мягко и она нежно дополняет яркие изображения фломастером :

Нежность работам придает использование для фона сухой пастели:

Готовые яркие фоны (например цветной картон) подходят для контраста к изображению; такие работы обладают лаконичностью:

Для эффекта некоторого сглаживания контраста и большей естественности можно дополнить готовый цветной фон дорисовкой фломастером или гуашью (тогда лучше выбирать пастельные тона бумаги) :

Интересно использование готовых цветных фонов, имеющих рисунок (обычно это расцветки в горошек, полоску, клеточку или сердечки) :

В некоторых работах (чаще с «теплым» природным материалом, тестом, чтобы не нарушать естественной атмосферы, лучше использовать неокрашенный картон:

А также можно использовать в качестве фона другой природный материал: бересту, листья и т. п.

Или фоны-картинки из раскрасок, испорченных книг, журналов:

Интересно и создание неоднородного фона, что в аппликации достигается использованием разных кусочков бумаги :

Нанесение фонов масляной пастелью (восковым мелком) имеет свои особенности. В аппликации можно изначально тонировать бумагу, как и другими изоматериалами, а в рисовании фон восковым мелком наносится после всех деталей изображения, обходя их (т. к. и другой мелок и краска плохо ложатся на воск). Делать это можно разными способами и добиваться разных эффектов. Самый распространенный (чтобы мелок ложился мягко) боковой стороной мелка плашмя, можно однотонно, а можно добавляя другие цвета. А кончиком мелка штрихами, полосками или круговыми движениями завитками:

Фоновая основа из ткани в основном используется для тканевых аппликаций, однако прекрасно подходит и для коллажей:

Эффектно смотрится в качестве фона и мятая бумага:

А также газета, ноты или нотная тетрадь:

Может потому, что очень люблю живопись, а может из-за тонкости нюансов и широты возможности, отдаю предпочтение краскам. Фоны в акварели – это нежно, радужно, легко:

В технике акварели по восковому мелку фон наносится сверху всех деталей изображения :

В акварели очень красиво смотрятся аппликации на фоновом рисунке, когда не просто тонируем бумагу, а по-сырому создается легкий рисунок заднего плана:

Гуашь в дошкольном возрасте занимает большее место, благодаря своей непрозрачности. И создавать в ней фоны можно самым разными способами :

В технике рисования окрашенной мыльной пеной и набрызга:

Рисования зубной щеткой:

Веерной кистью и тычком ватной палочки:

Губкой, поролоновым тампоном или валиком (губка и тампон создают более пористый фон, валик более гладкий, бархатистый) :

Приемом покрытия сырого фона полиэтиленовой пленкой:

И приемом монотипия :

Конечно, это еще не все варианты, а лишь те, которые я нашла в своем фотоархиве. Мы использовали и оттиск губкой по кружеву в гуаши, и фроттаж по листьям цветными карандашами. (к сожалению фотографий не сделали). Но надеюсь, сто материал был Вам полезен, дорогие коллеги. Спасибо за внимание!

«Санкт-Петербург в цвету». Приемы создания художественного фона. Мастер-класс от группы «Солнышко» 27 мая Санкт-Петербург празднует День своего рождения. Готовясь к этому замечательному празднику, мы с детьми создавали аппликации и рисунки.

Аппликация в детском творчестве В дошкольном возрасте процесс познания у ребёнка происходит эмоционально-практическим путём. Каждый дошкольник – маленький исследователь,.

Доклад из опыта работы «Разнообразные формы работы по патриотическому воспитанию в старшем дошкольном возрасте» Как добиться того, чтобы молодое поколение росло преданным Родине, готовым, когда потребуется, защитить ее мужественно и умело, с достоинством.

Фотоотчёт о коллективном творчестве Дорогие коллеги, одной из задач своей работы считаю расширение видов творческой деятельности воспитанников с ограниченными возможностями.

«Традиционные праздники бурят». Конспект занятия по ознакомлению с изобразительном искусством Конспект «Традиционные праздники бурят»по ознакомлению с изобразительном искусством. Для того, чтобы узнать настоящую душу народа, необходимо.

Консультация для воспитателей «Методы и приемы создания у детей положительных эмоций при общении с природой» КОНСУЛЬТАЦИЯ ДЛЯ ВОСПИТАТЕЛЕЙ. МЕТОДЫ И ПРИЁМЫ СОЗДАНИЯ У ДЕТЕЙ ПОЛОЖИТЕЛЬНЫХ ЭМОЦИЙ ПРИ ОБЩЕНИИ С ПРИРОДОЙ 1. Учить детей здороваться.

Мои разнообразные увлечения Мне очень нравится создавать всевозможные штучки своими руками! Люблю плести своим девчонкам косы. Люблю всевозможное рукоделие.

Разнообразные и результативные формы физкультурно-оздоровительной работы в дошкольном учреждении (из опыта работы) Тема: Разнообразные и результативные формы физкультурно-оздоровительной работы в дошкольном учреждении. Здоровье – это базовая ценность.

Развитие умственной активности детей в познании мира природы через разнообразные методы и приемы В настоящее время из-за ухудшения состояния окружающей среды возникла необходимость в повышении экологической грамотности каждого человека.

Весна в детском творчестве Весна в детском творчестве. Вот и пришла весна. Дети полны эмоций, впечатлений и желания их выразить. Конечно, эмоции можно выразить и.

Источник

Как рисовать фоны для игр и мультиков

Как создавать фоны для флеш-игр – есть отличный доклад здесь. Автор очень хорошо структурировал информацию, затронул вопросы выбора цвета, формы, организации графических элементов в фоновом рисунке. Очень советую к изучению.

