Как сделать копию картины маслом
Пишем маслом: создаем копию картины Э.П. Панова «Ромашки»
Копия сделана мною (Афанасьева Татьяна) с репродукции «Ромашки». Ее автор Панов Эдуард Парфирьевич. Пройти этап за этапом, скопировать мазок за мазком, повторить движение, проанализировать колористический строй, понять технические приемы — означает подняться до уровня мастера. Такое изучение полезно вдвойне, если отточить свои навыки на произведениях мастеров.
Первая стадия копирования — выбор материалов. В данном случае это масло (выбор кистей и цветовой палитры должен сделать копирующий сам по своим предпочтениям). Я использовала: кисти — синтетику круглую 5, 2, 1, 0, 00, 000; разбавитель — пинен, масло льняное; палитру деревянную). Вторая стадия — это рисунок на холсте. Я делаю копию с репродукции. Она меньшего размера того на котором я копирую, поэтому рисунок я переношу на холст «по клеточкам». На (дополнительной) репродукции я сначала нахожу геометрический центр (провожу диагонали из угла в угол), далее размечаю на 4 и более симметричных частей (квадратов). То же самое делаю на холсте, потом в каждой клеточке намечаю рисунок «по клеточкам».
Третья стадия — проработка коричневым тоном (подмалевок). На этой стадии, то что не точно намечено карандашом можно доделать кистью.
Этот коричневый тон очень важен, так как может просвечивать под слоями. На этом этапе я кистью моделирую форму и придаю теплоту теням. Я использовала умбру жженую и грунт вместо белил. Что бы избежать черноты, для протушовки можно добавлять немножко белил.
Четвертая стадия — начинаем делать живопись цветом.
Цвет нужно раскладывать так, как будто пишем с натуры, стараясь взять сразу цветовые и тоновые отношения.
Наша задача состоит в том, что бы как можно точнее передать цвет и тон.
Поэтому мы не должны отвлекаться на делали. При копирование не важно ваше собственное мнение, даже что нарисовано. Я могу даже перевернуть, что бы нарисовать не свое небо, а такое каким его видит автор картины Панов.
Работу начинаем делать «от куска».
Очень важно обращать внимание не только на цвет, но и на тон, сравнивая одно с другим, например, небо с рекой.
Пятая стадия проработка деталей. В картине «Ромашки» много деталей.
Обратить внимание нужно на текстуру мазков. Ромашки написаны густо и почти чистыми белилами, а дальний план написан в один слой более жидко.
Работу пишу слево направо, так можно положить руку на сухой холст.
Уточняем цвет, разбираем касания по силуэту пятна. Сравниваем небо относительно букета.
Последняя шестая самая важная стадия. Обобщение, тональное соподчинение деталей. Что бы приступить к этому этапу работа должна достаточно просохнуть. Уточняем тон и касания. Где то обобщаем с помощью лессировок, а где то выявляем главное.
Авторская копия: точное повторение невозможно! Пишем натюрморт и две его копии в разных техниках
В этом мастер-классе не пойдет речь о техниках масляной живописи, о манере живописного творчества.
Я хотела бы рассказать о другом: как можно процесс создания авторской копии сделать нестандартно.
Причем не пытаться скопировать или срисовать, «чтобы было похоже», а в процессе копирования максимально раскрыть все свои возможности и творческие мысли!
Копируя одну и ту же работу, и каждый раз — смотря совершенно другим взглядом на объект изображения.
Речь пойдет об одной картине и 2-х ее копиях, написанных в совершенно разных техниках.
Для этого нам понадобятся:
— 3 холста (только лен!), натянутых на раму и загрунтованные, размером 40 х 50 см;
— лист ватмана размером А2;
— карандаши 3В-5В и ластик;
— масляные краски фирмы «Мастер-класс»;
— кисточки синтетические, кисточки беличьи, кисточки колонковые: размером от№1 до №16;
— растворители, лак даммарный, масло льняное;
— большое количество чистых кусочков хлопковой ткани;
Осенью, в период осеннего урожая мне очень захотелось написать натюрморт с тыквами. Тыквы продавались везде — одна краше другой! И я купила 3 различных по форме и цвету тыквы. И докупила других овощей-фруктов, чтобы составить яркий, роскошный,осенний натюрморт.
