Как сделать копию портрета
О пользе копирования для художников
Рассказываем, как известные художники копировали работы великих предшественников и чему у них таким образом учились.
Копия «Джоконды», выполненная неизвестным мастером в XVII веке и проданная на аукционе в 2019 году более чем за 552 тысячи евро
В XV веке, когда масляная живопись получила широкое распространение, ее копирование стало важнейшим методом в обучении художников. Например, к нему прибегали в боттегах — мастерских, существовавших в эпоху Возрождения. Зачастую руководили ими крупные мастера. Они набирали подмастерьев, чтобы те не только учились, но и работали, что позволяло владельцу боттеги выполнять большие заказы. В рамках учебного процесса желающие овладеть профессией художника среди прочего копировали произведения хозяина мастерской.
Со временем на смену боттегам пришли академии. В них на первых этапах ученики также занимались копированием: в основном речь шла о работах представителей фламандского и итальянского Ренессанса. Примерно в середине XIX столетия ситуация начала меняться. В числе последних строгих приверженцев классической живописной школы были Делакруа и Энгр. Причем второй продолжал заниматься копированием, будучи уже стариком.
«Никаких угрызений совести, если вы копируете древних. Их произведения — это общее достояние, откуда каждый может брать то, что ему понравится. Они становятся нашей собственностью, когда мы умеем ими пользоваться, Рафаэль, подражая им, оставался самим собой».
Жан Огюст Доминик Энгр, французский художник XIX века, лидер европейского академизма
«Клятва Горациев» (1784) Жака Луи Давида и копия, выполненная его учеником Энгром
Во второй половине XIX века в европейском искусстве появился ряд нестандартных направлений. Нередко случалось так, что художники бросали учебу в академии и выступали против классической школы. Несмотря на это, копирование как метод обучения продолжало жить. В частности, к нему прибегал Пол Сезанн, представитель постимпрессионизма.
Естественно, речь не идет о бездумном копировании, когда художник просто перерисовывает чужую работу, не особо заботясь о том, что делает. Из такого времяпрепровождения сложно извлечь пользу. Нужно обязательно внимательно анализировать оригинал: изучать технику, стиль, композицию, считывать смыслы, заложенные автором. При этом никто не запрещает вносить изменения в первоисточник. Копии, которые не следуют в точности за оригинальными картинами, правильнее называть репликами или интерпретациями, но здесь эти термины употребляться не будут, чтобы избежать путаницы и лишних усложнений.
Рубенс и Тициан
В 1600 году Рубенс отправился в Италию, где получил должность при дворе герцога Винченцо I Гонзага, чья семья владела потрясающей коллекцией живописи. Это собрание среди прочего включало в себя полотна Леонардо да Винчи, Рафаэля, Джулио Романо, Тициана. Последнего Рубенс ценил особенно высоко. Порой возникает ощущение, что ему хотелось повторить жизненный путь венецианского гения: завоевать уважение со стороны власть имущих, обзавестись роскошным домом и на протяжении долгого времени оставаться активным в творческом плане.
Сложно переоценить то, насколько сильно повлияли работы итальянских мастеров эпохи Возрождения на творчество Рубенса. Опираясь на их наследие и нидерландские традиции, он сумел создать собственный стиль — фламандское барокко. В 1605 году отцы-иезуиты заказали у него картину «Обрезание», предназначенную для высокого алтаря Генуэзского собора. Полотно отличается «богатством красок» и «насыщенной густотой мазка», что Рубенс по большей части позаимствовал у Тициана.
В картине Рубенса заметно влияние не только Тициана: например, Богородицу (в красно-синих одеждах) художник наделил благородной осанкой римских статуй
Рубенс копировал работы Тициана и в молодые годы, и в зрелом возрасте. В общей сложности он написал двенадцать копий его полотен. Среди них — картина «Адам и Ева», на которой изображено грехопадение человека. Считается, что оригинал относится к 1550-м годам, но точная дата его создания неизвестна. Рубенс работал над собственной версией во время пребывания в Испании в 1628–1629 годах.