Чтобы не повторяться, поделюсь теоретической информацией про фоны для мультиков. Фоны не менее важны в мультике, чем сами персонажи. Они очень многое могут рассказать о персонаже, об истории в целом.

В отличие от фонов для флеш-игр, где позволительно, и даже в некоторых случаях необходимо, делать плоские изображение (например, когда фон двигается), в мультфильмах этот метод категорически не приветствуется. Все плоское считается скучным и мертвым. Итак:

В рисовании фона используйте ассиметрию, углы и глубину. В первом случае фон плоский и скучный (для флеш-игры, я думаю, он бы сгодился:) Во втором варианте, в перспективе, фон смотрится куда более выигрышно, ощущается пространство и, видимо, дышать приятней и свободней:)

Чтобы нарисовать удачный фон для мультика, в первую очередь, нужно научиться работать с перспективой.

По закону перспективы, параллельные линии сходятся в одной точке на линии горизонта. Существует три вида перспективы:

1-но точечная (One Point Perspective)

2-х точечная (Two Point Perspective)

3-х точечная (Tree Point Perspective)

Как научится работать с перспективой?

В этом помогут книги и уроки, которых в интернете очень много. Например,

При желании все эти материалы можно найти на русском языке.

Этот мультик был сделан не во флеше, а в программе Toon Boom. Но это не столь важно, рисунки фонов отлично иллюстрируют все выше сказанное. И да, перевод мой, поэтому не идеален:)

1. Кухня Симпсонов

Хотя фоны не так важны в мультике, как сами персонажи, но, по правде, незаменимы – без них герои будут барахтаться в пустоте. Окружающие предметы есть ключевыми элементами в рисовании всех фонов для Симпсонов. Заметьте, что линии упрощены, чтобы хорошо соответствовать стилю персонажей, но они все равно дают ощущение реального пространства. Перспектива не искажена, и все элементы отрисованы не в мультяшном стиле. В основе лежат реалистичная архитектура и предметы.

2. Кухня(2)

Обратите внимание, как детали фона рассказывают нам о персонажах. Блокнотик с отрывными листиками на холодильнике указывает, что Мардж и Гомер – великолепные родители, а стульчик в углу напоминает о том, что там случай от случая отдыхает Барт (видимо, он там в наказание сидит:) Трещина на стенке подтверждает, что Гомер тратит куда больше времени на телевизор, чем на ремонт дома.

И хотя все эти вещи в целом незначительны и не слишком выделяются на общем фоне, но они помогают создать иллюзию, что Симпсоны реальная семья, которая существует на нашей планете:)

3. Гостиная

Обратите внимание, что линии перспективы на этом фоне сходятся в одной точке под картиной. Это пример 1-но точечной перспективы (one-point perspective). Как зрителя, эта перспектива концентрирует наш взгляд в центре комнаты. Все объекты в этой комнате построены на основе 1-но точечной перспективы.

4.Таверна Мо

Еще один пример 1-но точечной перспективы. Линии построения перспективы сходяться слева от двери. Обратите внимание, как линии пола, бильярдный стол, бар проходят по линиям построения и сходяться в этой точке. Заметьте, как телевизор на стене повернут к нам и не связан с линиями перспективы. Использование затемнений добавляет рисунку реалистичности, а каждый объект в помещении имеет убедительную форму, вес и глубину.

5. Магазинчик комиксов

Что касается детализации, то этот фон вне конкуренции. Уточняется, что дизайнер, который рисовал его, бегал в похожий магазинчик дважды на день. Окружающие детали так убедительны, что можно почувствовать запах заплесневелых комиксов и жарених луковых колечек:)

Этот фон интересен тем, что линии перспективы сходится в точке на полу.

6. Супермаркет

Фон супермаркета нарисован с использованием 2-х точечной перспективы. Когда мы смотрим на этот рисунок, то наш взгляд опускается на пол. Линия горизонта находится на уровне машины для шейков. Обратите внимание, как линии пола, ящиков с журналами, кассы и пр. сходяться на линии горизонта.

7. Супермаркет (2)

8. Класс Барта

Редкий пример 3-х точечной перспективы. Мы смотрим на помещение с высоты сверху вниз, так как линия горизонта находится за пределами рисунка. Использование 3-х точечной перспективы позволяет создать вид с высоты птичего полета. Можно проследить по горизонтальным линиям от двери класса, книжних полок, окон до вершини рисунка. Там находится первая точка, где сходяться линии перспективы. 2-я точка – от обратной стороны доски справа. 3-я точка находится за пределами нижней линии рисунка.

Обратите внимание, что вверху двери класса шире, чем внизу. По идее, вертикальне линии двери должны быть параллельны, но из-за того, что точка наблюдения находится слишком высоко, эти линии уходят в перспективу. Все вертикальные линии на рисунке уходят вниз к 3-й точке.

9. Рабочее место Гомера.

Сложность и детальность изображения прибора только усиливает комичность идеи, что здесь действительно работает Гомер:)

Источник

Советы и методы рисования: как рисовать фон

Художественная лицензия означает, что вы можете получать свет с любого направления, в котором пожелаете. Вы просто решаете, где вы хотите, а затем рисуете наиболее насыщенными цветами, наиболее близкими к свету и более слабыми, наиболее удаленными от света.
Джефф сказал: «Сначала найдите свой источник света. На этой картине он идет слева. Вот где я начал с самого темного цвета, черного и ализаринового малинового, используя мазки крест-накрест «.