В голове у меня было сразу 2 плана.
Если начать голландский натюрморт, то по времени работы уйдет 2-2.5 месяца.
За этот срок я не удержу мои овощи — максимум неделю я смогу писать с натуры, дальше кабачки, перец, трава станут вялыми. К тому же осенью световой день стал очень заметно уменьшаться и срок работы резко сокращается.
Да еще у меня 2 кота-эксперта: поэтому после каждого сеанса я убирала овощи — иначе утром у меня была бы такая композиция! По всей кухне!
Я решила, что первой работой должна быть картина, выполненная в реалистичной манере.
Но так как для голландской живописи нужен крепкий академический рисунок, то я решила, что заодно перенесу его и на холст первой картины.
Если кто-то считает предварительное построение композиции карандашом на бумаге излишним и нудным, то я даже не буду настаивать.
Скажу только: какое это наслаждение — из 2-х мерного чистого листа превращать его в 3-х мерное пространство с помощью конструктивного построения каждого предмета!
Я с наслаждением крутила эллипсы корзинки! Я брала в руки кабачок, яблоко, сливы — чтобы понять их пространственную форму и отобразить их в пространственной композиции!
Скажу сразу: вот эта стадия уже — часть живописного построения! В дальнейшем, накладывая слои краски, мы делаем это уже осознанно, а не пытаемся создать иллюзию похожести.
Наконец, в общих чертах, компоновка закончена, все вспомогательные линии я вытерла ластиком.
Дальше копирую на кальку и переношу линейный рисунок сразу на 2 холста. Обвожу тушью. Правда, для реалистичного варианта можно было просто обвести краской.
Первую картину №1, в реалистичной манере — я писала 3-4 сеанса.Летом ее можно было написать и за два сеанса.
Кстати, вовремя работы я поняла, что выложив овощи в теплых оранжево-красных тонах слева, я почувствовала, что у меня два красных перца и оранжевая тыква «слиплись» в цветовом пятне и я не могу показать пространственность!
Благо в технике «а ля прима» я легко стерла тряпочкой краску и красный перец я превратила в зеленый!
Я так вижу, я не копирую реальность, я ее преображаю.
Ну вот, это готовая работа №1.
С чувством «глубокого удовлетворения» я поставила работу на просушку. И, немного отвлеклась от процесса занятия живописью.
Тем временем, осень заканчивалась, наступила зима. Световой день уменьшался, как шагреневая кожа, снега не было и была такая темень!
В общем, я решила, что для голландской техники буду использовать дневной свет настолько, насколько это возможно.
Напоминаю, что картина №2 — это уже копия! И писала я ее уже не с натуры, а копировала картину № 1. Но по канонам многослойной техники голландской живописи.
Была сделана имприматура. Этот слой просыхал примерно неделю.
Затем слой за слоем умбристый теневой подмалевок. Я смотрела на оригинал не с точки зрения цветовых отношений, а как распределяется свет и тень, полутень, рефлексы.
И фон — стену я заменила на бесконечное неосвещенное пространство. Поэтому тени и полутени я решила сделать глубже.
То есть еще раз. При копировании 1-й работы я поставила задачу: цветные отношения рассматривать как светотеневые отношения!
Прошло нужное количество времени, умбристые светотеневые слои подсохли и я перешла к «лунному слою».
Когда я их проработала, у меня должно было появиться чувство терпения. Ведь в «лунном слое» уже присутствуют белила и эти слои будут сохнуть естественным путем гораздо дольше!
Мне не хотелось писать другие сюжеты, чтобы не разорвать эмоциональную связь с моим натюрмортом.
И мне пришла в голову мысль: а почему бы мне не сделать 3-ю копию? В технике импрессионистов? Пока сохнет «лунный слой»?