Поездка в Мадрид стала первым официальным дипломатическим поручением живописца. По приказу короля Филиппа IV он получил доступ ко всем художественным коллекциям, причем в роли его гида выступал Диего де Веласкес. Рубенс воспользовался уникальной возможностью, в том числе и для того, чтобы заняться копированием Тициана. Его «Адам и Ева» имеет целый ряд отличий от первоисточника. В частности, Рубенс выбрал более интенсивную палитру. Другая важная особенность его полотна — попугай, который отсутствует на оригинальной картине. Он символизирует добро и противопоставлен лисе, выступающей в качестве символа зла и вожделения. Благодаря ему усиливается звучание темы искупления.
Обе версии «Адама и Евы» хранятся в музее Прадо, причем висят они рядом
Дюрер и Мантенья
В первой половине 1490-х Альбрехт Дюрер познакомился с творчеством Андреа Мантеньи, одного из виднейших представителей итальянского Возрождения, и начал копировать его работы. В их числе — гравюра «Вакханалия с Силеном», созданная в 1470-х. В центре композиции находится Силен, наставник Вакха, известный мудростью и склонностью к пьянству. На руках его держат два сатира. Работая над копией, Дюрер не стал строго следовать оригиналу: среди прочего он добавил ряд деталей к растениям, расположенным позади персонажей.
Оригинал Мантеньи — гравюра, выполненная в технике сухой иглы, работа Дюрера — рисунок тушью на бумаге
«Большие страсти» — серия, включающая в себя одиннадцать гравюр на дереве. К работе над ней Дюрер обращался дважды, при этом большая часть работ датируется периодом с 1496 по 1500 год. Как правило, под «Страстями» имелись в виду физические и духовные страдания, перенесенные Иисусом Христом в последние дни земной жизни. Эта тема была особенно востребована в Германии XV–XVI столетий. Чтобы раскрыть ее для простолюдинов, многие из которых не владели грамотой, церковь нередко прибегала к изобразительному искусству, в первую очередь к гравюрам. Уже в Средневековье появилась легко узнаваемая иконография всех сюжетов.
Среди ксилографий Дюрера, вошедших в «Большие страсти», — «Бичевание», датированное 1496 годом. В правом нижнем углу можно заметить мальчика с рогом — это дань уважения гравюре «Битва морских божеств» Андреа Мантеньи, которую Альбрехт скопировал двумя годами ранее. Подобные цитаты из творчества итальянского мастера встречаются и в других работах Дюрера.
Слева — фрагмент «Битвы морских божеств», справа — фрагмент «Бичевания». Конечно, Дюрер не в точности копирует персонажа с гравюры Мантеньи, но сходство явно присутствует
С Дюрером и копированием связана интересная история о том, как гений Северного Возрождения инициировал новый тип судебных разбирательств. В 1506 году он подал в Венеции первый иск, касавшийся интеллектуальной собственности. Дело в том, что художник Маркантонио Раймонди изготавливал весьма точные копии гравюр Дюрера и даже использовал его монограмму. Продавала подделки семья Даль Хесус. При желании фальсификат не слишком трудно отличить от оригинала. Преступники сами дали подсказку: на их работах красуются два логотипа издательской фирмы Даль Хесус и личное лого Раймонди. В итоге венецианские власти разрешили им и дальше торговать копиями, но запретили наносить на них монограмму Дюрера. При этом точно неизвестно, получил ли Альбрехт какую-либо финансовую компенсацию от ответчиков по делу.
Дюрер — первый художник, создавший и использовавший свою монограмму. Со временем у него появилось немало последователей
Дега и Гольбейн
На протяжении почти десяти лет Эдгар Дега работал над картиной «Семейство Беллелли». Художник продемонстрировал ее широкой публике в 1867 году. Естественно, параллельно он писал и другие полотна. В их числе — копия «Анны Клевской» Ганса Гольбейна, выполненная в начале 1860-х. Оригинал, датированный 1539 годом, был написан по заказу английского короля Генриха VIII. Полотно представляет собой свадебный портрет. После смерти третьей жены Джейн Сеймур любвеобильный монарх решил снова жениться. Супругу ему искали долго, и в итоге выбор пал на принцессу Анну из Дюссельдорфа. Перед тем как окончательно согласиться на продиктованный политическими причинами брак с ней, Генрих VIII попросил Гольбейна написать портрет потенциальной невесты. Увиденное на картине пришлось королю по вкусу, а вот реальность разочаровала, причем настолько сильно, что он с большой неохотой пошел под венец и довольно быстро развелся.
Копия Дега отличается от оригинала Гольбейна. В частности, изменения коснулись лица Анны Клевской: Эдгар немного увеличил глаза, сделал губы более пухлыми, удлинил нос.