Рисуй по направлению света

Не рисуйте случайные мазки кистью, но используйте их, чтобы усилить ощущение направления света. Ваш мазки не нужно выстраиваться в жесткий ряд, как новенькие столбы для забора, но они могут быть немного беспорядочными, как забор, выдержавший несколько штормов. Считайте их танцующими, а не марширующими.
Джефф сказал: «Двигаясь по холсту в том же направлении, что и свет, я осветил смесь красок кадмиевым красным».

Помните, что эффект света непостоянен, он меняется по мере удаления от источника света. Небольшое преувеличение этого изменения при рисовании фона может быть очень эффективным, поскольку обеспечивает контраст в

Добавление тени закрепляет объект. Без него все выглядит так, как будто оно плавает в космосе. Для этого стиля фона вам нужна не детальная тень, а более темный тон, где более крупные формы объекта будут отбрасывать тень с учетом выбранного вами направления света.
Джефф сказал: «Я размыл линию горизонта и добавил отбрасываемую тень кота. Я думаю, что размытие линия горизонта это «волшебство» этого типа фона ».

Как только вы получите все необходимое, самое время перейти к рисованию объекта. Не беспокойтесь о том, что это полностью «правильно», вы можете адаптироваться и внести коррективы позже.
Джефф сказал: «Рисование фона таким образом создает ощущение атмосферы и перспективы в вашей картине. Он также помещает светлую сторону объекта рядом с темной стороной фона, а теневую сторону объекта рядом с более светлой стороной фона. Этот контраст света и темноты делает картину интересной.
Фон и передний план готово, я потрепал саму кошку. «

Активно сканировать характеристики устройства для идентификации. Используйте точные данные геолокации. Хранить и / или получать доступ к информации на устройстве. Выберите персонализированный контент. Создайте персонализированный профиль контента. Измеряйте эффективность рекламы. Выберите базовые объявления. Создайте персонализированный рекламный профиль. Выберите персонализированную рекламу. Применяйте маркетинговые исследования, чтобы получить представление об аудитории. Измерьте эффективность контента. Разрабатывайте и улучшайте продукты. Список партнеров (поставщиков)

Источник

Простой способ нарисовать задний фон

Вот вам мой пошаговый туториал как быстро сделать задний фон.

Вот вам мой пошаговый туториал как быстро сделать задний фон. Пусть и выглядящий довольно грубо как у меня в примере.

Здесь то что я называю предварительным наброском. Руины замка, немного гор и тумана 😀

Процесс рисования этих руин занял бы много времени, поэтому я использую фото.

Этот выглядит подходящим, и свет падает оттуда, откуда мне хотелось бы.

Теперь я готова начать.

Используя градиент, я положила основную цветовую схему. Так же хорошо бы заполнить все белое пространство, дабы оно не выглядело так пугающе. Туманный голубой для неба и сероватый для гор.

Далее я переключаюсь на квадратную кисть и намечаю, где будут находиться самые крупные куски гор. Так же я поступаю с облаками, используя уже круглую кисть.

Теперь я добавила теней в облака и отдаленные горы. Теперь почти закончено, но… выглядит размыто и плоско. Верно?

Еще слой, на котором повышен контраст. Картинка выглядит более четкой.

Освещение все еще нуждается в настройке. Так что я накладываю поверх еще слой и крашу на нем.

Далее вырезаю руины с фото и вставляю в изображение. Я делаю непрозрачность 50% и цвет становится похожим на тот что на горах ниже. Такая техника лучше всего работает для объектов на расстоянии. Если же вы хотите более матовое изображение, вам нужны качественные фотографии и намного больше времени.

Используя ластик, я избавляюсь от нежеланных частей неба и руин.

Настало время для деталей. Приближаем изображение и занимаемся горами. Фотографии обычно имеют зернистую поверхность, так что делаем руины по цвету больше схожими с горами.

Используя одну из кистей для рисования тумана, я придаю облакам более реалистичный вид. Созданные кем-то кисти могут быть полезными 🙂 Эту я нашла здесь.

Создаю новый слой и рисую на нем туман поверх руин и гор. Непрозрачность здесь опять 50%.

Источник

Как научиться рисовать фоны/пейзажи?

Ferny

Пользователь сайта

Пытаюсь сейчас научиться рисовать фоны. Так получилась, что с персонажкой и объектами у меня более-менее хорошо, отдельно стоящее дерево, например, могу нарисовать, но с фонами ничего не выходит. К супер-реализму я пока не стремлюсь, меня интересует стилизованные фоны:
https://pp.vk.me/c305506/u1206933/154352478/y_f6020054.jpg
http://gallery.pub.goha.ru/gals/news/allodsfenr/full/d4adeff13f60ea398aacce727c47228d.jpg

Буду рада если кто-нибудь поделится опытом, своим или чужим)

Дмитрий Морозов (Морозов Дмитрий)

Знаток

Фоны и пейзажи рисуются по такой же логике, как и всё остальное. Композиция, цвет, свет, тональность, перспектива и тд.

Если всё это отлично получается в персонажке и отдельных предметах, странно что не получается в окружениях ) Может покажите работы?)

Ferny

Пользователь сайта

Дмитрий Морозов (Морозов Дмитрий)

Знаток

Я думаю не важно что с чего начинать, главное чтобы получалось )
Возьмите несколько фоток пейзажей и порисуйте с них этюды (стадики). Или с натуры, что еще лучше. Посмотрите этюды и законченные пейзажи Левитана. Очень полезно скопировать несколько. Когда будет получаться нарисовать пейзаж по референсу, сами поймете как Вам удобнее работать )

Те примеры, к-е вы привели, это реализм в общем-то. Особенно работа Олега Шеховцова для Аллодов. Просто там есть много упрощений, стилизации форм. Но все это из реальности берется. Чтобы такую стилизацию рисовать нужен сильный навык в реализме (моё мнение).