И я решила сделать копию с картины №2 (на стадии «лунного слоя»).
Итак, новая задача: светотеневые отношения я передаю с помощью цветовых соотношений.
Но! Цвет в данном случае будет работать как свет и тень!
То есть это не реализм! За счет соотношения теплой и холодной гаммы цветов я копирую однотонный вариант!
Итак, я взяла буквально 5 цветов (хотя достаточно было и трех — желтый, красный, синий) — кадмий желтый и оранжевый, краплак, индиго и кобальт. Никаких сажи и белил!
Здесь освещенные места я писала кадмием желтым, самые глубокие тени — индиго. Истинный цвет предметов для этой техники не имеет никакого значения.
И вот что получилось.
Эту работу я написала за 6 часов. Почему так быстро? Да потому что все светотеневые отношения я уже проработала на «лунном слое». Вот он.
Ну что же, вот наступила середина февраля, когда я наконец, закончила «голландский натюрморт». После «лунного слоя» я нанесла еще 3 цветных слоя с длительной просушкой. И вот конечный результат.
Решила добавить жучков-бабочек, так как у меня явно не хватало мелко проработанных предметов типа винограда.
Ну вот все они вместе.
Итак, весь этот процесс авторкого копирования происходил в течении 3,5 месяцев.
Картина в реалистичной манере написана примерно за 10 дней (без просушки).
Картина в голландской технике написана примерно за 2,5 месяца (без просушки).
Картина в технике импрессионистов написана за 6 часов (без просушки).
В заключение подводим итоги:
1. Если вы сделаете предварительный конструктивный рисунок и перенесете его на кальку — то базовую композицию вашей любимой работы вы можете копировать очень точно и бесчисленное множество раз.
2. Чтобы копия вашей удачной работы была такой же неповторимой,эксклюзивной и в одном экземпляре — вы можете делать ее в различных стилях и техниках. Это будет именно ваша авторская копия!
3. Ставя перед собой новые цели при копировании себя любимого — вы можете открыть в себе огромные потенциальные возможности!
Например, акварельную работу скопировать в масле, красочную многоцветную работу повторить в узкой гамме «земляных» оттенков, картину, написанную мастихином повторить в лессировочной технике!
Вы получите огромное наслаждение! Творческих вам успехов!
Чем отличается копия картины маслом от репродукции?
В этой статье предлагаю разобраться с терминами — что есть репродукция, а что копия картины маслом. Начнём с того, что украшать свой дом — желание, присущее человечеству на протяжении всей его истории, начиная с наскальной живописи. Картины в доме всегда были признаком хорошего вкуса, интеллигентности, духовности и причастности хозяев к миру искусства.
Нас восхищают и привлекают внимание множество шедевров живописи, но любоваться ими ежедневно у нас нет возможности: произведения искусства либо представлены в галереях и музеях и не продаются ни за какие деньги, либо находятся в частных коллекциях.
Однако выход есть, и не один!
Современный мир движется вперед и технологии проникли во все сферы жизни не обошли они и высокое искусство. Самый быстрый способ получить шедевр это заказать его репродукцию.
Рассмотрим плюсы и минусы. Методом репродукции живописи принято называть способ печатного воспроизведение картины. Для печати существует большое разнообразие материалов: бумага синтетическая имитация холста, натуральной хлопковой или льняной холст. Кроме того этот способ очень быстрый и воспроизводит картину со стопроцентной точностью деталей.
Примеры нанесения пигмента при печати.
К тому же этот вариант довольно бюджетный.
Из этого следует мысль — почему же до сих пор существуют профессиональные художники копиисты. Почему до сих пор на их ремесло существует спрос?