«Нет искусства менее спонтанного, чем у меня. Что я делаю, это результат размышлений и изучения великих мастеров».
Эдгар Дега
Если сравнить лицо Анны Клевской на картине Дега с его автопортретом 1855 года, то можно заметить, что художник наделил принцессу собственными чертами
Вернемся к «Семейству Беллелли». Современников Дега картина особо не впечатлила, зато сейчас ее считают одним из главных шедевров музея Орсе в Париже. Художник изобразил семью своей тетки по отцовской линии — Лауры. На полотне она предстает вместе с мужем и двумя дочерьми — старшей Джованной и младшей Джулией. Сестры явно противопоставлены друг другу. Джулия сидит на самом краю стула, поджав под себя одну ногу. В ее позе читается живой и непоседливый характер. Старшая девочка выглядит куда серьезнее. Особого внимания заслуживает положение рук Джованны: оно напоминает положение рук Анны Клевской на портрете Гольбейна.
В «Семействе Беллелли» чувствуется влияние не только Гольбейна, но и других художников. Например, Энгра с его работами «Семья Форестье» и «Семья Гатто»
Ван Гог и японские гравюры
В середине XIX столетия произошло открытие Японии для остального мира после продолжительной самоизоляции. В то же время французы, близко познакомившиеся с японскими произведениями искусства, дали им высокую оценку. Известно, что гравюры укиё-э, а именно манга Хокусая, попали во Францию в качестве оберточной бумаги для фарфора и привлекли к себе внимание: в частности, в 1856 году ими заинтересовался художник-график Феликс Бракмонд. Впоследствии они стали служить источниками вдохновения для импрессионистов, которые во многом способствовали их популяризации в мире.
В 1867 году сегунат Эдо привез на Всемирную выставку в Париже множество фарфоровых и лаковых изделий, кимоно, гравюр и так далее. Когда мероприятие кончилось, все экспонаты оказались распроданными. Это событие — важнейшее в истории появления японизма. Термин ввел в обиход французский искусствовед Филипп Бюрти. У него есть целый ряд определений. Например, так называют влияние, которое оказала Япония на искусство Европы и Америки во второй половине XIX века. Значительную роль в распространении японизма сыграл торговец живописью, критик и журналист Зигфрид Бинг, с 1888 по 1891 год издававший на нескольких языках журнал «Живописная Япония».
Во время непродолжительной учебы в Академии художеств в Антверпене Ван Гог начал коллекционировать гравюры Утамаро, Хиросигэ и Хокусая. В 1886 году он перебрался в Париж к брату Тео, где продолжил приобретать новые экспонаты для своего собрания. Зимой 1887 года художник активно занимался копированием работ японских мастеров. Процесс включал в себя два этапа. Сперва Ван Гог чертил на листе бумаги сетку из квадратов и поверх нее рисовал то, что было изображено на гравюре. Далее он помещал такую же сетку на больший по размеру холст, а затем воспроизводил на нем контуры рисунка по квадратам. Потом Винсент приступал к работе с цветами, причем нередко наносил краски прямо из тюбиков.
«Японское искусство — это вроде примитивов, греков, наших старых голландцев — Рембрандта, Поттера, Хальса, Вермеера, Остаде, Рейсдаля: оно пребудет всегда…»
Винсент Ван Гог, «Письма к брату Тео»
До нас дошли только три копии, сделанные Ван Гогом подобным образом, хотя велика вероятность, что их было больше. Среди сохранившихся — «Мост под дождем» по мотивам гравюры Утагавы Хиросигэ
Японские гравюры оказали серьезное влияние на творчество Ван Гога. Он не только копировал работы мастеров Страны восходящего солнца, но и экспериментировал с их элементами при создании оригинальных полотен: среди прочего Винсент использовал яркие плоские цвета, отказывался от горизонта и прибегал к нетрадиционному кадрированию. Среди его картин, явно вдохновленных Японией, — «Цветущие ветки миндаля» (1890). Ван Гог выбрал необычный ракурс: он изобразил ветви снизу и очень близко. Винсент будто бы лежал на траве и видел их над собой. Этот подход художник позаимствовал как раз у японских авторов. Сам предмет изображения тоже напоминает о Японии, ведь цветам была отведена весьма важная роль в гравюре.