Илья Посашков

Серебряный спонсор

Присоединяюсь к ответу.

Абсолютно всё (я не могу припомнить исключений), от простого куба до фигуры человека в сложном ракурсе, от чёрного квадрата до реалистического живописного пейзажа рисуется/пишется/изображается одними и теми же методами. Везде и всегда всё начинается с композиции, линий и пятен, от общего света и тени к детальной прописке. И в основе всегда лежит хороший рисунок.

Что такое хороший рисунок с точки зрения фона/пейзажа? Есть два варианта. Первый: пейзаж является самостоятельным произведением (самоцелью художника). Второй: пейзаж служит фоном для персонажа или иного главного объекта, который на этом фоне присутствует постоянно или может появляться время от времени (особенно актуально для анимации, кино, видеоигры или графического оформления). В первом случае все элементы, составляющие композицию, необходимо выстраивать в соподчинении в равных пропорциях, соблюдая такую важную штуку, как ритм (композиционный ритм), чтобы глазу было интересно «гулять по картине». Такой пейзаж обычно что-то выражает, поэтому некий композиционный и смысловой центр в нём присутствует, но не выделяется из общего настроения. Во втором случае все элементы пейзажа/фона обычно решаются более обобщённо и подчиняются главному объекту (например, герою), сообщаясь друг с другом через этот главный объект, либо место, в котором этот объект появляется.

В композиции есть две такие штуковины: акцент и нюанс. Они отличаются от композиционного центра. И акцент и нюанс это небольшие элементы изображения (относительно композиционного центра). Акцент, как ясно из названия, обращает на себя внимание зрителя, отвлекая его от композиционного центра. Через акценты художник раскрывает композицию и создаёт смысловые центры в картине. Чем меньше акцентов, тем лучше. Все акценты находятся в соподчинении друг с другом и всегда есть главный. Старайтесь ограничиваться 3 акцентами. Нюансы незаметно встраиваются в общий фон, раскрывая зрителю дополнительные сюжетные/смысловые детали. Они поддерживают композиционный центр и усиливают акценты. Например, подпись художника обычно является нюансом композиции, а отблеск на клинке персонажа или свечение кристалла в посохе волшебника являются, как правило, акцентами.

Наконец самое важное (помимо света разумеется) это глубина. При создании пейзажа перспектива — это ваше всё. Линейная перспектива обычно бывает не столь выражена, а вот воздушная перспектива здорово влияет на выразительность, глубину и достоверность изображаемого. Чем больше характерных черт воздушной перспективы сумеет соблюсти художник, тем качественнее и выразительнее будет его пейзаж или фон. Кстати в обобщённых фонах именно воздушная перспектива и работа от пятна делают всю погоду.

Начните с планов. Их много, но по большому счёту выделяют три: передний, средний, задний (ближний, средний, дальний). Вы можете получить хорошие результаты, играя с большими отношениями только с этими тремя планами. Не идите дальше, пока не уловите отношения больших масс. Как только вами созданы правила взаимоотношений трёх главных планов, вам предстоит, играя по этим правилам, заполнить пространство планов элементами средней величины, так же выдержав их в отношении друг с другом и объектами на соседних планах. Как правило, на этом этапе уже ведётся активная работа тоном. идёт основная прописка изображения. И это как раз тот этап, когда кажется, что окончание работы близко, или возникает желание наляпать фотографий и фототекстур, чтобы ускорить/приблизить этап детализации.

Итак:
• Объекты вдали постепенно растворяются в воздушной дымке. Цвет этой дымки может быть разным (тут нужно наблюдать за живой природой), но в пейзажах он обычно синеватый, голубоватый, бежевый, бледно-молочный или фиолетовый (а при лунном свете, например, имеет сложный зелёно-голубой оттенок)
• Тёмные тона вдали кажутся светлее, а светлые, наоборот темнее (относительно таких же тонов но на ближних планах)
• Все цвета по мере удаления (независимо от общей яркости освещения) теряют насыщенность, растворяясь в той самой дымке, приобретая цвет этой дымки. А если в окружающей среде имеются густой туман, пылевая буря, облака, дождь, дым и тому подобное, то изменения по мере удаления проявляются ещё сильнее.
• Объекты ближнего плана — многоцветные (имеют богатую палитру оттенков), а объекты дальнего плана — более одноцветные, разные оттенки в них слаборазличимы, нет резких переходов и краёв.
• Заведомо тёплые оттенки по мере удаления холодеют
• Близкие объекты — объёмные, с хорошо выраженной светотенью, а дальние — кажутся (и должны быть/изображаться) относительно плоскими со слабовыраженной светотенью
• Объекты ближнего плана (либо главного плана, например внутреннего между передним и средним) — чёткие, детализированные, фактурные (тут можете выписывать детали сколько душе угодно), а вот удалённые объекты — обобщённые, без подробностей
• Контуры объектов вблизи — резкие, и по мере удаления — смягчаются.