Чтобы ответить на эти вопросы рассмотрим второй способ заполучить шедевр — это ручная работа мастера: написание живописи с нуля маслом. Основное преимущество перед печатью — живой мазок краски, ведь чтобы добиться той глубины светотени, добиться объёма, который создал автор шедевра, необходимо нанести десятки слоев полупрозрачной масляной краски, просушивая каждый предыдущий. При печати же машина прокатывает один слой пигментов и как бы точно не была воспроизведена картина она будет плоская и не живая, свет не будет играть на ней. Она не несёт энергии рук мастера. Ведь живопись от слова живой, значит подлинный, настоящий.
Кроме того диапазон картин, которые можно напечатать лимитирован. Так как годных для печати файлов фотографий картин ограниченное количеств. А качественные музейные файлы не так просто раздобыть и, как правило, они также довольно дорого стоят.
При этом профессиональный живописец способен воспроизвести любую картину.
Мастер владеет техникой и, кроме того, проводит дополнительную работу, изучая другие произведения автора и его приемы. Безусловно, заказывая картину у художника-копииста, следует приготовиться ждать, так как это кропотливый труд, требующий времени не только на саму работу, но и на весь технологический процесс. Как правило написание картины на заказ занимает от трёх недель до полутора месяцев. Ну и такая ручная работа стоит дороже быстрой работы станка по печати репродукций.
Таким образом у нас есть главное — это выбор!
Экспериментальная мастерская: копия старинной картины не по законам живописи
На этот раз хочу показать еще один мастер-класс. Давайте я обзову его по-другому. Чтобы давать мастер-классы, во-первых, нужно быть мастером, во-вторых учителем, который преподает в классе. Ни того, ни другого у меня нет. Назову я его «экспериментальная мастерская».
Покажу, как я поизмывался над старинным натюрмортом гениального художника Jan Davidsz de Heem (1605-1684). В этой копии я нарушил многие законы живописи. Стараясь в финале придти к результату оригинала. Но судить вам.
Весь процесс написания этой работы был сокращен и упрощен по-максимуму. Поэтому, думаю, многие смогут это повторить — и многослойники, и аля-примщики. Это смесь непонятно каких техник.
Дедушкиным способом, по клеточкам перерисовал рисунок на холст. И обвел его акриловой коричневой краской, чтобы рисунок не стирался от кисти с масляной краской.
Как пишут во многих уроках, заполняем краской плоскость холста. Какой краской? Да не важно — всякой. Можно зелененькой, можно синенькой, можно черненькой, в общем, какая у вас есть. Ну а лучше все же смотреть на оригинал и подбирать те цвета, которые соответствуют, это все-таки копия.
«А где имприматура (тонировка холста)?» — спросите вы. Какая имприматура, о чем это вы? Не знаю я никакой имприматуры.
Вот первый нарушенный закон многослойной живописи под старину.
Нарушаем дальше. Без всякой имприматуры я начал закрашивать предметы натюрморта в локальные цвета, а именно, тыквочка желтая, скатерть зеленая, фон тоже зеленый с добавлением синей. Надеялся, что эти цветные пятна сыграют роль и имприматуры и подмалевка.
Использованные краски на данном этапе: две прозрачные — травяная зеленая и голубая фц; две непрозрачные — кадмий красный светлый и желтый средний. Этих красок мне было достаточно для написания всей работы, позже добавился краплак розовый прочный.
Разберем эту мазню по полочкам. Фон — зеленая с голубой фц. Замазан весь рисунок, без обводки предметов, очень тонко, аж белый холст просвечивает. Что это дает в данной ситуации. А то, что контур рисунка гаснет, он нам не нужен в финале. И второе, я испытывал, как потом ляжет краска на этот не просушенный фон. Например, стеклянные бокалы, листья. Вот вам и АЛЯ-ПРИМА, по сырому.
Еще одно нарушение закона многослойной живописи.
Что-то я разболтался.
Лучше один раз увидеть, чем сто строк читать. Внимательно смотрите. Дальше будет больше. Как сказал В. Кличко: «Не все могут в завтрашний день смотреть, верней смотреть могут все, но видят не все» — классика.