Миндальные деревья цветут очень рано, они выступают в роли предвестников весны и символизируют начало новой жизни. Неудивительно, что Ван Гог выбрал именно цветки миндаля, чтобы изобразить их на картине, предназначенной для своего новорожденного племянника
Мане и снова Тициан
С 1850 по 1856 год Эдуард Мане учился у известного художника-академиста Тома Кутюра, хотя и не был от него в восторге. В свободное время он копировал работы старых мастеров в Лувре и других европейских музеях. В 1853 году Мане вместе с братом Евгением отправился в Италию, и это путешествие оказалось для него крайне плодотворным в творческом плане. В частности, во Флоренции ему удалось сделать копию полотна «Венера Урбинская», которое считается одной из самых известных работ Тициана. Картина была написана в 1538 году по заказу герцога Урбинского Гвидобальдо II делла Роверо. Вероятно, в роли прототипа главной героини выступила Джулия Варано, молодая невеста заказчика.
«Мане был последним, кто великолепно писал, практикуя методы и приемы, заимствованные от испанцев, голландцев, фламандцев».
Жан-Эмиль Бланш, французский художник и писатель
Работа над копией «Венеры Урбинской» впоследствии помогла Мане при создании скандально известной «Олимпии»
«Художник изобразил под именем Олимпии молодую женщину, лежащую на кровати; всю ее одежду составляет лента в волосах и рука вместо фигового листка. На ее лице отпечаток преждевременной опытности и порока, ее тело цвета разлагающейся плоти напоминает обо всех ужасах морга».
Виктор де Янкович, критик
Есть мнение, что Мане был не силен в плане композиции, поэтому позаимствовал ее у Тициана
На примерах выдающихся художников хорошо видно, что работа над копиями — действительно важная и крайне полезная часть учебного процесса. Она позволяет чему-то научиться напрямую у мастеров прошлого, прикоснуться к великому искусству, лучше понять себя как творца. При этом не стоит бояться, что вы не найдете собственный стиль или утратите его. При правильном подходе копирование представляет собой настоящую волшебную палочку для художника, значение которой трудно переоценить.
Виды копий картин
Копия в изобразительном искусстве это повторение художественного произведения (картины), в такой же манере, материале и размере, который может быть меньше или больше оригинала.
Существует такое понятие как реплика, это авторское повторение своей картины, в котором могут быть отличия от оригинала в размере, каких то деталях и элементах композиции. Например картина Перова «Охотники на привале», находятся в Третьяковской галерее и Русском музее.
Вы можете заказать любому современному автору, повторение авторской картины которой у него нет по причине продажи и т.д., выполнение такой картины будет называться авторской репликой.
В сохранении произведений искусства, копии сыграли огромную роль, например, до наших дней дошли произведения греческого искусства как копии выполненные мастерами древнего Рима. Копированием занимались многие выдающиеся художники, это был как способ обучения, так и повышения своего профессионализма, например Рубенс находясь в Италии с дипломатической миссией, копировал картины итальянских художников. Была практика когда художники выезжали за пределы своей страны чтобы перенять опыт, копировали картины и отправляли на родину с целью познакомить с зарубежным искусством.
В наше время копии помогают сохранить наиболее ценные произведения от разных повреждений, а также копии изготавливают для продажи и оформления интерьеров.
В прежние времена искусство было доступно вначале только классу аристократии, потом буржуазии. В современное время искусство стало более доступно для широких масс людей, и если вам понравилась какая-то картина, вы можете заказать её копию.
Какие бывают копии картин:
1-Копии картин выполненные маслом на холсте
Такие копии пишутся художником вручную, и чем выше уровень профессионализма художника, тем выше уровень исполнения. Опытный художник копиист максимально передаст сходство с оригинальным полотном, в котором будет колорит, фактура мазка, техника исполнения близка к авторской живописи. Такая копия является самостоятельным художественным произведением, представляет, в том числе и материальную ценность. Стоимость зависит от уровня исполнения копии картины. Существуют аукционы на которых продаются такие копии картин. Отличие копии картины исполненной самобытным художником от профессиональной в том, что такая копия передаёт только поверхностное, внешнее сходство.
2- Компиляции.
Существуют также копии картин написанные в свободной манере или так называемые компиляции. Такая картина может иметь общий сюжет с оригиналом, но в него внесены изменения по колориту, технике исполнения, какие-то детали или элементы композиции. Такие копии могут быть очень интересны для покупателей. Уровень мастерства и исполнения определяют стоимость и художественную ценность.