Если вы прошли этот там, дальше начинается настоящее рисование и самый смак — этап детализации и обобщения, когда вы можете самозабвенно вырисовывать детальки на главных объектах и кайфовать от глубины изображения, вы будете ощущать погружение, эффект присутствия в картине, благодаря тому что все общие отношения в картине уже выдержаны, дальний план ив сё окружение решены (их больше касаться не надо). Старайтесь не дробить (не даром этот этап называется детализация и. обобщение). На этом этапе, если ранее вы где-то перенасытили изображение излишней детализацией, все помарки должны быть сведены на нет в пользу главных объектов.

Что касается стилизации, правило тут только одно: «Если стилизуешь, стилизуй всё!» («Ломай меня полностью») То есть всё должно быть подчинено правилам, которые вы устанавливаете. Не только форма, но и объём, цвет, фактура, текстура, структура. словом — всё!

Я порыл у себя по сусекам, нашёл этап работы над пейзажем (75 х 55 см). На этом этапе я вплотную приблизился к следующей стадии «Детализации и обобщения». Мне предстояло обобщить цвета и проработать передний план. К сожалению фотографии итоговой работы не сохранилось, есть только этот. Здесь есть и акценты и нюансы (огрехов тоже хватает), тем не менее, я надеюсь вам этот пейзаж будет интересен для изучения, и как иллюстрация моей простыни вполне сгодится.

Не судите строго и извините за большой объём текста.

У Вас интересные картинки, Ferny. Я желаю Вам успеха на выбранном поприще. Уверен, Вы справитесь с задачей изображения фонов. Удачи!

Источник

Рисуем фоны в технике правополушарного рисования

Приглашаю посмотреть мастер-класс по рисованию фонов в технике правополушарного рисования. Эта техника позволяет отключить левое полушарие мозга, которое отвечает за мысли и мышление и переключится полностью на творческий процесс и расслабить свой ум. Подходит для детей с гиперактивностью, дефицитом внимания, особенностями развития, ну и конечно для всех, кто хочет творить через сердце, а не по шаблонам рисования (в том числе и для взрослых).

Для этого мастер-класса вам понадобятся листы формата А4 или А5, гуашь любых цветов, кисти широкие. Рисуем фоны, ждем когда они высохнут и после можно на них наносить уже основной рисунок (дерево или виноград).

Делитесь в комментариях результатами рисования. Очень интересно посмотреть. Всем добра и любви.

Источник

Как рисовать фон

Фон является неотъемлемой частью картины, независимо от того, что на ней изображено.

Даже если вы решите оставить просто белое пятно вокруг изображения, вы все равно таким образом создаете фон для него, так как холст или бумага, будь они белые или тонированные, в конечном итоге будут также восприниматься как часть законченной картины.

Таким образом, очень важно правильно подобрать фон для картины, а не просто “нарисовать что-нибудь”, чтобы поскорее закончить работу.

Давайте в этой статье попробуем разобраться, на что стоит обратить внимание художнику, когда приходит время подумать над фоном картины.

Я подготовил и собрал работы художников-педагогов и их студентов, с той целью, чтобы прокомментировать выбор фона на каждой из них.

Несколько типов фонов:

1.Чистый лист

Фон не добавляется.

Эта картина прекрасно выглядит без добавления фона.

В этом сделанном цветными карандашами рисунке Джейн Лэзенби теплый оттенок тонированной бумаги прекрасно выступает и в качестве основного цвета в портрете собаки, и в качестве нетронутого фона.

2. Виньетирование

Часть фона прорисовывается для того, чтобы сосредоточить внимание зрителя на главном объекте, при этом области по краям рисунка остаются нетронутыми.

Роб Дадли намерено оставил в своем натюрморте такие большие непрокрашенные участки по краям. Такой подход позволил ему привлечь внимание зрителя к главным элементам картины, в особенности к прекрасным отражениям на металлическом чайнике.

3. Простой и незамысловатый фон

Серия плавных цветовых переходов.

Выбрав такой вариант фона для своей работы с подсолнухами, Мэриан Даттон смогла не только подчеркнуть и ясно выделить головки цветов, благодаря плавным цветовым переходам фона, но также при его помощи установила источник света справа.

Добавленная тень от вазы позволила ей не зависнуть в воздухе, а твердо встать на стол, даже несмотря на то, что никакого прорисованного стола на картине нет.

4. Более детальный фон

Интерьер дальней стороны комнаты, например, или фон из листьев и деревьев в зарисовках с природы.

В этой работе Мэриан решила подчеркнуть птицу и привлечь к ней больше внимания, сделав фон за ней бледным и простым.

Очень просто и схематично нарисованные поверх фона листья в остальной части картины мягко указывают на главный предмет изображения, подчеркивают его красоту.

5. Фон как главный объект

Расположение фона на ближнем/среднем плане позволяет ему исполнять поддерживающую, связующую роль.

В этом пейзаже Роба Дадли с драматичным вечерним небом нет ярко выраженного центра картины, так что все внимание привлекает к себе множество оттенков, которыми художник передал жар летнего вечера.

Центром этой картины мог бы стать город, но он здесь прорисован лишь силуэтом на заднем плане картины, он сам стал фоном для того, чтобы подчеркнуть красоту вечернего неба.

Если вы закроете нижнюю часть картины рукой, то останется видно только небо и его переливающиеся оттенки. Чтобы получить гармоничное сочетание, отлично работающее вместе, вам нужны и сюжет картины, и фон.

Мы рассмотрели лишь пять примеров различных вариантов фона. На самом деле их может быть много больше, в соответствии с огромным количеством существующих картин. Все зависит от желаемой степени детализации, прорисовки, силы воздействия фона на зрителя.

3 фактора для хорошего фона:

1) Фон дополняет картину, но не конкурирует с главным изображением.