Вся эта мазня является то ли цветной имприматурой, то ли подмалевком, что за техника письма? Посмотрим, как дальше будет себя вести этот слой в старинном натюрморте. А пока его нужно просушить. На всю покраску этого «забора», вместе с рисунком ушло час, полтора с перекурчиками.
Слой высох. Глядя на оригинал, мне не понравилась тональность большей площади полотна. Я увел его из сине-зеленого в серый тон. Серый составил из голубой фц, зеленой травяной, пришлось взять еще одну коричневую краску — умбра жженая. Все это намесил в грязь и эту грязь чуток добавил в белила титановые и они испачкались, стали серыми. Белила титановые краска не прозрачная, но и не такая химическая, как цинковые. Поэтому я не боюсь смешивать титан с остальными красками. Есть у меня работы, которые давно написаны в таких смесях, со временем пороки не выявлены.
Этой же серой я прописал два фужера, которые по центру, уплотнил этим цветом толстый бокал и мазанул блюда, которые под мясом, виноградом, креветками и вазочку под фруктами.
Скатерть на столе прошелся травяной зеленой с добавлением кадмия желтого на выступающих складках. Мазня закончена без всякого намека, на мертвый (лунный) слой. Опять нарушение закона многослойной живописи.
Все так просто. кажись. Посмотрим, что будет дальше. А пока спать дня три — четыре, пусть сохнет этот слой. Почему так мало? А потому что тонко и на разбавителе с лачком.
Проснулся я через четыре дня, гляжу, а холст уж высох у меня.
Не меняя и не добавляя никаких красок, чтобы не пестрить, прописал виноградик, мяско, тыквочку, рачка красненького, фруктики пока все без ярких бликов. И заснул опять дня на три-четыре. Так же сохнет быстро, потому что тонко, в растирочку.
После недолгой (по меркам многослойной живописи) просушки, все теми же красками взялся за прописочку мелких деталей, уточнения всего и вся. Перед сеансом обезжирил и смазал уже льняным маслом, чтобы дольше полотно оставалось влажным, но писал на тройнике, чтобы потом быстрее высохло (хитрый, зараза). Ну, где тут законы многослойной живописи!? Добавил недостающих листьев, перед корзиной. Короче, повозился я с этой пропиской всего один сеанс, но часиков восемь ушло на это.
Вот, что получилось, после уже не мазни, но живописи. Это для меня самый ответственный сеанс письма. Тут нужно в точку попадать, не нарушая целостности общего и главное, как в музыке, не прыгать по тональности. У меня есть знакомые, которые одну песню в шести тональностях поют. Это надо так еще суметь…
Отвлекся. Смотрите, что получилось.
Вроде закончил, ну а раз так, забросил я эту картинку, чтобы глаза не мозолила и забыл на недельку. Потом взглянул свежим взглядом, сравнил с оригиналом и…
Намешал немножко краски той же палитры, которая была раньше и снова — здорова. Ну не понравился мне цвет синей тряпки, которая торчит из корзинки. Смазал маслицем это место и лессирнул эту тряпку голубой фц. Во, уже лучше. Кое-где блики подсветил, кое*где яркость притушил. Блики усиливал пастозно, тушил яркость лессировкой. Добавил по мелочи, что смог увидеть в оригинале репродукции и поставил подпись.
Один критик сказал Пикассо — Такую мазню, может нарисовать любой ребенок.
Пикассо ответил — Нарисовать может любой, но подпись могу поставить только я.
Вот что получилось с подписью.
Только подпись не главное в этой картине. Главное — гвоздь.
Вот, уважаемые друзья, я сейчас увлекаюсь старинной многослойной живописью, экперементирую и так и сяк и наперекосяк. В построении этой картины имприматуры нет, слоев мало, вроде аля-прима, но тонко, не пастозно, без мазков с лессировками, вроде академический. И попробуй разбери, что это за стиль? Но зато не потрескается и не отвалится — нечему. Может, это акварель…
Делитесь своими наработками и комментариями в этом нелегком поиске истины живописи. Спасибо.