3-Репродукции копий картин:
а-«Принт», «жикле» это нанесение изображения с помощью струйной или лазерной печати на холст, ткань, возможно добавление текстурного геля для имитации мазков и фактуры живописи. Какая бы точность с оригиналом не была, печать остаётся печатью, до оригинала ей далеко, со временем краска выгорает, гель сохнет. Художественной ценности такие картины не имеют. Предназначение таких копий картин в оформлении учреждений, офисов и т.д.
б-«Смешанная техника» это когда по напечатанному слою «принта» художник наносит масляные краски имитируя живопись. Иногда такую живопись выдают и за картины ручной работы, чтобы снизить себестоимость, к такой работе привлекают «самобытных» художников с образованием уровня художественной школы. Художественная ценность сомнительна. Покупают в основном для подарков, подкупает не дорогая цена, тем более такая живопись позиционируется как картина ручной работы, чем она не является.
• Необходимо добавить, что в нынешнее время существует такая практика, когда сам автор печатает свои картины, подписывает и продаёт как «авторский» принт. Изображение на картине печать, а подпись авторская, поэтому стоимость дешевле чем оригинал, но дороже чем просто принт.
• Практика печати на холсте имеет давнюю традицию, и сто лет назад имели место так называемые «Венки» (по месту начала производства г.Вена), цветной оттиск на холсте машинным способом, который поверх расписывали художники. Те кто занимается антиквариатом, хорошо это знают, такие картины (венки) иногда выдают за произведения того или иного известного художника. Бывает и реставраторы сталкиваются с таким явлением. Такие картины покрывались лаком, со временем он темнеет, желтеет, появляются поверхностные загрязнения, царапины, всё это создаёт антикварный вид картины. Неискушённому любителю старины или просто коллекционеру живописи не отличить такую картину от настоящей, чем иногда пользуются продавцы.
Как нарисовать цифровой портрет?
В сегодняшнем мастер-классе хотелось бы показать вам, как в несколько простых шагов можно нарисовать цифровой портрет.
Такая работа может стать хорошим подарком для друзей и родных. Готоввую работу можно распечатать практически на любом материале. Буть то холст, текстиль или чехол для мобильного телефона.
Данный мастер-класс подойдет тем людям, у которых уже есть какой-то навык в рисовании, но, возможно, и новочкам будет интересно узнать, как все происходит 🙂
Нам понадобится компьютер, графический редактор PhotoShop и (в идеале) графический планшет. Но можно обойтись помощью мышки, но это займет немного больше времени.
Сделаю уточнение я делала портрет из головы, вы будете рисовать на основе фотографии, так же если возникнут сложности можно небольшим контуром обвести черты лица. Главное правильно простроить все черты лица, чтобы портрет получился максимально похожим. Все должно быть простроено в перспективе.
2 шаг.
После того как вы сделали набросок и считаете, что получается похоже обводим все еще раз более темным цветом, чтобы было лучше видно и добавляем еще деталей, усложняем набросок. И на этом этапе сделаем себе политру сбоку, выбираем цвета кожи и основные цвета одежды и фона, чтобы постоянно не возвращаться к инструментам.
3 шаг.
На этам этапе начинаем добавлять цвета, кладем относительно света и теней, прорабатываем блики и все тени. Тут главное —разложить все цвета правильно.
4 шаг.
Далее начинаем тщательно прорабатывать все дитали, и улучшаем построение, делаем плавные переходы между тенью и светом. Чтобы получался реалестичный портрет.
5 шаг.
Теперь начинаем рисовать глаза, нос, рот, все маленькие детали, реснички и еле заметные рефлексы.
6 шаг.
Самое сложное — это завершить работу 🙂 Тут придется повозиться, постоянно сравниваем с оригиналом, и дорабатываем все детали. В фотошопе можно сделать цветокоррекцию отдельных элементов, Как видете, я решила изменить цвет волос и сделать более подходящий оттенок.
7 шаг.
Ставим все блики, тщательно прорисовываем волосы, чтобы не было ощущения сена. И вот, портрет готов. Самое главное сделать на начальных этапах похожий набросок и правильно разложить цвета и у вас все получится. ну и конечно повозиться с деталями.