Посмотрите как Джейн Лэзенби в этой зарисовке пейзажа Невады ослабила горы вдали, чтобы передать ощущение глубины пейзажа. По сути, для дальних гор использованы те же цвета, что и для гор переднего плана, но они в достаточной мере приглушены белым цветом.

Таким образом, горы дальнего плана никак не конкурируют за внимание с главным центром картины, но в то же время они создают хороший массивный фон, который выгодно оттеняет и подчеркивает скалы на переднем плане.

2) Фон объединяет картину

В этой работе Мэриан Даттон при написании фона сделала несколько мазков теми же оттенками красок, которые она использовала при написании птицы и цветов на переднем плане.

Этот прием сделал фон более интересным, как бы намекая зрителю, что вдали то же есть цветы и птицы, но сам фон достаточно размыт, чтобы не отвлекать на себя внимание зрителя от главных объектов картины.

3) Фон улучшает картину

В этом прекрасном простом снежном пейзаже Джеффа Кирси я удалил при помощи программы на компьютере группу деревьев дальнего плана.

Несмотря на то, что они были нарисованы в технике по-сырому быстро и без детализации, посмотрите, как сильно меняется впечатление от картины без них.

Совет начинающим художникам: Потратьте какое-то время заранее на то, чтобы продумать фон для своей работы.

Типичные ошибки при рисовании фона

Довольно часто, даже для опытных художников, выбранный фон получается не таким, каким задумывался, или не дает нужного эффекта.

1. Слишком сильный тон

Рассмотрим сначала правую картинку без фона. Диана нарисовала ее акварелью (да-да, это акварель, а не фотография!) без намека на фон потому, что была уверена – сюжет картины говорит сам за себя и достаточно силен для того, чтобы обойтись без фона.

Воспользовавшись программой редактирования фотографий я добавил к ее работе синий фон. Посмотрите как сильно проигрывает работа с наличием фона оригинальной версии Дианы.

Итак, если картина самодостаточна сама по себе, без наличия фона, пусть будет так!

2. Фон слишком детальный и отвлекает на себя внимание.

Если бы Барбара при работе над своей картиной стала бы просто копировать оригинальный снимок со всем его несметным количеством мелких деталей, то это убило бы ее живопись.

Вместо этого фон вдали она нарисовала в виде солнечного летнего неба. Кроме того, на переднем плане картины вся область травы была обобщена с использованием техники виньетирования, чтобы позволить зрителю сфокусироваться на тележке с цветами.

Запомните, что фон – это не то, что прячется где-то там вдали за главными объектами картины. Фон выполняет поддерживающую, связующую роль в картине, и может проявляться также и на переднем плане, как в этом примере.

3. При прорисовке фона допущена ошибка, которая сразу же притягивает к себе взгляд.

Посмотрев внимательно на эти две картинки, подготовленные Сиан Дадли, мы без труда заметим, что ошибки, допущенные в левом варианте работы, неизменно притягивают к себе взгляд зрителя.

На правой же картинке эти ошибки уже исправлены, так что мы можем полностью сосредоточиться на прекрасных нарциссах.

4. Цвета для фона подобраны неверно, в таком случае фон и основной сюжет картины кажутся частями разных работ.

На этой своей работе Джилл Фаркухарсон изобразила прекрасный закат на фоне городского венецианского пейзажа.

Обратите внимание на то, как хорошо подобраны цвета для теплого неба, зданий и воды, все они гармонируют друг с другом.

На правом варианте картины я заменил теплый оттенок неба на более холодный. На первый взгляд, мы не видим ничего ужасного. Однако смешение на одной картине теплых и холодных оттенков в данном случае полностью нарушило баланс в картине Джилл. В том числе, это произошло и из-за того, что отражение неба в воде теперь тоже будет намного холоднее. Сам по себе новый вариант неба вовсе не плох, но в этой картине он не сработает ей на пользу.

5. Фон занимает собой большую часть работы, при этом сам по себе он неинтересен.

Независимо от изображаемого сюжета, в любой картине желательно создавать спокойные, “тихие” области, чтобы уравновесить и привести в гармонию области интереса и центр картины.

Однако иногда вы можете увлечься и сделать фон чересчур спокойным, тогда необходимо немного изменить его при помощи наложения текстур или добавления нескольких деталей. Вам нужно успеть вовремя остановиться, главная задача – сделать фон не скучным, но при этом он не должен конкурировать с главными элементами картины.

Прекрасный пример к написанному выше – работа Мари с уличной танцовщицей. При помощи цветных карандашей Мари сумела ухватить суть движений девушки, динамику танца.

Мари оставила фон практически белым, однако подчеркнула динамичность танца несколькими штрихами, следующими за движениями рук танцовщицы, а также добавила намек на стену за спиной девушки.

Вроде бы не очень заметные, но в тоже время важные дополнения. Эти действия с фоном позволили Мари значительно улучшить ее работу.

Как же выбрать фон для своей картины?

Надеюсь, что к этому моменту вы уже поняли, что выбор фона – очень важная часть работы над картиной. Фон должен соответствовать выбранной вами теме работы, будь то пейзаж, натюрморт, портрет и так далее.

Давайте рассмотрим пример с натюрмортом. С какой стороны находится источник освещения? Работа будет выполняться в высоком или низком ключе, будет ли она выполнена в светлых или темных тонах?

Обратите внимание, что понятия высокого и низкого ключа отнюдь не подразумевают под собой чересчур светлые или темные работы.

Это просто обозначает, что оттенки, используемые в работах, выполненных в низком ключе, будут более сближены, чем оттенки в работах, выполненных в высоком ключе, где мы можем наблюдать больший диапазон использованных оттенков – от самых светлых до самых темных.

Посмотрите на натюрморты, выполненные Кэрол Мэсси.

Обратите внимание на то, как на выполненном в высоком ключе натюрморте слева используется свет, чтобы подчеркнуть кувшин, добавить яркие блики на бокал, помочь инжиру и винограду светиться.

Свет также отражается от каменной стены и столешницы. А это значит, что есть и более темный тон на передней стороне стола, которая остается в тени.

Чтобы сделать более интересным участок стены за основной композицией, туда были добавлены несколько трещин.

Теперь посмотрим на натюрморт справа. Он выполнен в низком ключе. Мы также можем видеть свет на картине, который в данном случае куда более рассеянный и не такой яркий.

Посмотрите, верхняя и передняя поверхности стола сближены по тону, в отличие от рассмотренного нами ранее натюрморта. Такой приглушенный свет дает возможность белым лепесткам цветов засиять на основном фоне.

Выбор цветового и тонового решения работы следует продумать заранее, это так же важно, как и выбор места расположения и количества ключевых элементов вашей работы.

Так, при работе над сложной пейзажной сценой, вам нужно продумать как упростить детали для фона и приглушить местами цвета, чтобы получить спокойные участки вашей работы, не отвлекающие внимание зрителя от главного изображения.

Джеймс Уиллис изобразил на своей работе весьма оживленную уличную сценку с множеством людских фигур, занятых разговорами или просто гуляющих по городу.

Джеймс уравновесил такую оживленную сценку при помощи простого синего неба, а также упростил дома вдали улицы, нарисовав их блоками, без детализации, но лишь с намеками на окна, двери и балконы.

Если вы рисуете с фотографии, не нужно в точности копировать все, что вы там видите, особенно это касается фона.

Что касается портретов, то очень часто фон не соответствует изображаемому объекту и иногда способен даже ухудшить общее впечатление от картины, нежели сделать ее лучше.

Посмотрите на портрет девочки, выполненный Питером Киганом в технике “по-сырому”.

На фотографии видно, что за спиной девочки находится часть гладильной доски и холодильник. Все очень современное, но согласитесь – это не подходящий фон для того, чтобы включить его в портрет вашего ребенка!

Питер принял решение не добавлять фон к своей работе, и в результате мы получили портрет, где ничто не отвлекает нас от лица ребенка.

Вот еще один портрет Питера. Как мы можем видеть, на исходной фотографии фон настолько пестрый и детальный, что отвлекает наше внимание от лица мужчины.

Питер решил эту проблему так – выбрал для фона всего лишь один желтый цвет, а также применил технику виньетирования, позволяющую еще больше сосредоточить внимание зрителей на лице.

Желтый цвет, как дополнительный для фиолетового, прекрасно сочетается с фиолетовым и синим цветами на бабочке и костюме мужчины.

Однако, иногда у вас будет возникать желание, чтобы фон вокруг предметов соответствовал реальности.

На этой картине изображены мои собаки Блейз и Визз. Я нарисовал ее в подарок для своего друга много лет назад.

Мы хотели поймать сущность маленького чертенка в Виззе, который щенком был большим шалуном, а также запечатлеть его брата Блейза в естественной для них обстановке у нас дома.

Наблюдая за ними, мы подметили, что кожаная танкетка – любимое место Визза, куда он бежит сразу же, как чувствует, что ему грозят неприятности.

А небольшая резиновая игрушка, выглядывающая из-под танкетки – это была любимая вещь их обоих, так что ее обязательно нужно было включить в композицию.

Мы нашли угол в гостиной с правильным расположением двери и отсутствием какого-либо беспорядка. Узор на ковре отсутствовал, и в результате мы нашли фон, который был совершенно подлинен с точки зрения реальности, но дополнен и ненавязчив с художественной точки зрения.

Иногда бывают случаи, когда сложно понять, где заканчивается основной сюжет картины и начинается фон. Однако это не должно стать для вас проблемой, если вы заранее обдумаете этот вопрос.

Джоанн Бун-Томас – автор чудесных спонтанных акварелей, и ее яркими цветочными работами справедливо восхищаются.

Посмотрите на фотографию мальвы. Цветы сфотографированы на фоне бледного облачного неба. Картинка статична и скучна.

А теперь сравните ее с акварелью справа, где фотография использовалась лишь для того, чтобы определиться с формой цветов, к которым художница добавила буйство красок и движение, и картина стала смотреться совсем иначе.

Несмотря на то, что фон кажется сложным, а отдельные его участки даже темнее по тону, чем изображенные цветы, все это было сделано специально, чтобы усилить, подчеркнуть бледно-розовые лепестки цветов так, чтобы внимание зрителя сфокусировалось на них.

При написании фона Джоанн была сконцентрирована на том, чтобы цвета фона причудливо сочетались с самими цветами. Большую часть работы с фоном она выполнила в технике по-сырому, позволяя пятнам краски растекаться причудливо, сливаться друг с другом и самим создавать фон для картины.

Примеры фонов

Я бы хотел завершить эту статью подборкой других работ, которые вы могли бы рассмотреть более близко, а возможно и вдохновиться для написания ваших собственных картин.

Посмотрите на этот морской пейзаж Дейва Джеффри. Облака на дальнем плане прорисованы при помощи полусухой кисти, что придает картине особое настроение.

Более плотные и большие облака были написаны мазками в разных направлениях, чтобы подчеркнуть ветреную погоду, а нижняя часть облаков прорисована мазками слева направо, увлекая взгляд зрителей к яхтам.

Все это вместе позволяет передать атмосферу ветреного дня у воды.

В этом прекрасном пейзаже с совой художник Пол Эппс так же использовал подобный прием, однако тут мы видим, что травы на переднем плане также образуют часть фона, чтобы еще эффектнее выделить главного героя картины – сову.

Такого эффекта удалось добиться используя бледные кремовые и оранжевые цвета для травы, мягко сливающейся с небом. Фон не перегружен деталями, но смотрится очень хорошо и спокойно из-за правильно подобранного цветового решения.

Ребекка Де Мендонка для своей прекрасной пастельной работы с балериной решила вообще практически не добавлять фон.

Работа выполнена на темной бумаге, которая прекрасно контрастирует со светлыми оттенками, использованными для рисования балерины.

Так что художница лишь подчеркнула ее, добавив картине жизни и движения при помощи нескольких ярких штрихов желтого и оранжевого в качестве фона.

Глинис Барнес-Меллиш известная акварелистка, отдающая предпочтение портретам.

Посмотрите на ее работу с купающейся девушкой. Здесь хорошо видно, как в некоторых случаях прекрасно работает сдержанный фон.

Основной фокус сделан на теплые, нежные тона кожи девушки и ее затылок. Поэтому приглушенные и более прохладные оттенки бледно-голубого, серого, использованные для стен, ванны, мыла, полотенец не отвлекают наше внимание от ее фигуры, но призваны лишь еще больше подчеркнуть ее.

А теперь давайте посмотрим другую работу. Кэрол Масси пишет акрилом натюрморт с бутылкой вина и бокалом.

В этом случае она использовала акриловую бумагу с подходящей текстурой холста и нарисовала фон при помощи валика и красок.

Я сделал два скрина из ее видео мастер-класса, которые более наглядно отражают то, что я хотел сказать.

Никогда не бойтесь экспериментировать с различными текстурами, особенно в части, касающейся прорисовки фона!

А вот великолепный тигр Джонатана Ньюи, нарисованный на простом зеленом фоне.

Это идеальный вариант, когда главный объект картины несет в себе слишком много различных деталей, как в данном случае пестрый меховой окрас тигра.

Обратите внимание на то, что хотя дальний план и прорисован всего несколькими большими уверенными мазками, они создают ощущение листвы за силуэтом зверя.

Черный лабрадор с картины Джейн Лэзенби, тревожно озирающийся по сторонам, изображен на размытом светлом фоне. Однако мы понимаем, что собака находится в поле благодаря нескольким более детальным мазкам на переднем плане, изображающим травы.

В картине Роба Дадли с изображением устья реки художник использовал одинаковые цвета для неба и его отражения в воде. Внимательно присмотревшись, вы увидите повторяющиеся синие и бледно-желтые цвета.

Возможно, для вас это очевидно, однако новички в акварельной живописи часто забывают об этом.

Такие вещи объединяют вашу работу. Запомните, что небо и море должны быть нарисованы вами в первую очередь, до того, как вы решите добавить на рисунок что-то еще.

Фон важен для любой работы, также и для работ, нарисованных при помощи угля.

Взгляните на картину Джоанн Бун-Томас, на которой изображен сельский дом. Я удалил с нее все нарисованные Джоанн облака, и вот что у меня получилось.

А теперь посмотрите на оригинальный рисунок Джоанн, где все облака находятся именно там, где она их нарисовала.

Обратите внимание на то, насколько иначе воспринимается версия Джоанн, хотя она всего лишь добавила несколько размазанных силуэтов облаков тут и там.

Давайте посмотрим на еще одну учебную работу Джоанн с изображением путешественников.

Бывали ли случаи, когда вы считали свои акварели испорченными после того, как на них образовывались так называемые “хлопья” в местах смешения красок?

Если да, то у меня есть отличные новости для вас!

В процессе работы над своим этюдом с путешественниками, Джоанн была сосредоточена на том, чтобы фигуры и фон были нарисованы с использованием одних и тех же цветов. Этот прием позволяет сразу же объединить всю картину.

Джоанн прекрасно удалось передать ощущение яркого света, используя очень насыщенные оттенки фона в тех местах, где он вплотную подходит к фигурам, а также оставляя белые ореолы вокруг части самих фигур путешественников.

Оставив незакрашенной правую часть картины, Джоанн смогла усилить ощущение яркого солнечного света. Посмотрите на сам фон за фигурами путешественников – там отчетливо видны “хлопья”.

Однако в данном случае они не разрушают всю работу, а наоборот делают более интересной за счет применения такой необычной текстуры для фона.

Подведем итоги

Итак, повторим… Планируйте и создавайте фоны для своих работ таким образом, чтобы они:

Мы могли бы рассмотреть еще много разных картин, но моя задумка была в том, чтобы научить вас рассматривать фон как неотъемлемую часть ваших работ, даже если вы добавляете или исправляете его позже, в процессе рисования.

Хотелось бы также надеяться, что вы разобрались с тем, почему конкретный фон в некоторых случаях работает, а в других нет.

И я вполне уверен, что преуспел в своей затее, потому что раз вы дочитали эту статью до конца, то уже не сможете не обращать внимания на фон в своих или чужих работах.

Теперь вы будете в состоянии помочь себе в своих творческих поисках.

Я уверен в этом!

Источник:

Перевод: Творческая Мастерская Марины Трушниковой

Надеюсь, что этот материал окажется вам полезным! Буду благодарна за репост.

Источник